Paisagem de casamento (1996) é umas das 6 obras de Rennó que fazem parte do acervo do MoMA. O trabalho foi construído a partir de um acervo de negativos doados a ela em 1994, em Havana, por uma fotógrafa cubana especializada em fotos de casamento. Segundo Rennó, “a repetição monótona das cenas, a monotonia da documentação, foi o que de fato me interessou naquela coleção de negativos. Percebi que a quantidade de cenas seguindo um padrão de repetição poderia funcionar como uma espécie de textura e a disposição dessas tiras de negativos entre placas de acrílico, sugeriria a sobreposição de planos, como numa paisagem”.

A citação de Rennó faz parte de uma entrevista concedida por ela para a série Giving a Body to Time, do MoMA.

Leia aqui.

Em 1988 tomei uma ‘dupla decisão’ que transformou radicalmente minha relação com a fotografia: parar de produzir imagens novas e me dedicar à apropriação e releitura do que chamava de ‘resíduos fotográficos’, limitando o ato fotográfico ao que eu considerava estritamente necessário.

Surgiram ali, não como propósito, mas como consequência, tanto um princípio de economia na produção de novos imaginários, quanto o início de uma investigação sobre os diferentes ciclos de vida que as fotografias têm, em função de sua existência no mundo dos sujeitos e suas representações. Eu achava que muitas das fotografias que eu encontrava à beira do abandono pediam (e também mereciam…) uma sobrevida, ou seja, alguma ressignificação ou uma nova função simbólica.

Comecei pelo vernacular, a via que me parecia mais natural, revisitando e reutilizando imagens de álbuns de família. Logo em seguida fui compelida a entrar no território mágico do cinema e na sua relação direta com o dispositivo fotográfico. Recém-admitida na pós-graduação da Escola de Comunicações e Artes da USP, tendo o cinema como área de concentração, os fotogramas 35mm descartados na lixeira da sala de montagem da ECA se tornaram imediatamente objetos de escrutínio e desejo. O fotograma isolado de seu contexto é como um sobrevivente que narra sobre a suspensão de um tempo transcorrido, que é revisto (e editado), novamente, como fantasmagoria. Se a fantasmagoria não deixa vestígios, assim que o dispositivo cinematográfico é desligado, o fotograma é a prova de sua existência. Por meio de mecanismos de intertextualidade com a pintura, a publicidade, a história da arte e da fotografia, havia nos fotogramas uma miríade de possibilidades de leitura desse ‘tempo suspenso do tempo’, parafraseando Maurício Lissovsky, ‘um tempo de duração ilimitada, porém determinado a acabar’. O anti-cinema era um cinema às avessas.

Em paralelo aos fotogramas transformados em imagens de grande formato havia um pequeno grupo de objetos onde o movimento era algo inventado ou atribuído, como se a suspensão do tempo pudesse acontecer a partir de uma colagem de imagens fotográficas; entretanto, o anti-cinema, aqui, era um pastiche bem-humorado do que no século 19 foi a fantasmagoria que oscilava entre a fotografia e o cinema.

Rosângela Rennó, 2022

Na série Seres notáveis do mundo, Rennó apropria-se das imagens dos bustos de gesso que pertencem à coleção do El Museo Canário (Las Palmas de Gran Canaria, Espanha). Esses bustos tinham como objetivo representar as distintas raças do globo, foram feitos entre 1840 e 1870, e adquiridos para integrar a Sala de Antropologia do museu. Daqueles homens mortos, restaram apenas as máscaras que foram transformadas em bustos de gesso, para um gabinete positivista de antropologia, depois foram imagens fotográficas desses bustos e, finalmente, fantasmas, sombras, espectros sobre as folhas de papel marmorizado artesanalmente.

“Ao longo da exposição, é possível acompanhar como a ausência de imagens e informações prestou-se à atribuição de uma cidadania incompleta. Por exemplo, o anonimato forçado nas fichas técnicas da coleção de gessos armazenados no El Museo Canario de Antropología (Las Palmas, Ilhas Canárias). O que haveria em comum entre uma mulher do Industão, um homem da Ilha Rochet e um menino de Zanguebar? Ao que tudo indica, são simplesmente “seres notáveis” por não pertencerem à branquitude. Para a realização dessa série (2019), Rennó escancara as lacunas de informações de uma das maiores coleções arqueológicas da região. A partir dos bustos que tinham o objetivo de representar “distintas raças do globo”, a artista responde à violência de corpos “sem nome” imprimindo-os sobre um papel de textura marmorizada, como uma “pele” que lhes conferem minimamente a faceta de sepultura, logo um direito à memória (“monumento”).

