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30 x 50 x 17 cm
Illuminated sign
The works “Prose” and “Poetry” are attempts to capture the perception of the effect of the two literary genres in a minimum of graphic signs.
In “Poetry“, the parentheses are inverted to create a subversion of language, an echo that resonates outward: reading as the possibility of twisting everyday logic.
In “Prose“, the parentheses announce a void, a pause, an isolation, a place that is filled with other people’s stories that are inserted into the flow of the reader’s daily reality: reading as a possibility of living other experiences.
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30 x 50 x 17 cm
Illuminated sign
The works “Prose” and “Poetry” are attempts to capture the perception of the effect of the two literary genres in a minimum of graphic signs.
In “Poetry“, the parentheses are inverted to create a subversion of language, an echo that resonates outward: reading as the possibility of twisting everyday logic.
In “Prose“, the parentheses announce a void, a pause, an isolation, a place that is filled with other people’s stories that are inserted into the flow of the reader’s daily reality: reading as a possibility of living other experiences.
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159 x 30 x 17 cm
lightboard
Edition of 3 + A.P
Letters are the atom of language. They can create infinite combinations, languages, narratives, speeches, thoughts. The sign Biblioteca infinita [Infinite Library] announces the possibility of recombining letters and colors: at a time when polarized discourses dominate the debate of ideas, we need imagination to rethink our performance in the world.
The image shows three phases of the work.
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600 x 600 x 300 cm
Installation, metal structure, mylar balloons, fans, air and helium gas
The installation Zero Tolerance Silver Clouds connects the American immigration policy “Zero Tolerance” to the installation Silver Clouds (1966), by Andy Warhol. In 2018, images of the detention center in Texas shocked the public by showing approximately 2 thousand migrant children imprisioned and separated from their families. In a barred space, children used silver blankets made with the same material as that used for Andy Warhol’s ballons.
“There is a real sense of liberty that can be felt among people that play with the silver clouds (…). The silver clouds show audiences that life can be fun, spontaneous and exciting especially when one is willing to explore other avenues and possibilities that are not grounded in rules and regulations.” ︎︎︎
The “American Dream”, national ethos of the US, sets ideals in which freedom includes the opportunity for prosperity and success, an upward social mobility for the family and children, achieved through hard work in a society with few barriers. Evoking an icon of contemporary art, the piece contrasts these ideals with the actual migration policies of the country.
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600 x 600 x 300 cm
Installation, metal structure, mylar balloons, fans, air and helium gas
The installation Zero Tolerance Silver Clouds connects the American immigration policy “Zero Tolerance” to the installation Silver Clouds (1966), by Andy Warhol. In 2018, images of the detention center in Texas shocked the public by showing approximately 2 thousand migrant children imprisioned and separated from their families. In a barred space, children used silver blankets made with the same material as that used for Andy Warhol’s ballons.
“There is a real sense of liberty that can be felt among people that play with the silver clouds (…). The silver clouds show audiences that life can be fun, spontaneous and exciting especially when one is willing to explore other avenues and possibilities that are not grounded in rules and regulations.” ︎︎︎
The “American Dream”, national ethos of the US, sets ideals in which freedom includes the opportunity for prosperity and success, an upward social mobility for the family and children, achieved through hard work in a society with few barriers. Evoking an icon of contemporary art, the piece contrasts these ideals with the actual migration policies of the country.
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600 x 600 x 300 cm
Installation, metal structure, mylar balloons, fans, air and helium gas
The installation Zero Tolerance Silver Clouds connects the American immigration policy “Zero Tolerance” to the installation Silver Clouds (1966), by Andy Warhol. In 2018, images of the detention center in Texas shocked the public by showing approximately 2 thousand migrant children imprisioned and separated from their families. In a barred space, children used silver blankets made with the same material as that used for Andy Warhol’s ballons.
“There is a real sense of liberty that can be felt among people that play with the silver clouds (…). The silver clouds show audiences that life can be fun, spontaneous and exciting especially when one is willing to explore other avenues and possibilities that are not grounded in rules and regulations.” ︎︎︎
The “American Dream”, national ethos of the US, sets ideals in which freedom includes the opportunity for prosperity and success, an upward social mobility for the family and children, achieved through hard work in a society with few barriers. Evoking an icon of contemporary art, the piece contrasts these ideals with the actual migration policies of the country.
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Variable dimensions
Acrylic paint on wall Photo Filipe Berndt <em>ainda, sempre, ainda [still, ever, still]</em>: rewriting a cartography, transliterating the word.<p><p>The temporal inflection in the exhibition title invokes, at once, the labor of memory. In between figure and ground, clarity and opacity, Marilá Dardot’s gesture is one Walter Benjamin described: “It is about appropriating something dangerous, which clamors to repeat itself with violence.” The strength of this artist-like act of reconfiguring the world and time is precisely where repetition can take on new historical and poetical meanings. <p>The work of Marilá Dardot has always been connected to the sheen of letters, in its direct relationship with literature or its power to capture the semantic games of language. Now, this hallmark folds over, unfurls, duplicates, amalgamates discourses in a labyrinthine construct that lends a voice to the ambiguity of the word and harbors a ceaseless emanation that strives for the unutterable that inhabits language. There is also the sensibility that delves into themes erased from history, repeated words which take on heteroclite directions and meanings, like the two adverbs chosen – still and ever. Together and in a way juxtaposed, they function as a glimpse into the enigma and a way to work around the imposture of language.<p> <em>Ainda sempre ainda [still ever still]</em> is an exhibit underpinned from its entrance on in by a state of loss, a relationship of crisis with language. <p> <em>In Linha do tempo [Timeline]</em>, another fold takes place: adverbs clipped from magazines published in Brazil since 1973 – the artist’s year of birth – and pasted on a surface create a timeline that projects the possibility of another passage, that trickles down amidst the words, a curve that scrambles up past, present and future. The questions therein delve deeper into the discussion ushered in by Georges Didi-Huberman in <em>Before time</em>: the realm of a complex, diffuse temporality. He argues that the thinking of Walter Benjamin, which underlies his anachronistic model, suggests that all historical narratives are composed of an assembly of heterogeneous elements. In Benjaminian terms, there is a currency to the past as seen through images. In the timeline Marilá Dardot creates, what comes into play is precisely the immoderateness of this impossibility, a wager on the minor revolution wrought by the dialectic effect that takes place between word and image, supporting enunciation as the last way out of the imaginary and political onslaught.<p> In <em>Palavra figura de espanto [Word figure of amazement]</em>, peeled-off book covers touch the evanescent materiality of word pairs which, in damaged, dusty spots, promote encounters and grooves that outline alternatingly improbable and tense, fluid and harmonic horizons, showcasing the ambiguous, delirious dimension of the word. The amazement in the face of the word – or word itself as a “figure of startlement” – resides in the act of tearing off books’ covers to reveal the pictorial remnants and layers, down to the actual groove created by writing upon the surface: remembrance of the walls of a cave that eventually led us to paper. The artist recognizes that in this journey, an entire trajectory of writing, or of letter, to be more exact: from stylus to quill, from quill to pen, from cursive to block letters, from manuscript to typography and the printing press. As a gesture of resistance, writing survives by welcoming the unsayable and unpronounceable, while also overtaking it with a warehouse’s worth of signs that hails the encounter with other voices and handwritings. Out of so many words – tired and livid, secretive and magical, uttered and held back – a world is forged: from impotence to the impossible, a different map with its marks, stains and coastlines.<p>In <em>Modelo para armar [Model kit]</em>, an installation and collage on cardboard box fragments features nouns cut out from old magazines. The now useless boxes harbor historical, political, affective narratives, and language itself enters the picture to be rearranged and re-signified like projectiles in a symbolic operation. The piece’s title references a book by Julio Cortázar, in which he spins a narrative out of mutable pieces, in an “assembly” where various word displacements set out to purge any fixedness, opening up meanings so the reader can assemble the elements their own way and ultimately write the story themselves. <p><p>The work of Marilá Dardot also calls upon us as active readers. Her work is not intended to produce stationary meaning; it does not produce subject-fixating explanations of any sort. Her work is a kind of anchoring that is also adrift and invites the production of new words that may recreate existence, in the very vertigo of unfamiliarity.<p>In <em>Ações do mundo [Actions of the world]</em>, her act of attempting to tear off the covers of books on nations of the world reveals the beauty of map fragments that compose new geographies. The books’ indexes announce chapters that describe countries in nationalist, imperious sentences. A portion of fabric from the cover, folded over, gives the piece its title, subverting the idea of nation into action: nations become the world’s actions, destabilizing the familiar world through inventive handling of language, promoting the mestizaje of heterogenous substances: word and image which, in the strength of a gesture or a fold, reveal that the experience of reinhabiting the body and inhabiting the word can found the world anew.<p> In that same dialogue, an idea of country gets recreated in <em>O Brasil o Brasil [The Brazil the Brazil]</em>.<p> Invoking the thickness of the word in its apparent simplicity, the words “The Brazil” – also clipped from old magazines – are pasted on a neutral-color surface, yet different colors and typologies come across as an essay of acute political strength. Akin to “Linha do tempo,” a dimension gets turned on its head, and here, as Walter Benjamin put it, “The true picture of the past flits by.” Marilá Dardot incorporates this dimension of time into her own existence: nearly 50 years after her birth and across the history of the country, she makes her work a true relay of experience in what the most singular and personal can say to the collective. <p>The <em>Libros Y</em> series was born from the sign lettering of a Mexico City publishing house – Libros y Editoriales. The typology and material in the signage were replicated to create other associations, like possible categories in an imaginary library whose books are the catalysts to feelings and actions. The events the book can generate, in the intimate as well as the political spheres, find a new world through words: pleasure, rebellion, subversion, disaster, potencies, transformations or insurrections. The lettering indicates that the rewriting of words that compose history must be done one letter at a time – an adventure which transcends communication and meaning to touch on an inscrutable point: its “contact point with the unknown.” <p>The experiences that the words in the lettering carry do not target meaning directly, but scurry through the lines which, first and foremost, are bets on the subversion of language and its transfiguring power. Such transfiguring is highlighted by Roland Barthes, who argues: “All poetry, all unconscious is a return to the letter,” an adventure situated at the margins of the purported purposes of language, and precisely for that reason, at the center of its action.<p> <em>Domine seu idioma [Master your language]</em>, a saying the artist found in a dictionary, takes on fresh meaning. Once again, the exploration of letters in their graphical, imagistic aspect opens doors to a dimension of language that will not allow itself to be fixated by any deciphering. A set of piled-up dictionaries with intense chromatic power, representing a paradigm whereby words perpetuate power and privilege, gets reclaimed in an unpredictable future. Words, in turn, will not allow themselves to be easily taken as pieces of a discourse. They glide, creating an ethics that points to the reverse of an imperative order.<p>In the cracks where poetry can be made, Marilá Dardot reinvents utopia, imbuing it with unique density. To master the language means to be able to move through time and beyond meaning: in other words, to be able to conquer the word, to honor it, to find, on the tip of the tongue, more than the promise or the hope of an ideal place: the tremor that makes us alive and recreates time. As Walter Benjamin admonishes: “To articulate what is past does not mean to recognize how it really was. It means to take control of a memory, as it flashes in a moment of danger.” <p><em>still, ever, still</em><p> Bianca Coutinho Dias<p>![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/08/mg_3366-copy.jpg)
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120 x 166 cm
Peeled book covers about world nations and index pages
Photo Filipe BerndtBook covers from the Nations of the World collection are undone, leaving fragments of maps and composing new geographies.