Trecho de No Fim da Madrugada, de Lisette Lagnado

A imortalidade ao nosso alcance se alinha a vocação da obra de Rosângela Rennó, refletindo sobre o papel da fotografia expandida na construção social das representações e da memória. Na instalação, 76 produtos de marcas variadas são exibidos em uma vitrine cujo vidro jateado deixa vazar algumas “janelas”ao seu interior. Em cada parte transparente do vidro aparece um produto/ rosto. Cada retrato-a-venda, deixa escapar alguma satisfação, um sorriso, um alívio ou um prazer. Do lado de fora, a chave para a abertura da vitrine deixa ler: A imortalidade ao nosso alcance. A instalação foi produzida por ocasião da exposição panorâmica de Rennó na Estação Pinacoteca, entre 2021 e 2022.

“Aucune Bête au Monde” é um livro editado em 1959, composto por textos do então Coronel francês Marcel Bigeard e por fotos do Sargento-Chefe Marc Flament, sobre a longa guerra pela independência da Argélia (1954-1962). Rennó fez uma intervenção no livro com tinta cinza, apagando das imagens qualquer militar que tenha sido retratado. A artista também eliminou, com recortes, os textos que identificavam o local onde as imagens foram capturadas. Rennó escreve sobre os apagamentos: “Os apagamentos nas imagens e nas próprias páginas pretendem sugerir um aspecto de universalidade na documentação de uma guerra específica”.

Cerca de 800 pequenas molduras vermelhas, pretas e brancas organizam e classificam a pesquisa de dois anos de Rosângela Rennó em torno de imagens de monumentos erguidos em homenagem a Lenin. As classificações incluem uma busca pela compreensão do destino de cada monumento após o fim da União Soviética. Cada imagem coletada traz em si códigos e anotações feitas pela artista a respeito da origem ou história de cada monumento. São, como expressa Rennó no texto que acompanha a montagem, “observações a partir do ato de colecionar fotos de estátuas de Lenin”.

Cerca de 800 pequenas molduras vermelhas, pretas e brancas organizam e classificam a pesquisa de dois anos de Rosângela Rennó em torno de imagens de monumentos erguidos em homenagem a Lenin. As classificações incluem uma busca pela compreensão do destino de cada monumento após o fim da União Soviética. Cada imagem coletada traz em si códigos e anotações feitas pela artista a respeito da origem ou história de cada monumento. São, como expressa Rennó no texto que acompanha a montagem, “observações a partir do ato de colecionar fotos de estátuas de Lenin”.

Na obra, Rosângela Rennó organiza uma coleção de maços de cigarro da marca Che e um isqueiro com a imagem e nome do revolucionário marxista Ernesto Guevara (1928 – 1967). Todos os objetos carregam em sua identidade gráfica a icônica imagem de Guevara registrada por Alberto Diaz “Korda,” em 5 de março de 1960, intitulada “Guerrilheiro Heroico”. A imagem estilizada de Che foi utilizada pelo designer Jim Fitzpatrick em um cartaz que teve 2 milhões de cópias vendidas em 6 meses. Rennó lança a questão: “Teria o ‘Che’, sendo inimigo implacável do capitalismo, feito alguma objeção ao tratamento e à monetização de sua imagem?”. A respeito do uso da imagem pela marca de cigarros, ela escreve: “Por que a imagem de um líder revolucionário acabaria ilustrando um maço de cigarros, vendido em várias partes do mundo? O proveito da indústria pode representar um dano, um esvaziamento ainda maior da imagem, mas até mesmo a indústria sofre com certas determinações do mercado. Então, nós, consumidores, assistimos a ações perversas, alheias tanto ao universo ao qual aquela imagem pertencia, quanto à própria indústria que se beneficiou dela durante muitos anos. Quando algumas sociedades decidem que certo produto é de tal maneira danoso ao ser humano que justifica a inserção de mensagens explícitas, visuais e textuais, a imagem da marca acaba sendo reduzida, eclipsada, chegando até ao seu completo desaparecimento”.

As <em>sandálias Havaianas</em> foram criadas em 1962, inspiradas nas sandálias japonesas Zori, com sola de palha de arroz, e o nome foi emprestado do Havaí, projetado por Hollywood, nos anos 60, como o lugar dos sonhos e do prazer das sociedades ocidentais. Eram distribuídas por vendedores- viajantes, em sacos plásticos, e em 1964, praticamente todo trabalhador do país usava um par. Tornou-se o calçado mais barato e popular do país.<p><p>No início dos anos 70, no Brasil, a cultura “Paz e Amor” e os jovens politicamente engajados nos movimentos de esquerda adotaram as Havaianas como um símbolo libertário. Em 1999 Gaultier vestiu modelos em um desfile com as sandálias, tornando-as um sucesso mundial, que culminou com a chegada ao Oscar em 2003, quando foram presenteadas a todos os indicados, para descansar os pés durante a festa da premiação.<p><p>Desde 2004 os fabricantes das Havaianas têm estado engajados nas questões ambientais e de preservação da biodiversidade, envolvendo-se em vários projetos colaborativos. Tornou-se um produto icônico, genuína e incontornavelmente brasileiro, mundialmente reconhecido, com infinitas variantes de cores, estampas e modelos.<p><p>Em 2019 resolvi celebrar o retorno do país à extrema direita, numa suposta/aparente ditadura liberal, criando um novo modelo de par de Havaianas, ainda que nas tradicionais cores verde e amarela, as mais emblemáticas da bandeira brasileira. Um produto especial que já vem com a marca do fogo que queima as reservas florestais da Amazônia.<p><p>Rosângela Rennó, 2019

O trabalho utiliza um dispositivo ótico de visualização de fotografia três dimensões, criado em 1840, substituindo as imagens normalmente empregadas na visualização por placas com textos do projeto Arquivo Universal. Iniciado por Rennó em 1992, o Arquivo Universal compila textos jornalísticos sobre imagens fotográficas. Em Exercício 3D (transparência) os textos do Arquivo Universal, aplicados à tecnologia 3D, causam desconforto, não apenas pelo esforço em conseguir “ver” apenas um texto com palavras que parecem flutuar diante dos olhos, mas, também, convertê-los em imagens, depois da leitura do mesmo. Algumas fotografias são facilmente reconhecíveis ou decifráveis a partir dos textos. Outras, se desconhecidas, vão solicitar ao leitor o exercício da construção mental ou da invenção.

O trabalho utiliza um dispositivo ótico de visualização de fotografia três dimensões, criado em 1840, substituindo as imagens normalmente empregadas na visualização por placas com textos do projeto Arquivo Universal. Iniciado por Rennó em 1992, o Arquivo Universal compila textos jornalísticos sobre imagens fotográficas. Em Exercício 3D (transparência) os textos do Arquivo Universal, aplicados à tecnologia 3D, causam desconforto, não apenas pelo esforço em conseguir “ver” apenas um texto com palavras que parecem flutuar diante dos olhos, mas, também, convertê-los em imagens, depois da leitura do mesmo. Algumas fotografias são facilmente reconhecíveis ou decifráveis a partir dos textos. Outras, se desconhecidas, vão solicitar ao leitor o exercício da construção mental ou da invenção.

A série que dá nome à exposição, Nuptias, 2017, reúne 86 fotopinturas feitas por Rennó a partir de fotografias de casamento. As alterações da artista são feitas com tinta, objetos, recortes e recomposições, incluindo intervenções diretamente sobre fotopinturas originais da região do Cariri, nordeste do Brasil. Além de fazer referência à pluralidade de uniões afetivas independentemente de credo, raça, orientação sexual ou qualquer outra convenção, a artista revisita vários ícones da cultura da visualidade, tanto do ocidente quanto do oriente. As fotopinturas e seus próprios títulos fazem referência ao cerimonial (arroz, glacê), à cultura pop (Batman & Robin, La Lucha), à política recente (Bela, recatada e do lar, Femen), à religião (Burkas, La cieguita) e às disparidades sociais (Chacina).

A série que dá nome à exposição, “Nuptias”, 2017, reúne 86 fotopinturas feitas por Rennó a partir de fotografias de casamento. As alterações da artista são feitas com tinta, objetos, recortes e recomposições, incluindo intervenções diretamente sobre fotopinturas originais da região do Cariri, nordeste do Brasil. Além de fazer referência à pluralidade de uniões afetivas independentemente de credo, raça, orientação sexual ou qualquer outra convenção, a artista revisita vários ícones da cultura da visualidade, tanto do ocidente quanto do oriente. As fotopinturas e seus próprios títulos fazem referência ao cerimonial (arroz, glacê), à cultura pop (Batman & Robin, La Lucha), à política recente (Bela, recatada e do lar, Femen), à religião (Burkas, La cieguita) e às disparidades sociais (Chacina).