The indexes of the same books announce chapters that describe countries using nationalist phrases. A part of the fabric of the cover, folded, gives the title to the work: Actions of the world.
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30x241cm
Galvanized steel profile and enamel painting Photo Filipe Berndt The LIBROS Y series starts from the artist’s encounter with a street sign in Mexico City that announced a publishing house: LIBROS Y EDITORIALES. The typology and material of that sign are reproduced to create other associations, as possible categories of an imaginary library in which books appear as subjects that catalyze feelings and actions.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/07/marila_dardot_libros_y_amores_2022_foto_filipe_berndt.jpg)
30x418cm
Galvanized steel profile and enamel painting Photo Filipe Berndt The LIBROS Y series starts from the artist’s encounter with a street sign in Mexico City that announced a publishing house: LIBROS Y EDITORIALES. The typology and material of that sign are reproduced to create other associations, as possible categories of an imaginary library in which books appear as subjects that catalyze feelings and actions.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/07/marila_dardot_libros_y_transfromaciones_2022_foto_filipe_berndt.jpg)
30x260cm
Galvanized steel profile and enamel painting Photo Filipe Berndt The LIBROS Y series starts from the artist’s encounter with a street sign in Mexico City that announced a publishing house: LIBROS Y EDITORIALES. The typology and material of that sign are reproduced to create other associations, as possible categories of an imaginary library in which books appear as subjects that catalyze feelings and actions.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/07/marila_dardot_libros_y_afectos_2022_foto_filipe_berndt.jpg)
Variable dimentions
Galvanized steel and enamel painting Photo Galeria Vermelho The “Libros Y” series was born from the artist’s encounter with a street sign in Mexico City that advertised a publishing house: LIBROS Y EDITORIALES. The typology and material of that sign are reproduced to create other associations, as possible categories of an imaginary library in which books appear as subjects that catalyse feelings and actions.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/1_2022_libros_y.jpg)
32,5 x 49 x 19 cm
Permanent marker on books and artwork crate
Photo Filipe BerndtWhile compiling the units of a language, dictionaries also represent a paradigm in which words perpetuate the powers and privileges of a particular class or nation. In Domine seu idioma [Master your language], Marilá Dardot uses a collection of dictionaries as the basis for a lexical game with expressions associated with speech. The idea of a common language is replaced by that of “their language”, presupposing differences and dissidences, opening gaps for new plural articulations.
![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/2_2021_domine_seu_idioma_filipe_berndt.jpg)
44 x 63 cm
Collage with book and book covers on Crescent paper and wood base Photo Ana Pigosso![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/3_2019_o_livro_das_raparigas_1a_serie_ana_pigosso.jpg)
200 x 95 x 95 cm
Steel weather vane Photo Vicente Pouso![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/4_2019_los_cuatro_puntos_cardinales.jpg)
12´52´´
Video Photo Video still Marilá Dardot developed and first presented this work at Havana’s 13rd Biennial, Cuba.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/5_2019_ir_y_volver.jpg)
![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/6_2018_saudade_our_flags.jpg)
![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/7_2018_mito_motim__galpaovb_pedro_napolitano_prata.jpg)
21 x 29,7 cm each
Inkjet print and crayon on paper Photo Galeria Vermelho In 2016, Marilá Dardot launched the Coloring Book - Retrospective 2015, questioning the editorial and behavioural phenomenon of coloring books for adults: here the act of coloring, unlike an “anti-stress therapy”, provokes the confrontation with a hard reality, often tragic, that we try to forget. The coloring pictures are drawings based on shocking photos from the year 2015, published in Brazilian newspapers. Two years later, the artist selected images from the book related to Brazilian events and colored them with black crayon, giving them an ambiguous character, in which memory and forgetfulness become latent.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/8_2018_livro_de_colorir_brasil_2015.jpg)
101 x 62 cm
Collage on Accademia Fabriano paper Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/9_2017_flylead_red.jpg)
21 x 52 x 33 cm
Maple pruning wood, book covers, copper nails Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/10_2017_antologia_de_inverno_walt_whitman.jpg)
68 x 101 cm
Books endpapers and acrylic Photo Edouard Fraipont![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/11_2016_investigacao_rd_verde_edouardfraipont.jpg)
Variable dimentions
Installation - 101 pieces made of fragments of books pasted on MDF on wall Photo Everton Ballardin![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/12_2016_codigo_desconhecido_chacara_lane_everton_ballardin.jpg)
90 x 130 cm (each) - triptych
Digital print on cotton fabric Photo Gabi Carrera![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/13_2016_a_republica_travessias_5_emergencia__mare__rio_de_janeiro_gabi_carrera.jpg)
58 x 76 cm
Gouache and mineral print on Matt Cotton Smooth paper, frame and wall.
Photo Mario GrissoliThe series gathers verses in which poets define colors. The verses were scanned while maintaining its original typology, enlarged and printed on cotton paper. Each sheet is painted with the described color. The gouache ink overflows from the paper until reaching the wall.