A série que dá nome à exposição, “Nuptias”, 2017, reúne 86 fotopinturas feitas por Rennó a partir de fotografias de casamento. As alterações da artista são feitas com tinta, objetos, recortes e recomposições, incluindo intervenções diretamente sobre fotopinturas originais da região do Cariri, nordeste do Brasil. Além de fazer referência à pluralidade de uniões afetivas independentemente de credo, raça, orientação sexual ou qualquer outra convenção, a artista revisita vários ícones da cultura da visualidade, tanto do ocidente quanto do oriente. As fotopinturas e seus próprios títulos fazem referência ao cerimonial (arroz, glacê), à cultura pop (Batman & Robin, La Lucha), à política recente (Bela, recatada e do lar, Femen), à religião (Burkas, La cieguita) e às disparidades sociais (Chacina).

A série “Bodas de Porcelana”, 2017, é constituída por uma série de 20 objetos de porcelana, feitos à maneira dos pratos decorativos que se expõem sobre a parede e celebra os 20 anos da série “Cerimônia do Adeus”. Casais de pratos justapostos evidenciam suas diferentes procedências, formatos, culturas e idades. Na face voltada ao espectador, Rennó gravou o título do trabalho original e um pequeno ícone de um automóvel da década de 1950.

A obra originalmente criada para a exposição individual de Rennó no Centro de Fotografia (CdF), de Montevidéu (Uruguai), em 2011, intitulada “Río-Montevideo” apresenta, em 14 projetores de slide, imagens de fotógrafo Aurelio Gonzalez, entre 1957 e 1973. Em 1973, com a eminente chegada do Golpe Militar, no Uruguai, Gonzalez escondeu mais de 40.000 negativos fotográficos criados por ele para o Jornal El Popular, entre as lajes de um edifício de Montevideo. Por mais de 33 anos esse material ficou escondido até que foram encontrados e, finalmente recuperados pelo mesmo fotógrafo, em 2006. Submetidos a um longo processo de restauro, classificação e digitalização pelo Núcleo de Fotografia de Montevidéu, esses negativos revelam uma certa “amnésia construída” que permeia a história recente de vários países da América Latina. Rennó optou por apresentar uma pequena seleção dessas imagens por meio das objetivas dos projetores de slides antigos, que acrescentam uma suavidade cálida, enevoada às imagens. Nesse caso, os projetores são usados de forma a reintroduzir estas imagens na atualidade de uma maneira mais lúdica pois estabelecem uma ligação direta com o passado, mantendo seu significado simbólico, sem, no entanto, amarrá-las à tradição do documentário. Além das projeções, ativadas pelo próprio observador, a instalação é ambientada com o som da famosa composição da Internacional Comunista.

Na série “Operação Aranhas/Arapongas/ Arapucas”, 12 trípticos são formados a partir da associação de imagens realizadas por três fotógrafos diferentes, em épocas e eventos específicos. Doze fotografias foram realizadas por José Inácio Parente durante a Passeata dos Cem mil, no Rio de Janeiro, em 26 de junho de 1968. Rennó participa com doze imagens feitas durante o Comício das Diretas Já, em Belo Horizonte, em 24 de fevereiro de 1984. As últimas doze foram realizadas pela Cia de Foto, durante o Movimento Passe Livre, em São Paulo nos dias 17 e 20 de junho de 2013. A partir de três momentos históricos, A passeata dos Cem mil (1968), o movimento pelas Diretas Já (1984) e o Movimento Passe Livre (2013), a série aborda questões relacionadas com eventos de massa. Como, o que faz uma multidão mudar o mundo, ou, ao menos, parte de suas histórias? O que a transforma numa enchente que tudo carrega e arrasta, sem medir sua própria força? O que a torna um monstro incontornável, capaz de atormentar até mesmo o algoz mais inescrupuloso? As massas são constituídas de centenas, milhares ou milhões de indivíduos que, em geral, não representam grande perigo ao sistema quando isolados. Entretanto, para nossa sorte ou nosso azar, cada um deles carrega um fragmento importante da corrente do DNA do monstro, que se perde ou se recupera em outro ponto da cadeia, perpetuando seu dinamismo e mantendo-o sempre na flor da idade. Terrível e maravilhoso. Cada foto é recoberta por uma folha de papel de seda com relevo seco — do gênero tradicional de entrefolhamento de álbuns de fotografia antigos — e associada a duas outras imagens, realizadas nos dois outros eventos envolvidos na série. Lentes de câmera e filtros deixarão entrever rostos na multidão.