![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/14_2013_2014_blue_gertrude_-_da_serie_cores_nomes.jpg)
23 x 32 x 32 cm
Object book - hardcover and bond paper Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/15_2013_volta_ao_dia_em_80_mundos.jpg)
Variable dimentions
3 tons of offset printing test papers distributed in 20 on-site carved piles Photo Edouard Fraipont![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/16_2013_as_coisas_estao_no_mundo_edouard_fraipont.jpg)
70 x 118 cm
Mineral pigment ink on Hahnemühle Photo Rag 308g cotton paper Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/17_2012_literatura_dibujada__discusion.jpg)
![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/18_2012_introducao_ao_terceiro_mundo_vermelho_foto_rafael_canas.jpg)
131,4 x 179 cm
acrylic paint on glass Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/19_2011_novo_-_da_serie_novas_pinturas.jpg)
Variable dimentions
150 letter-shaped ceramic pots, soil, seeds and gardening tools Photo Pedro Motta The installation that was part of the artist’s first solo exhibition at Museu de Arte da Pampulha (Belo Horizonte), reflects her interest in language as it invites the beholder to compose words and sentences with letter-shaped ceramic pots. The architecture of the gallery finds its point of departure in the design of the early brickyard operating in the surroundings of Instituto Inhotim. Devoid of walls, windows, or doors, the place is a plantation workshop open to the landscape, where the visitor can find gardening tools, earth, and seeds. The 1.500 initial letter-pots were produced at Inhotim by women of local communities. Source: Inhotim Institute Official Website![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/20_2011_instituto_inhotim_a_origem_da_obra_de_arte_1_foto_pedro_motta.jpg)
Variable dimentions
150 letter-shaped ceramic pots, soil, seeds and gardening tools Photo Pedro Motta The installation that was part of the artist’s first solo exhibition at Museu de Arte da Pampulha (Belo Horizonte), reflects her interest in language as it invites the beholder to compose words and sentences with letter-shaped ceramic pots. The architecture of the gallery finds its point of departure in the design of the early brickyard operating in the surroundings of Instituto Inhotim. Devoid of walls, windows, or doors, the place is a plantation workshop open to the landscape, where the visitor can find gardening tools, earth, and seeds. The 1.500 initial letter-pots were produced at Inhotim by women of local communities. Source: Inhotim Institute Official Website![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/21_2011_instituto_inhotim_a_origem_da_obra_de_arte_2_foto_pedro_motta.jpg)
22 x 31 cm
Colagem com marcadores de páginas coloridos (polipropileno) sobre papel Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/22_2011_ilha_4_-_da_serie_mapas.jpg)
Variable dimentions
Book and ripped book pages Photo Galeria Vermelho![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/23_2011_avant_et_apres_la_lettre_chambres_sourdes_rentilly.jpg)
Variable dimentions
Masonry, wallpaper, rugs, tiles, carpets, books, chairs and stools Photo Galeria Vermelho “Longe daqui, aqui mesmo” (Far away, right here) was specially created by Marilá Dardot and Fabio Morais for the 29t São Paulo Biennial. The two artists were asked to imagine a library for the exhibition, and the result is an under-construction maze-house, a place made of bricks, affections and tributes. The outside view is an unfinished space, like a maze/house under construction. When the visitor enters, he walks through some led and wallpapered rooms, he crosses doors and steps on carpets with book covers images. Bricks and books are a construction element here (and literature, ideas, words). When the library is reached, the visitor is surprised by a white finished room where he will find books and chairs to sit on and enjoy reading. The artists proposed three collections for the library: one was the answer of the artists participating in the 29a Bienal to the question: “Which book would you use to build your house?”; other was an open call for artists books; and, finally, a selection of contemporary literature. After the end of the exhibition, the collection will be part of the Historical Archive Wanda Svevo, maintained by the Fundação Bienal de São Paulo, and open to public access.![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/24_2010_29a_bienal_de_sp.jpg)
154 x 267 cm
Digital print on photographic paper and wood Photo Edouard Fraipont![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/25_2008_o_labirinto_edouard_fraipont.jpg)
Variable dimentions
Video installation Photo Ding Musa![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/26_2006_entre_nos_27a_bienal_de_sp_ding_musa.jpg)
Variable dimentions
Video installation Photo Ding Musa![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/27_2006_entre_nos_frames.jpg)
14 x 21,5 x 9 cm
Acrylic, printed fax paper and screws Photo Edouard Fraipont![](https://galeriavermelho.com.br/wp-content/uploads/2022/03/28_2000_a_retorica_edouard_fraipont.jpg)
Marilá Dardot’s production deals with language and literature through videos, photographs, prints, sculptures, paintings, actions and site-specific installations. Some of them references literary and philosophical works and authors in their titles and concepts, while others take the shape of books and the construction of free-access spaces, like libraries.
“I have made works built from pieces of books since 2014. It all started when I was doing a residency in Vienna. Surrrounded by books written in a language I do not read, my attention turned to its parts, to the very matter of which they were made. Freed from its words, from those books I read their bodies: covers, text blocks and endpapers; colours, shapes and drawings from different times and different origins. It was when I started the series Minha biblioteca (My Library) and Código deconhecido (Unknown Code) series. Over the years, parts of books have been accumulating in my atelier, and from these has come other works: Investigação (Research), Antologia de Inverno (Winter Anthology), Flyleaf, A pronúncia do mundo (The naming of the world). I’ve sometimes wondered why I, the book lover, dared destroy these books. I found that bibliophagy, like anthropophagy, could be liberating. I understood that, apart from the pleasure I enjoy from the formal practice of these experiments, these wordless works, mute at first glance, embodied other potentials and other readings. Their silences engender the dialogical construction of new narratives, a new naming of the world, an act of creation” – Marilá Dardot.
Dardot had her work shown in national and international institutions such as Galpão VB (São Paulo, 2018), Seattle Art Museum (Seattle, 2017), Pera Museum (Istanbul, 2017), Museu da Cidade (São Paulo, 2016), MAC Lyon (Lyon, 2014), Astrup Fearnley Museet (Oslo, 2013) David Rockefeller Center for Latin American Studies (Cambridge, 2012), 29ª Bienal de São Paulo (São Paulo, 2010) and 27ª Bienal de São Paulo (São Paulo, 2016).
Her work is present in important collections such as Pera Art Museum (Istanbul), Pina (Pinacoteca do Estado de São Paulo) and MAM-SP (Museum of Modern Art São Paulo). In addition, Dardot has a pavilion permanently installed at Instituto Inhotim (Brazil) with the work, A origin da obra de arte [The origin of thw work of art](2002-2011); and, at Parque do Governador in Vitória, ES, the artist maintains a permanent installation, inaugurated in May 2022, entitled Pensamento do Fora (revisited), with sixty signposts arranged throughout the park. The signs substitutes the typical informative phrases to give place to quotes from books by women-, black-, indigenous- and LGBTIQA+ authors, published or republished in Brazil in the last twenty years.
Marilá Dardot’s production deals with language and literature through videos, photographs, prints, sculptures, paintings, actions and site-specific installations. Some of them references literary and philosophical works and authors in their titles and concepts, while others take the shape of books and the construction of free-access spaces, like libraries.
“I have made works built from pieces of books since 2014. It all started when I was doing a residency in Vienna. Surrrounded by books written in a language I do not read, my attention turned to its parts, to the very matter of which they were made. Freed from its words, from those books I read their bodies: covers, text blocks and endpapers; colours, shapes and drawings from different times and different origins. It was when I started the series Minha biblioteca (My Library) and Código deconhecido (Unknown Code) series. Over the years, parts of books have been accumulating in my atelier, and from these has come other works: Investigação (Research), Antologia de Inverno (Winter Anthology), Flyleaf, A pronúncia do mundo (The naming of the world). I’ve sometimes wondered why I, the book lover, dared destroy these books. I found that bibliophagy, like anthropophagy, could be liberating. I understood that, apart from the pleasure I enjoy from the formal practice of these experiments, these wordless works, mute at first glance, embodied other potentials and other readings. Their silences engender the dialogical construction of new narratives, a new naming of the world, an act of creation” – Marilá Dardot.
Dardot had her work shown in national and international institutions such as Galpão VB (São Paulo, 2018), Seattle Art Museum (Seattle, 2017), Pera Museum (Istanbul, 2017), Museu da Cidade (São Paulo, 2016), MAC Lyon (Lyon, 2014), Astrup Fearnley Museet (Oslo, 2013) David Rockefeller Center for Latin American Studies (Cambridge, 2012), 29ª Bienal de São Paulo (São Paulo, 2010) and 27ª Bienal de São Paulo (São Paulo, 2016).
Her work is present in important collections such as Pera Art Museum (Istanbul), Pina (Pinacoteca do Estado de São Paulo) and MAM-SP (Museum of Modern Art São Paulo). In addition, Dardot has a pavilion permanently installed at Instituto Inhotim (Brazil) with the work, A origin da obra de arte [The origin of thw work of art](2002-2011); and, at Parque do Governador in Vitória, ES, the artist maintains a permanent installation, inaugurated in May 2022, entitled Pensamento do Fora (revisited), with sixty signposts arranged throughout the park. The signs substitutes the typical informative phrases to give place to quotes from books by women-, black-, indigenous- and LGBTIQA+ authors, published or republished in Brazil in the last twenty years.