Na série “Operação Aranhas/Arapongas/ Arapucas”, 12 trípticos são formados a partir da associação de imagens realizadas por três fotógrafos diferentes, em épocas e eventos específicos. Doze fotografias foram realizadas por José Inácio Parente durante a Passeata dos Cem mil, no Rio de Janeiro, em 26 de junho de 1968. Rennó participa com doze imagens feitas durante o Comício das Diretas Já, em Belo Horizonte, em 24 de fevereiro de 1984. As últimas doze foram realizadas pela Cia de Foto, durante o Movimento Passe Livre, em São Paulo nos dias 17 e 20 de junho de 2013. A partir de três momentos históricos, A passeata dos Cem mil (1968), o movimento pelas Diretas Já (1984) e o Movimento Passe Livre (2013), a série aborda questões relacionadas com eventos de massa. Como, o que faz uma multidão mudar o mundo, ou, ao menos, parte de suas histórias? O que a transforma numa enchente que tudo carrega e arrasta, sem medir sua própria força? O que a torna um monstro incontornável, capaz de atormentar até mesmo o algoz mais inescrupuloso? As massas são constituídas de centenas, milhares ou milhões de indivíduos que, em geral, não representam grande perigo ao sistema quando isolados. Entretanto, para nossa sorte ou nosso azar, cada um deles carrega um fragmento importante da corrente do DNA do monstro, que se perde ou se recupera em outro ponto da cadeia, perpetuando seu dinamismo e mantendo-o sempre na flor da idade. Terrível e maravilhoso. Cada foto é recoberta por uma folha de papel de seda com relevo seco — do gênero tradicional de entrefolhamento de álbuns de fotografia antigos — e associada a duas outras imagens, realizadas nos dois outros eventos envolvidos na série. Lentes de câmera e filtros deixarão entrever rostos na multidão.

Na série “Operação Aranhas/Arapongas/ Arapucas”, 12 trípticos são formados a partir da associação de imagens realizadas por três fotógrafos diferentes, em épocas e eventos específicos. Doze fotografias foram realizadas por José Inácio Parente durante a Passeata dos Cem mil, no Rio de Janeiro, em 26 de junho de 1968. Rennó participa com doze imagens feitas durante o Comício das Diretas Já, em Belo Horizonte, em 24 de fevereiro de 1984. As últimas doze foram realizadas pela Cia de Foto, durante o Movimento Passe Livre, em São Paulo nos dias 17 e 20 de junho de 2013. A partir de três momentos históricos, A passeata dos Cem mil (1968), o movimento pelas Diretas Já (1984) e o Movimento Passe Livre (2013), a série aborda questões relacionadas com eventos de massa. Como, o que faz uma multidão mudar o mundo, ou, ao menos, parte de suas histórias? O que a transforma numa enchente que tudo carrega e arrasta, sem medir sua própria força? O que a torna um monstro incontornável, capaz de atormentar até mesmo o algoz mais inescrupuloso? As massas são constituídas de centenas, milhares ou milhões de indivíduos que, em geral, não representam grande perigo ao sistema quando isolados. Entretanto, para nossa sorte ou nosso azar, cada um deles carrega um fragmento importante da corrente do DNA do monstro, que se perde ou se recupera em outro ponto da cadeia, perpetuando seu dinamismo e mantendo-o sempre na flor da idade. Terrível e maravilhoso. Cada foto é recoberta por uma folha de papel de seda com relevo seco — do gênero tradicional de entrefolhamento de álbuns de fotografia antigos — e associada a duas outras imagens, realizadas nos dois outros eventos envolvidos na série. Lentes de câmera e filtros deixarão entrever rostos na multidão.

A série Lanterna mágica abrange um conjunto de fotografias realizadas manualmente, em laboratório fotográfico, em papel de prata/gelatina de base de fibra. Dentro do laboratório, durante o processamento, as fotografias são expostas a uma luz muito intensa e puntual que afeta a reprodução correta do negativo. Cada negativo preto & branco usado no laboratório gerou quatro imagens distintas, de acordo com a intensidade e tamanho do “buraco negro” produzido sobre a superfície do papel.