Marilá Dardot
1973. Belo Horizonte, Brasil
Lives and works in Mexico City
Solo Exhibitions
2022
– ainda sempre ainda – Museu Paranaense (MUPA) – Curitiba – Brazil
– Diálogos Contemporâneos: Marilá, Willys, Lothar – Instituto de Arte Contemporânea (IAC) – São Paulo – Brazil
– ainda sempre ainda – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Marilá Dardot. Pensamento do fora (revisitado) – Parque Casa do Governador – Vila Velha – Brazil
– Tort(guerr)illa. Projeto de Marilá Dardot para #novoysola
2021
– Caixa de Correio – Porto – Portugal
– Primeira Plana – Museo Experimental El Eco – Cidade do México – México
2020
– Projeto 15 segundos – Belo Horizonte – Brasil
2019
– Marilá Dardot. A pronúncia do mundo – Galeria Vermelho – São Paulo – Brasil
2018
– Lisbon blues – Nanogaleria – Lisboa –Portugal
– Saudade (our flag) – Montalvo Arts Center – Saratoga – EUA
2017
– Marilá Dardot: Benivenidos – Arredondo \ Arozarena – Cidade do México – México
– Interdito – Galeria Filomena Soares – Lisboa – Portugal
2016
– Guerra do Tempo – Chácara Lane – Museu da Cidade – São Paulo – Brasil
2015
– Diário – Galeria de Arte GTO – SESC Palladium – Belo Horizonte – Brasil
2014
– Hier – Galerie Krinzinger – Viena – Áustria
– As coisas estão no Mundo – Galeria Vermelho – São Paulo – Brasil
– Pouco a Pouco – Casa de Cultura Laura Alvim – Rio de Janeiro – Brasil
2013
– The Landscape is moving – Frieze Art Fair [Sculpture Park] – Regent’s Park – Londres – Inglaterra
– As coisas estão no mundo – Galeria Silvia Cintra – Rio de Janeiro – Brasil
– No Silêncio Nunca Há Silêncio – The Wanås Foundation – Knislinge – Suécia
2012
– Intervenções VI – Museu Lasar Segall – São Paulo – Brasil
– Novas Pinturas – Galeria Vermelho – São Paulo – Brasil
2011
– Introdução ao Terceiro Mundo – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Introdução ao Terceiro Mundo – Centro Cultural Banco do Brasil [CCBB] – Rio de Janeiro – Brazil
– Rayuela – Biblioteca MAM – Museu de Arte Moderna [MAM SP] – São Paulo – Brazil
– Avant et après la letter – Solo Project – Zona MACO – Cidade do México – México
2010
– Alices – Galeria Vermelho- São Paulo – Brazil
– Alices – Centro Brasileiro Britânico – São Paulo – Brazil
2008
– Ficções – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– MUCA Roma – Museo Universitario de Ciencias y Arte – Mexico City – Mexico
2007
– Sob Neblina [em segredo] –Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) – São Paulo – Brazil
2006
– Trajetórias – Fundação Joaquim Nabuco – Recife – Brazil
2005
– Biblioteca de Babel – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
2004
– Bolsa Pampulha: Marilá Dardot – Museu de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – Brazil
– Solto, Cruzado e Junto – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
2002
– Projeto Castelinho – Centro Cultural Oduvaldo Vianna Filho – Castelinho do Flamengo – Rio de Janeiro – Brazil
– Projeto Pampulha – Museu de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – Brazil
2001
– Projeto 10 de 2001 – Escola de Artes Visuais do Parque Lage – Rio de Janeiro – Brazil
Group Exhibitions
2024
– Suite Nº1 – Fundación Maceta – Cidade do México – México
2023
– XVI Bienal de Cuenca. Quizá manãna – Museo Pumapungo – Cuenca – Mexico
– Rayuela – Galería Marlborough – Madrid – Spain
– Beneath the Surface, Behind the Scenes – Heidi Museum of Modern Art – Melbourne – Australia
– Casa no céu – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Biblioteca infinita – Centro Cultural Brasil-México – Mexico City – Mexico
– Brasil Futuro: as formas da democracia – Casa da Onze Janelas – Belém – Brazil
– Brasil Futuro: as formas da democracia – Museu Nacional da República – Brasília-DF – Brazil
2022
– Outras Lembranças, Outros Enredos – Cordoaria Nacional – Lisbon – Portugal
– Séries MBac | Clube do Colecionado – Matias Brotas Arte Contemporânea – Vitória – Brazil
– Eu sinto falta do meu cerébro pré-internet – Galeria Athena – Rio de Janeiro – Brazil
– Livros de Artista na Coleção Itaú Cultural (online exhibit)
– 13ª Bienal do Mercosul – Cais do Porto – Porto Alegre – Brazil
– Bitácoras: Colección Fundación Casa Wabi – Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro – Querétaro – Mexico
– Contar o Tempo – Centro Cultural Mariantonia – São Paulo – Brazil
– No sonho do homem que sonhava, o sonhado acordou – Museu do Chiado – Lisbon – Portugal
– Raíz y Rizoma. México en la Colección Otazu – Fundación Casa de México en España – Madrid – Spain
2021
– Mutirão – Nowhere Lisboa – Lisbon – Portugal
– Desde la Herida. BienalSur 2021 – Centro Cultural Kichner – Buenos Aires – Argentina
– No sonho do homem que sonhava o sonhado acordou. Bienal ANOZERO – Círculo de Artes Plásticas de Coimbra – Coimbra – Portugal
– Museu sem Paredes – online exhibition: museusemparedes.com
– Tienda de Memorias – Fundación Casa Wabi – Puerto Escondido – Mexico
– Língua Solta – Museu da Língua Portuguesa – São Paulo – Brazil
2020
– Além do Traço – Mama Cadela – Belo Horizonte – Brazil
– Dia, Noite, Noite. Coleção Andréa e José Olympio Pereira Galpão da Lapa – São Paulo – Brazil
– Não vamos para Marte – Galeria Jaqueline Martins – São Paulo – Brazil
– Viaje hacia la luz – Aninat Galeria de Arte – Santiago – Chile
– Confines y confinamentos. 15ª Bienal de Cuenca – Fundación Bienal de Cuenca – Cuenca – Equador
– Essa palavra presa na garganta – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia [MAAT] – Lisbon – Portugal
– Pedágio de mim – Foco Brasil – Not a Museum – Lisbon – Portugal
– Narrativas em Processo: Livros de Artista na Coleção Itaú Cultural. Museu de Arte de Santa Catarina (MASC) – Florianópolis – Brazil
– Dupla Central na Biblioteca Mário de Andrade – Biblioteca Mário de Andrade – São Paulo – Brazil
2019
– Terceira Margem. Anozero’19. Bienal de Arte Contemporânea de Coimbra – Coimbra – Portugal
– El animal herido – Museo Experimental El Eco – Mexico City – Mexico
– 21º Bienal de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil | Comunidades Imaginadas – Sesc 24 de Maio – São Paulo – Brazil
– Eu estou aqui agora – Fundação Vera Chaves Barcellos – Porto Alegre – Brazil
– SEGUNDA-FEIRA, 6 DE JUNHO DE 2019 – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Arte Naïf – Nenhum museu a menos – Parque Lage – Rio de Janeiro – Brazil
– 13ª Bienal de Habana – Havana – Cuba
2018
– Exposición Inaugural – Museo de Arte Contemporáneo Querétaro (MACQ) – Querétaro – Mexico
– Tarefas Infinitas – Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin – Cidade Universitária – São Paulo – Brazil
– Processos em Trânsito: O.Livro.de.Artista.2018 – Galeria da Câmara Municipal – Matosinhos -Portugal
- Outro Ontem – Lisbon – Portugal
– MitoMotim – Galpão VB – São Paulo – Brasil
- Palavra Viva – Sesc Palladium – Belo Horizonte – Brazil
2017
– 60 Anos, Museu + Residência – Museu de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – Brazil
– Everyday Poetics – Seattle Art Museum – Seattle – USA
– As Bandeiras da Revolução: Pernambuco 1817-2017 – Fundação Joaquim Nabuco – Galeria Massangana – Recife – Brazil
– Tensão & Conflito. Arte em Vídeo após 2008 – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia [MAAT] – Lisbon – Portugal
– Doublethink: Double Vision – Suna and Inan Kiraç Foundation – Pera Museum – Istanbul – Turkey
– Sala de Leitura – SESC São Carlos – São Carlos – Brazil
– Unanimous Night – Contemporary Art Centre (CAC) – Vilnius – Lithuania
– Travessias 5: Emergência – Maré – Rio de Janeiro – Brazil
– En el silencio nunca hay silencio – Jardín Ochil – Mérida – Mexico
– Sesc Cine Lounge na 20ª Mostra de Cinema de Tiradentes – Tiradentes – Brazil
2016
– Os muitos e o um: a arte contemporânea brasileira na coleção de José Olympio e Andrea Pereira – Instituto Tomie Ohtake (ITO) – São Paulo – Brazil
– Clube da Gravura: 30 anos – Museu de Arte Moderna (MAM) – São Paulo – Brazil
– Coletiva – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Ephemera: Diálogos Entre-Vistas. A Arte de Contar Histórias – MAC Niterói – Rio de Janeiro – Brazil
– Lupa – Ensaios Audiovisuais – Museu de Artes e Ofícios – Belo Horizonte – Brazil
– Brasil, Beleza?! – Museum Beelden aan Zee – Den Haag – The Netherlands
– Cappadox 2016 – Let Us Cultivate Our Garden – Cappadocia – Turkey
– Unânime Noite – Bolsa de Arte São Paulo – São Paulo – Brazil
2015
– Fotos contam Fatos – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Imagine Brazil – DHC/Art Foundation for Contemporary Art – Montreal – Canada
– Apodi, 69 – Pivô – São Paulo – Brazil
– Ficções – Caixa Cultural RJ – Rio de Janeiro – Brazil
– Reverta – Arte e Sustentabilidade – Oca – Parque do Ibirapuera – São Paulo Brazil
2014
– Huna, Hunak: Here/There – Al Riwaq Exhibitihion space Doha – Qatar
– Arte e Sociedade no Brasil 2 – Museu de Arte do Rio (MAR) – Rio de Janeiro – Brazil
– Pela Superfície das Páginas – Espaço Cultural Marcantonio Vilaça – Brasília – Brazil
– Imagine Brazil – MAC Lyon – Lion – France
– Lines – Hauser & Wirth – Zurich – Switzerland
– A tara por livros ou a tara de papel – Galeria Bergamin – São Paulo – Brazil
– Dispositivos para um mundo (im)possível (Roesler Hotel #25) – Galeria Nara Roesler – São Paulo – Brasil
2013
– Conclusion never comes – El Brocense Art Gallery – Caceres – Spain
– Imagine Brazil (Artist’s Books)- Astrup Fearnley Museet – Oslo – Norway
– Além da Biblioteca – Feira do Livro de Frankfurt 2013 – Frankfurt – Germany
– Arquivo Vivo – Paço das Artes – São Paulo – Brazil
– 30 X Bienal: Transformações na Arte Brasileira da 1ª à 30ª edição – Pavilhão da Bienal – São Paulo – Brazil
– Além da Biblioteca – Itochu Aoyama Art Square – Tóquio – Japão
– Blind Field – Broad Art Museum – East Lansing – USA
– Blind Field – Krannert Art Museum – Champaign – USA
– Circuitos Cruzados: o Centre Pompidou encontra o MAM – Museu de Arte Moderna (MAM SP0 – São Paulo – Brazil
2012
– Mundo no Papel: Enciclopedismo em Livros de Artista – Biblioteca Universitaria da UFMG – Belo Horizonte – Brazil
– Through the surface of the pages – David Rockefeller Center for Latin American Studies – Cambridge – USA
– The Storytellers – The Stenersen Museum – Oslo – Norway
– AVer – Atelier Aberto – Campinas – São Paulo – Brazil
– Expansivo – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
2011
– Estou Aqui – Galeria Marília Razuk – São Paulo – Brazil
– Contra a Parede – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Os Primeiros Dez Anos – Instituto Tomie Ohtake – São Paulo – Brazil
– Mapas Invisíveis – Caixa Cultural São Paulo (Paulista) – São Paulo – Brazil
– Além da Biblioteca – Museu Lasar Segall – São Paulo – Brazil
– Um Outro Lugar – Museu de Arte Moderna [MAM RJ] – Rio de Janeiro – Brazil
– Porque sim – Galeria Millan – São Paulo – Brazil
– O Sismógrafo – Palácio das Artes – Belo Horizonte – Brazil
– Chambres sourdes – Parc culturel de Rentilly – Rentilly – France
2010
– Arroz com Feijão – Projeto Brasil Arte Contemporânea – Miami – USA
– Livre Tradução – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– 29ª Bienal de São Paulo: Há sempre um copo de mar para um homem navegar – Pavilhão da Bienal – São Paulo – Brazil
– 2 de Copas – Vera Cortez e Tijuana/Vermelho – Lisbon – Portugal
– Paradas em Movimento: Wonderland – Ações e Paradoxos – Centro Cultural São Paulo (CCSP) – São Paulo – Brazil
– Paisagem Incompleta – Centro Cultural Usiminas – Ipatinga – Brazil
2009</s trong>
– Por Aqui – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Salon Light – livros e flores – Feira de artes impressas – CNEAI + Vermelho – São Paulo – Brazil
– Artérias e Capilares – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– The Communism of Forms – Art Gallery of York University (AGYU) – Toronto – Canada
– Meeting Point – Doris McCarthy Gallery – Toronto – Canada
– Desenhos [drawings] A – Z – Museu da Cidade – Lisbon – Portugal
– Nova Arte Nova – Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) – São Paulo – Brazil
2008
– Silêncio ! – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Container Art – Mostra de Videoarte – Parque Villa Lobos – São Paulo – Brazil
– 4ª Paralela – Liceu de Artes e Ofícios – São Paulo – Brazil
– Nova Arte Nova – Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB RJ) – Rio de Janeiro – Brazil
– Hecho a Mano, el oficio en el arte – Casas Riegner – Bogotá – Colombia
– COLEÇÃO, Par(ent)esis, projeto itinerante, Curitiba, Belém, Florianópolis, São Paulo e Rio de Janeiro – Brazil
– Provas de Contato – Galeria Vermelho – São Paulo – Brazil
– Ar Livre – paisagens audiovisuais – Oficina Cultural Regional Hilda Hilst – Parque Ecológico Monsenhor Emílio José Salim – Campinas – Brazil
– Procedente MAP: Novas Aquisições – Museu de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – Brazil
– Turistas, Volver – Galeria Carminha Macedo – Belo Horizonte – Brazil
– Proyectos para Desconstrucción – Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA Roma) – Mexico City – Mexico
– Reação em Cadeia – Centro Cultural São Paulo (CCSP) – São Paulo – Brazil
– Contraditório – Panorama da Arte Brasileira 2007 - Sala Alcalá 31 – Madrid - Spain
2007
– Contraditório – Panorama de Arte Brasileira – Museu de Arte Moderna [MAM SP] – São Paulo – Brasil
– Encontro entre dois mares – Bienal de São Paulo-Valência – Luz ao Sul – Museo del Carmen – Valencia – Espanha
– Close to me – Studio Guenzani – Milão – Itália
– Desenhos: A-Z [Drawings: A-Z] – Colecção Madeira Corporate Services – Porta 33 – Ilha da Madeira – Portugal
– Desenho é um verbo [Drawing is a verb] – Colecção Madeira Corporate Services – Porta 33 – Ilha da Madeira – Portugal
2006
– This is not a love song – Galeria Vermelho – São Paulo – Brasil
– Manobras Radicais –Centro Cultural Banco do Brasil [CCBB] – São Paulo – Brasil
– 27ª Bienal de São Paulo: Como viver junto – São Paulo – Brasil
– Videometry – Barcelona – Espanha
– Prêmio CNI SESI Marco Antonio Vilaça para Artes Plásticas – Museu Nacional de Belas Artes – Rio de Janeiro; Casa das II Janelas – Belém; MAMAM – Museu Aloísio Magalhães – Recife; Usina do Gasômetro – Porto Alegre – Brasil
2005
– Panorama da Arte Brasileira –Museu de Arte Moderna [MAM SP] – São Paulo – Brasil
– Prêmio CNI SESI Marco Antonio Vilaça – CNI SESI Brasília; Instituto Tomie Othake – São Paulo – Brasil
– Educação, Olha – A Gentil Carioca – Rio de Janeiro – Brasil
– Premiados na 5°Edição Prêmio Sergio Motta – Paço das Artes – São Paulo – Brasil
– Viés – Galeria Vermelho – São Paulo – Brasil
– Desenhos: A-Z [Drawings: A-Z] – Colecção Madeira Corporate Services – Porta 33 – Ilha da Madeira – Portugal
2004
– Posição 2004 – Escola de Artes Visuais do Parque Lage – Rio de Janeiro – Brasil
– Léo Bahia Arte Contemporânea – Belo Horizonte – Brasil
– Novas Aquisições 2003 – Coleção Gilberto Chateaubriand – Museu de Arte Moderna [MAM RJ] – Rio de Janeiro – Brasil
– Título de Pintura – Ateliê Aberto – Campinas – Brasil
– Paisagens – Léo Bahia Arte Contemporânea – Belo Horizonte – Brasil
2003
– Modos de Usar – Galeria Vermelho – São Paulo – Brasil
– Observações Sobre o Espaço e o Tempo – UNICSUL – Campus Anália Franco – São Paulo – Brasil
– Tecendo o Visível – Instituto Tomie Ohtake – São Paulo – Brasil
2002
– Matéria-Prima – Novo Museu – Curitiba – Brasil
– Linguagens Visuais 2000/2001 – Palácio Gustavo Capanema – Rio de Janeiro – Brasil
– Mostra Rio Arte Contemporânea – Museu de Arte Moderna [MAM RJj] – Rio de Janeiro – Brasil
2001
– Uma Geração em Trânsito –Centro Cultural Banco do Brasil [CCBB] – Rio de Janeiro – Brasil
– VII Salão da Bahia –Museu de Arte Moderna [MAM BA] – Salvador – Brasil
2000
– Sequência – Galeria da Escola Guignard – Belo Horizonte – Brasil
1999
– 4° Mostra Interna da Escola Guignard – Belo Horizonte – Brasil
1998
– 3º Mostra Interna da Escola Guignard – Belo Horizonte – Brasil
1997
– 2º Mostra Interna da Escola Guignard – Belo Horizonte – Brasil
Permanent exhibitions
2022 – Marilá Dardot. Pensamento do fora (revisitado) – Parque Casa do Governador – Vila Velha – Brazil
2011 – A origem da obra de arte – Inhotim Instituto de Arte Contemporânea – Brumadinho – MG – Brazil
Awards
2022 – Prêmio Parque Casa do Governador – Vila Velha – Brazil
2011 – Prêmio Ibram de Arte Contemporânea
- Brazil
2004 – 5° Prêmio Sergio Motta de Arte e Tecnologia – São Paulo – Brazil
2004 – 1ª Edição Prêmio CNI SESI Marcantônio Vilaça para as Artes Plásticas (2004-2005)
2002 – Hic et Nunc – Prêmio da Mostra Rio Arte Contemporânea – Rio de Janeiro – Brazil
1999 – Livro de Areia – Primeiro Prêmio da 4º Mostra Interna da Escola Guignard – Belo Horizonte – Brazil
Grants & residencies
2014: Casa Wabi – Daxaca – Mexico
– 2003: Bolsa Pampulha – 27° Salão Nacional de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – Brazil
Bibliography
– Cao Guimarães & Marilá Dardot – BOMB – Issue 102 – winter 2008 – New York – USA
– Pedrosa, Adriano (org.). Desenhos [drawings]: A-Z. Lisboa: Madeira Corporate Services, 2006.
– Pedrosa, Adriano e Moura, Rodrigo. em: volante impresso para o Projeto Pampulha
– Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte, abril e maio de 2002
– Osório, Luiz Camillo. em: Catálogo do VII Salão da Bahia, Salvador, 2000. p. 32-33
– Farias, Agnaldo. Tecendo o Visível. em: Folder da exposição Tecendo o Visível – Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, jan. 2003
– Cordeiro, Veronica. Dossiê ARTES MUITO CONTEMPORÂNEAS – O audiovisual nas artes plásticas em: Trópico www.uol.com.br/tropico , mar. 2003
Public and private collections open to the public
– Museu de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – Brazil
– Museu de Arte Moderna de São Paulo MAM – São Paulo – Brazil
– Pinacoteca do Estado de São Paulo – São Paulo – Brazil
– Museu de Arte Moderna (MAM Rio) – Prêmio IP Capital Partners de Arte (PIPA) 2015 – Rio de Janeiro – Brazil
– Instituto Inhotim – Brumadinho – Brazil
– Space Collection – Tustin – USA
– Suna and Inan Kiraç Foundation – Pera Museum – Istanbul – Turkey
The temporal inflection in the exhibition title invokes, at once, the labor of memory. In between figure and ground, clarity and opacity, Marilá Dardot’s gesture is one Walter Benjamin described: “It is about appropriating something dangerous, which clamors to repeat itself with violence.” The strength of this artist-like act of reconfiguring the world and time is precisely where repetition can take on new historical and poetical meanings.
The work of Marilá Dardot has always been connected to the sheen of letters, in its direct relationship with literature or its power to capture the semantic games of language. Now, this hallmark folds over, unfurls, duplicates, amalgamates discourses in a labyrinthine construct that lends a voice to the ambiguity of the word and harbors a ceaseless emanation that strives for the unutterable that inhabits language. There is also the sensibility that delves into themes erased from history, repeated words which take on heteroclite directions and meanings, like the two adverbs chosen – still and ever. Together and in a way juxtaposed, they function as a glimpse into the enigma and a way to work around the imposture of language. “Ainda sempre ainda” (Still ever still) is an exhibit underpinned from its entrance on in by a state of loss, a relationship of crisis with language.
In “Linha do tempo” (Timeline), another fold takes place: adverbs clipped from magazines published in Brazil since 1973 – the artist’s year of birth – and pasted on a surface create a timeline that projects the possibility of another passage, that trickles down amidst the words, a curve that scrambles up past, present and future. The questions therein delve deeper into the discussion ushered in by Georges Didi-Huberman in “Before time”: the realm of a complex, diffuse temporality. He argues that the thinking of Walter Benjamin, which underlies his anachronistic model, suggests that all historical narratives are composed of an assembly of heterogeneous elements. In Benjaminian terms, there is a currency to the past as seen through images. In the timeline Marilá Dardot creates, what comes into play is precisely the immoderateness of this impossibility, a wager on the minor revolution wrought by the dialectic effect that takes place between word and image, supporting enunciation as the last way out of the imaginary and political onslaught.
In “Palavra figura de espanto” (Word figure of amazement), peeled-off book covers touch the evanescent materiality of word pairs which, in damaged, dusty spots, promote encounters and grooves that outline alternatingly improbable and tense, fluid and harmonic horizons, showcasing the ambiguous, delirious dimension of the word. The amazement in the face of the word – or word itself as a “figure of startlement” – resides in the act of tearing off books’ covers to reveal the pictorial remnants and layers, down to the actual groove created by writing upon the surface: remembrance of the walls of a cave that eventually led us to paper. The artist recognizes that in this journey, an entire trajectory of writing, or of letter, to be more exact: from stylus to quill, from quill to pen, from cursive to block letters, from manuscript to typography and the printing press. As a gesture of resistance, writing survives by welcoming the unsayable and unpronounceable, while also overtaking it with a warehouse’s worth of signs that hails the encounter with other voices and handwritings. Out of so many words – tired and livid, secretive and magical, uttered and held back – a world is forged: from impotence to the impossible, a different map with its marks, stains and coastlines.
In “Modelo para armar” (Model kit), an installation and collage on cardboard box fragments features nouns cut out from old magazines. The now useless boxes harbor historical, political, affective narratives, and language itself enters the picture to be rearranged and re-signified like projectiles in a symbolic operation. The piece’s title references a book by Julio Cortázar, in which he spins a narrative out of mutable pieces, in an “assembly” where various word displacements set out to purge any fixedness, opening up meanings so the reader can assemble the elements their own way and ultimately write the story themselves. The work of Marilá Dardot also calls upon us as active readers. Her work is not intended to produce stationary meaning; it does not produce subject-fixating explanations of any sort. Her work is a kind of anchoring that is also adrift and invites the production of new words that may recreate existence, in the very vertigo of unfamiliarity.
In “Ações do mundo” (Actions of the world), her act of attempting to tear off the covers of books on nations of the world reveals the beauty of map fragments that compose new geographies. The books’ indexes announce chapters that describe countries in nationalist, imperious sentences. A portion of fabric from the cover, folded over, gives the piece its title, subverting the idea of nation into action: nations become the world’s actions, destabilizing the familiar world through inventive handling of language, promoting the mestizaje of heterogenous substances: word and image which, in the strength of a gesture or a fold, reveal that the experience of reinhabiting the body and inhabiting the word can found the world anew.
In that same dialogue, an idea of country gets recreated in “O Brasil o Brasil” (The Brazil the Brazil). Invoking the thickness of the word in its apparent simplicity, the words “The Brazil” – also clipped from old magazines – are pasted on a neutral-color surface, yet different colors and typologies come across as an essay of acute political strength. Akin to “Linha do tempo,” a dimension gets turned on its head, and here, as Walter Benjamin put it, “The true picture of the past flits by.” Marilá Dardot incorporates this dimension of time into her own existence: nearly 50 years after her birth and across the history of the country, she makes her work a true relay of experience in what the most singular and personal can say to the collective.
The “Libros Y” series was born from the sign lettering of a Mexico City publishing house – Libros y Editoriales. The typology and material in the signage were replicated to create other associations, like possible categories in an imaginary library whose books are the catalysts to feelings and actions. The events the book can generate, in the intimate as well as the political spheres, find a new world through words: pleasure, rebellion, subversion, disaster, potencies, transformations or insurrections. The lettering indicates that the rewriting of words that compose history must be done one letter at a time – an adventure which transcends communication and meaning to touch on an inscrutable point: its “contact point with the unknown.” The experiences that the words in the lettering carry do not target meaning directly, but scurry through the lines which, first and foremost, are bets on the subversion of language and its transfiguring power. Such transfiguring is highlighted by Roland Barthes, who argues: “All poetry, all unconscious is a return to the letter,” an adventure situated at the margins of the purported purposes of language, and precisely for that reason, at the center of its action.
“Domine seu idioma” (Master your language), a saying the artist found in a dictionary, takes on fresh meaning. Once again, the exploration of letters in their graphical, imagistic aspect opens doors to a dimension of language that will not allow itself to be fixated by any deciphering. A set of piled-up dictionaries with intense chromatic power, representing a paradigm whereby words perpetuate power and privilege, gets reclaimed in an unpredictable future. Words, in turn, will not allow themselves to be easily taken as pieces of a discourse. They glide, creating an ethics that points to the reverse of an imperative order.
In the cracks where poetry can be made, Marilá Dardot reinvents utopia, imbuing it with unique density. To master the language means to be able to move through time and beyond meaning: in other words, to be able to conquer the word, to honor it, to find, on the tip of the tongue, more than the promise or the hope of an ideal place: the tremor that makes us alive and recreates time. As Walter Benjamin admonishes: “To articulate what is past does not mean to recognize how it really was. It means to take control of a memory, as it flashes in a moment of danger.”
Still, ever, still.
Bianca Coutinho Dias
Bianca Coutinho Dias is a psycoanalist, writer, esseyaist and art critic, operates in the multidisciplinary territory of psychoanalysis, literature, philosophy, theory and artistic practice. Master in Contemporary Arts Studies from the Fluminense Federal University – UFF (2017). Specialist in Art History from Faculdade Armando Alvares Penteado – FAAP (2011).
O Terceiro Mundo de Marilá Dardot é sinônimo de liberdade. Trata-se de um terceiro que não é fruto da dialética clássica; um terceiro que não é mera síntese, mas sim instauração de uma diferença. A artista usa, de propósito, a expressão “Terceiro Mundo” sabendo das tensões que ela convoca: seu uso, durante a Guerra Fria, para designar países que seriam economicamente ‘subdesenvolvidos’ e geopoliticamente não alinhados. Com o fim da polarização, estes termos caíram em desuso, substituídos por ‘países desenvolvidos’, ‘países em desenvolvimento’, ou ainda ‘emergentes’ e ‘países subdesenvolvidos’. Todas essas expressões trazem consigo um pensamento hegemônico que não interessa à Dardot. Ao contrário dessa lógica hierárquica, há aqui uma escolha por pensar o número 1 como o de um singular, o 2 como o embate entre duas experiências (indivíduos, olhares, mundos, culturas) e o 3 como o acontecimento que surge desse encontro.
Assim, o embate entre dois elementos não é uma competição, tampouco serve para comparação, mas sim um encontro, ou desencontro, que gera um terceiro – o diverso do já dado, a resultante de confluências, cruzamentos, associações. Dardot se apropria de trabalhos de outros artistas e escritores (Cildo Meireles, Fabio Morais, Cinthia Marcelle, Sara Ramo, Italo Calvino, Julio Cortázar, entre outros) e, a partir deles, deflagra uma nova criação. Nesse ato, dilui a noção de obra acabada e afirma aquela do trabalho em processo, conjunto, em pedaços, fruto justamente dos encontros, e não de uma autoria fechada, autônoma.
A mesma Dardot certa vez afirmou: “eu nunca consegui perceber nenhum de meus trabalhos como ‘obra de arte’, só os dos outros. Os meus, eu vejo como canteiro de obras mesmo, construção”(1). Assim, a exposição Introdução ao Terceiro Mundo não deixa de ser uma síntese desse modo de pensar a própria prática de trabalho enunciada pela artista.
Na mostra, a instauração desse terceiro mundo começa com a delimitação de um território – foi construída uma nova sala dentro da sala de exposições tradicional (2). Dentro dela encontra-se uma espécie de pequeno museu. Inúmeras vitrines com reproduções de ´obras de arte’, seguidas de verbetes, criam um novo olhar, adicionam um outro sentido, ou somente embaralham o significado primeiro diante daquilo que foi apropriado pela artista.
Esse pequeno museu se organiza por categorias: água, tempo, paisagem, arquitetura, mapa, etc. Tal como uma enciclopédia. O tempo, por exemplo, aparece reinventado por meio do diálogo com obras de três artistas, Lais Myrrha, Rivane Neuenschwander e ela mesma, Marilá Dardot. A literatura, disciplina fundamental na vida e no trabalho da artista, funde-se com a dos chamados ´artistas visuais’. Uma passagem sobre a criação de um novo tipo de relógio presente no livro Histórias de cronópios e de famas, de Julio Cortázar, é o ponto de partida para pequenos textos, redigidos pela própria Dardot, e ali se mesclam as letras de Cortázar, as da artista, a imagem do trabalho, e o sentido impregnado no pensamento de cada um.
Vejamos o caso em que a artista usa o seu trabalho A meia-noite é também o meio-dia (2004) como mote deflagrador. Vê-se a imagem da obra, um relógio instalado numa casa de campo, e a partir dela temos o trabalho Introdução ao Terceiro Mundo (Relógio 4). O que vemos é uma imagem da obra em um contexto específico e, abaixo, um verbete sobre a mesma que mescla as palavras de Dardot e Cortázar, doando mais uma possível interpretação para a manifestação que deflagrou o processo. Diz o verbete:
“RELÓGIOS Uma fama tinha um relógio de parede e dava-lhe corda todas as semanas COM GRANDE CUIDADO. Passou um cronópio e ao vê-lo pôs-se a rir, foi pra casa e inventou o relógio para tempos mais lentos, ideal para bibliotecas e casas de campo. O relógio demora longas 24 horas para dar uma volta completa, coincidindo com o horário oficial apenas ao meio-dia, de maneira que basta o cronópio usá-lo para aproveitar melhor o tempo, terminar aquele livro ou estender o feriado no sítio.”
As interações aí são algumas e podem nos ajudar a pensar não só os procedimentos empregados nessa exposição, mas na estrutura da poética da artista como um todo. A meia-noite é também o meio-dia se constitui em um relógio dupla face como estes encontrados em estações de trem ou instituições. Ou seja, lugares onde o tempo cronológico, aquele da lógica produtiva, mercantil, concorrencial, marca do capitalismo, está sempre dando as regras e ditando nossos passos, diariamente, rumo a uma corrida desenfreada cujo norte, muitas vezes, desconhecemos.
Sua aparência é a de mais um relógio como outro qualquer, mas o seu mecanismo de funcionamento foi alterado. Aqui, para cada segundo passado em um relógio ‘normal’, levam-se dois segundos para que os ponteiros caminhem o mesmo trajeto. Ou seja, o tempo é desacelerado. Ao escolher uma imagem do trabalho instalado na casa de campo de sua colecionadora, Dardot evoca esse tempo distinto do tempo da cidade, dos centros urbanos céleres.
Se pensamos o Terceiro Mundo como um lugar imaginário, tal como as cidades inventadas por Italo Calvino em seu Cidades invisíveis, podemos crer que existem ali diversas formas de se relacionar com o tempo: um tempo suspenso, às vezes um tempo elástico, às vezes aquele desacelerado. Todas as obras eleitas pela artista para compor esse terceiro mundo respiram a mesma sutileza política que habita os seus próprios trabalhos. A artista erige, em toda sua trajetória, uma constante crítica ao modo de vida imposto pelo tempo do capital, sem por isso ser literal ou panfletária.
Um outro trecho desse grande mapa que forma a experiência do Terceiro Mundo ecoa esse pensamento do tempo. Quando nos é apresentado o que seria a Viagem nesse outro lugar, o que temos é um desenho que um percurso cuja ênfase está dada no caminho, nos pequenos detalhes, percurso que não traz nem início, nem fim, sendo a própria travessia o momento mais importante. No verbete que o acompanha talvez tenhamos uma síntese preciosa não só sobre a temporalidade, mas de um modo mais geral – utópico? – de se vivenciar o mundo em que vivemos. Afinal, não sejamos ingênuos, esse Terceiro Mundo não deixa de ser um reflexo de inquietações diante do mundo “real”, sendo assim um outro lugar, criado, inventado.
Lemos o seguinte trecho:
“VIAGEM Para os autonautas do Terceiro Mundo, a estrada deixa de ser um percurso para tornar-se o destino da viagem; seu propósito de velocidade transforma-se em lentidão deliberada. A bordo de um carro-casa, esses viajantes transformam em expedição o que seria mero trajeto de poucas horas, experimentando um mês fora do tempo. Sem sair da autopista, exploram suas margens; observam e vivem cada quilômetro. Buscam o outro caminho, que no entanto é o mesmo. (JC, CD, MD)”.
Nele está contida não só uma sinalização para um tempo mais lento, mas também uma abertura para aquilo que, na pressa recorrente, na ânsia por alcançar um ponto de chegada (que nunca se apresenta de fato), perdemos de vista. Saber que o que importa é a travessia, nem o inicio, nem o fim, se dar o tempo de viver o presente. Ato que parece óbvio, mas se constitui em um dos maiores desafios postos ao homem. Estamos, quase sempre, no passado ou no futuro. Fazer da estrada o destino da viagem é valorar cada dia, um dia como outro qualquer, em algo precioso. Significa, no limite, dizer não para a lógica que nos faz correr diariamente rumo a um ponto de chegada que é, no mais das vezes, signo de alienação. Note que os autonautas, personagens do verbete Viagem, buscam um outro caminho, mas que, no entanto, é o mesmo. Ou seja, não se trata de sair dessa vida que nos é dada, mas realizar esse mesmo percurso de maneira distinta. Não se trata de dizer não, mas um sim que inclui uma sutil e decisiva inflexão.
O modo de ser dos trabalhos que compõem esse outro lugar criado pela artista pede que cada um se disponha a um olhar mais demorado e paciente. Dardot chama o público para uma posição ativa diante de cada uma de suas associações, deixando lacunas que devem ser preenchidas de acordo com o manancial que cada um traz consigo. E, quem sabe, a partir dali deflagrar novas e insuspeitadas relações.
Toda a proposição de Introdução ao Terceiro Mundo recorda um belo aforismo:
“Para todo escritor é sempre uma surpresa o fato de que o livro tenha uma vida própria, quando se desprende dele; é como se parte de um inseto se destacasse e tomasse um caminho próprio. Talvez ele se esqueça do livro quase totalmente, talvez ele se eleve acima das opiniões que nele registrou, talvez até não o compreenda mais, e tendo perdido as asas que voava ao concebê-lo: enquanto isso o livro busca os seus leitores, inflama vidas, alegra, assusta, engendra novas obras, torna-se a alma de projetos e ações – em suma: vive como um ser dotado de espírito e alma, contudo não é humano. A sorte maior será do autor que, na velhice, puder dizer que tudo o que nele eram pensamentos e sentimentos fecundantes, animadores, edificantes, esclarecedores, continua a viver em seus escritos, e que ele próprio já não representa senão a cinza, enquanto o fogo se salvou e em toda parte é levado adiante. Se considerarmos que toda ação de um homem, não apenas um livro, de alguma maneira vai ocasionar outras ações, decisões e pensamentos, que tudo o que ocorre se liga indissoluvelmente ao que vai ocorrer, perceberemos a verdadeira imortalidade, que é a do movimento: o que uma vez se moveu está encerrado e eternizado na cadeia total do que existe, como um inseto no âmbar.”(3)
O Terceiro Mundo de Dardot é uma metáfora da possibilidade de transformação, de uma reinvenção diante de categorias já dadas, tantas vezes impostas. Um outro mundo deflagrado a partir do contato com manifestações de outros artistas, ou seja, a sinalização de que esse contato pode engendrar novas obras, inflamar vidas, mudar o curso de um olhar. Recordo-me aqui de um depoimento da própria artista que reflete (4) essa potência encontrada em seu trabalho:
“Pessoalmente, acho que alguma vontade de mudança é o que moveu, move e sempre moverá o artista em qualquer época, acho que a arte nasce e se alimenta justamente do incômodo. Pensar na arte agora é pensar também em como ela reflete o espírito de uma época, e vivemos, acho, em uma época de imenso individualismo e de descrença nas grandes mudanças em escala coletiva. E acho que esta é uma situação também muito incômoda (…). Tento com meu trabalho reagir aos meus incômodos, e percebo algumas tentativas de retomar aquele espírito coletivo – talvez com mais sutilezas e com menos certezas, tenho mais dúvidas, mais perguntas que afirmações, proponho pequenas subversões e heterotopias. Enfim, continuamos tentando mudar o mundo. Mesmo que seja um pouquinho só.”
Marilá Dardot nos lembra que a chance de construirmos um terceiro mundo hoje, ou seja, uma diferença, tem início no incômodo diante do mundo tal como nos é dado. Como resposta, nem o idealismo, as mudanças heróicas e utópicas, tampouco a complacência de fundo cínico, mas sim as heterotopias, espécies de utopias possíveis. Ao entrarmos no seu Terceiro Mundo, somos lembrados de que não só o artista pode ser sujeito de uma mudança, mas essa possibilidade está endereçada a cada um de nós no encontro com a arte, que nos transforma e, por consequência, opera uma mudança em nossa relação com o que está à nossa volta. Mesmo que numa escala delicada e sutil, mais próxima do tempo presente, ela pode, sim, ocorrer. Nos cabe a abertura para o encontro, motor fundamental da construção de todo o Terceiro Mundo.
1) Trecho de e-mail trocado com a artista.
2) Aqui o texto refere-se à primeira montagem da exposição “Introdução ao Terceiro Mundo”, na Sala A Contemporânea do CCBB Rio de Janeiro.
3) Friedrich Nietzsche, Humano, Demasiado Humano. Companhia das Letras; p. 140
4) Depoimento de Marilá Dardot publicado na seção “Mirando os anos 1970 à luz das vozes dos anos 2000”, editada por Luisa Duarte, inserida no catálogo da mostra “Anos 70 – arte como questão”, curada por Glória Ferreira.
Escrita, afetividade e colaboração
“…Desde que existe como gênero literário, a filosofia recruta seus seguidores escrevendo de modo contagiante sobre amor e amizade.” Peter Sloterdijk
A obra de Marilá Dardot baseia-se em alguns pressupostos. Em primeiro lugar, apóia-se numa crença ferrenha na escrita como gatilho humanístico e afetivo que nos reposiciona diante de nós, dos outros e do mundo. O ângulo escolhido não resvala no esmiuçamento da linguagem e do discurso pelo viés estruturalista ou mesmo pós-estruturalista, mas na capacidade poética das fissuras, das pausas, da volumetria e da sensualidade do universo da escrita (o livro como objeto de desejo e de afeição, capítulos, espaçamentos dos textos, o sentido dos textos, coleções de palavras e de frases). Sua intenção me remete à introdução do livro Regras para o Parque Humano de Peter Sloterdijk, em que o autor pontua que “livros, observou certa vez o escritor Jean Paul, são cartas dirigidas a amigos, apenas mais longas”. E continua dizendo que essas cartas de amizade à distância são enviadas ao mundo muitas vezes sem destinatários precisos e podem chegar até mesmo aos que ainda nem nasceram. O remetente tem consciência de que o envio dessas missivas tem o poder de multiplicar indeterminadamente oportunidades de estreitar amizade e essa relação entre escritor e receptor representa um caso de amor à distância. “Isto exatamente no sentido de Nietzsche, que sabia que a escrita é o poder de transformar o amor ao próximo ou ao que está mais próximo no amor à vida desconhecida, distante, ainda vindoura”, finaliza Sloterdijk. Marilá evoca a incomensurabilidade da vida espelhada neste universo.
Em Rayuela, trabalho de 2005 inspirado no livro O Jogo da Amarelinha (1963), de Julio Cortázar, a artista trama um diálogo com a obra máxima deste autor argentino. Como se sabe, o enredo foca-se mais no livro do que propriamente na vida dos personagens. A leitura dos capítulos pode ser feita salteada e novos caminhos podem ser percorridos na construção de entendimentos, como se propõe o jogo citado no título. Marilá estrutura uma narrativa pelo deslocamento do texto, que é suprimido em quase sua totalidade, sobrando apenas as passagens em que é descrito um deslocamento espacial e as páginas e capítulos.
O segundo pressuposto de sua obra aponta para o compartilhamento, o arquivamento e a generosidade como partícipes da formalização de seus trabalhos. Em vários momentos de sua trajetória, Marilá Dardot ativa a colaboração como fundamento do afeto e da escrita. Uma das primeiras vezes em que esse aspecto aparece é na obra O Banquete (2000). A artista toma a obra de Platão que versa sobre o amor como o mote do trabalho. Ela pede a amigos que enviem um texto de sua preferência sobre o amor. As fontes escolhidas são as mais diversas. O conjunto arregimentado é impresso em folhas de acetato transparente e encadernado para formar um novo livro. Ao serem sobrepostos, os textos causam uma polifonia ensurdecedora e conseqüentemente, incomunicabilidade. Em Biblioteca de Babel, instalação composta por redes, caixotes, plantas, esteiras, almofadas e livros, Marilá constrói uma biblioteca provisória, um local de leitura confortável e informal em que as pessoas podem ler pelo tempo que quiserem. A coleção que se encontra à disposição é formada por livros “doados” temporariamente por amigos, visitantes, desconhecidos, ou qualquer um que atende ao chamado da artista. O convite é feito alguns dias antes da abertura: “Há algum livro que você gostaria de compartilhar com o mundo?”. Ao serem recebidos, os livros são fichados e carimbados, como um símbolo de pertencimento intangível e eterno a esta Biblioteca “que pode conter todos os livros do mundo” , a exemplo do conto Biblioteca de Babel, de Jorge Luis Borges, outro autor argentino de suma importância para a inventividade da escrita no século XX. Esta biblioteca interminável, infinita, eterna, ilimitada e periódica é uma metáfora do prazer e angústia da incomensurabilidade do conhecimento humano. Ao final de cada etapa da exposição (que ocorreu em São Paulo e no Recife), os livros eram devolvidos aos donos e deixavam sua marca indelével neste arquivo in progress.
A atitude artística de Marilá Dardot aponta para o reavivamento de um outro tempo: de suspensão, de doação, de afeto, de contemplação, de degustação no mais amplo sentido, de humanidade, em suma. É um contraponto a uma sociedade do desapego, do descartável, do imediato, da histeria, do medíocre e do individualismo.
Cristiana Tejo
Marilá Dardot has been creating a collection of works that have the book as a key reference. Whether alluding to specific literary or philosophical works or to the book-object in itself, her installations, videos, actions and objects establish a dialogue with the practice of writing and reading. Through this practice the artist transposes and contaminates the verbal and discursive universe into the visual and conceptual. This exhibition – the second of the Pampulha Project dedicated to young artists – gives continuation to the artist’s investigations. In two new installations, Marilá takes as a starting point the external and internal spaces of the Museum in order to visit citations and fragments, discourse and language.
In A Origem da Obra de Arte [The Origin of the Work of Art] (2002), the artist pays reference to the celebrated 1936 paper of German philosopher Martin Heidegger, an Aesthetics classic, whose conference bears the same name. Instead of quotations and texts, Marilá presents us with 150 ceramic pots shaped in the form of alphabetical letters, in addition to soil, seeds and gardening tools, disposed over simple workbenches of the Museum’s Multiuse Room. Rather than an installation per se, this is an invitation to the artwork and to work itself, through which the spectator will sow the letters in order to place the pots around the Museum’s gardens, thereby composing (or not) words out in the open. The architecture of the Multiuse Room evokes the idea of a greenhouse or a gardening studio. Instructions for use in green vinyl were applied over its glass structures – poetic sentences that counteract the Pampulha landscape: “fill the letters with soil, plough the letters […]”.
What is at play here is the concept of the artwork as a possibility of realization. The image of the “construction plot” is borrowed in order to create a field of experimentation possibilities for the occurrence and the construction of the work of art, beyond the space of the actual Museum. The use of ceramic pots commissioned to a pottery of the interior suggests yet another approach: in these unfeigned and seductive objects that constitute the starting point of the move proposed to the spectator-participant, a revealing encounter is achieved between utensil/instrument on the one hand, and work/object of art on the other. Here the cross between artistic practice and craftsmanship or manual work is fundamental, something which points to the old opposition between nature and culture – which is also reflected in the spaces in which the work-artwork becomes fragmented and displaced, from a room denominated as “multiuse” to the Gardens.
Literally, the soil passes through the spectator’s hands in order to go back to the world. “To worldify” is what the artist proposes in her poetic instructions. In terms of the plastic tradition, one thinks of the presence of the earth that permeated the work of ‘60s and ‘70s artists who worked with Land Art and Arte Povera. However, A Origem da Obra de Arte does not exactly stretch the field of action of art to nature and landscape. Rather, it proposes an inverse course, one of a return to the “origins,” counteracting- nature and manual work to artistic practice. In the end, it is about planting.
Pensamento do Fora [La pensée du dehors] [Outside Thought] (2002), the installation that occupies the Museum’s gardens, pays reference to an essay by French philosopher Michel Foucault, also of the same title. This work begins with the appropriation of a visual element of the Museum to propose a type of literary adherence to the world. Marilá cloned 40 small signposts of the Museum’s gardens remaining faithful to their characteristics of colour, format, typology and location. However, the prohibitive sayings of the institution (“DO NOT STEP ON THE GRASS,” “CYCLING FORBIDDEN,” “FISHING FORBIDDEN”) give rise to quotations extracted from the history of literature and thought, which are in some way related to a broad spectre of notions, such as time, life and landscape.
“Today I will draw the scent of the trees.” (M. de Barros)
“I am freed and lost.” (F. Pessoa)
“Be quick, even when standing.” (G. Deleuze e F. Guattari)
“Today we are more alive than ever.” (C. Drummond de Andrade)
“All that is straight lies.” (F. Nietzsche)
In this garden of quotes or open-air library there are multiple possibilities of access, reading and interpretation. In this case Marilá once again carried out an invitation – one to the reading and composition of fragments dispersed throughout the garden in a text belonging to the spectator-reader. Wisely a specific signpost alerts that on the outside of the Museum “everything is delicately interconnected.”
— Adriano Pedrosa, curator, and Rodrigo Moura, assistant curator
Marilá Dardot was born in Belo Horizonte, in 1973; she lives and works in Rio
de Janeiro.
Museu de Arte da Pampulha – Belo Horizonte – MG – Brasil.
The exhibitions of the Pampulha Project 2002 are made possible thanks to the generous support of Luiz Augusto Teixeira de Freitas.