A palavra “sutra”, em sânscrito, significa, literalmente, “uma linha que mantém coisas unidas”, entretanto, também se refere a um aforisma formado por uma sucessão de conceitos específicos que, quando unidos, geram um saber filosófico ou moral. “Uyuni sutra” foi idealizado e construído como uma alegoria da experiência da meditação, exercício cuja finalidade é interromper o fluxo do pensamento, esvaziando e aquietando a mente, como se ela pudesse se tornar um lago sereno, sem ondas. No vídeo, a paisagem monótona da viagem realizada da margem do salar até a chegada à Ilha Incahuasi, capturada de dentro de um carro, com a câmera na mão, foi transformada numa espécie de exercício onde o espectador acompanha o esforço da artista em tentar manter, na horizontal e centralizada no vídeo, a linha do horizonte do Uyuni, o maior salar do mundo, localizado na Bolívia. A primeira tentativa falha em pouco mais do que 2 minutos. A segunda resulta em vários momentos bem sucedidos, nos quais aparece uma linha-guia verde, como as guias de programas de computação gráfica, aplicada sobre a paisagem. O resultado visual do exercício, quando marcado pelo surgimento da linha-guia, se situa entre a estética do videogame e o layout dos painéis de controle de avião que sofreu uma rotação de 90 graus, transformando o horizonte numa linha vertical. A linha-guia aparece mais espessa quando há o equilíbrio perfeito entre as duas metades da imagem, a da direita ocupada pelo céu aparentemente imóvel e a da esquerda pelo sal que se move constantemente: opostos unidos, harmonizados, apaziguados.

per fumum, através da fumaça + aquilo que desperta doces lembranças. Certas árvores exsudam resinas que, quando solidificadas, são conhecidas como “incensos”, cuja combustão gera uma fumaça muito aromática. Desde os primórdios da humanidade a imagem da fumaça – algo que se situa entre o material e o imaterial – é associada ao espiritual, ao divino. Acredita-se que a fumaça e seu perfume promovem a ligação entre o mundo real e o sobrenatural, entre a matéria e o espírito, entre o ser humano e deus. Trecho do texto do livro espírito de tudo (Cobogó, 2017)

Os 74 objetos que constituem o projeto “Menos-valia [leilão]” foram encontrados e adquiridos em diversas feiras de artigos usados e sua ‘denominação de origem’ está identificada no próprio objeto. Eles entraram novamente em circulação e foram postos à venda por diversas razões: excesso de uso e desgaste, por furto e posterior abandono, porque se tornaram obsoletos ou simplesmente porque o dono perdeu o interesse em possuí-los e os colocou no lixo, de onde saíram para voltar ao mercado. Ao serem selecionados, recompostos, transformados e recontextualizados, esses objetos passam por sucessivas agregações de valor material e simbólico até seu destino final, definido no dia 8 de dezembro de 2010, quando cada um deles foi leiloado na 29ª Bienal Internacional de São Paulo. Ao adquirir um objeto, cada comprador recebeu o certificado de propriedade de uma parte do projeto “Menos-valia [leilão]” e pode incluí-lo em sua coleção de arte. No campo das ideias, “Menos-valia [leilão]” pode ser compreendido, também, como uma das práticas contemporâneas mais fortemente vinculadas às atuais teorias da ruinologia, como a do ‘recuperacionismo ativo de transformação’, entre outras consolidadas recentemente.

Os 74 objetos que constituem o projeto “Menos-valia [leilão]” foram encontrados e adquiridos em diversas feiras de artigos usados e sua ‘denominação de origem’ está identificada no próprio objeto. Eles entraram novamente em circulação e foram postos à venda por diversas razões: excesso de uso e desgaste, por furto e posterior abandono, porque se tornaram obsoletos ou simplesmente porque o dono perdeu o interesse em possuí-los e os colocou no lixo, de onde saíram para voltar ao mercado. Ao serem selecionados, recompostos, transformados e recontextualizados, esses objetos passam por sucessivas agregações de valor material e simbólico até seu destino final, definido no dia 8 de dezembro de 2010, quando cada um deles foi leiloado na 29ª Bienal Internacional de São Paulo. Ao adquirir um objeto, cada comprador recebeu o certificado de propriedade de uma parte do projeto “Menos-valia [leilão]” e pode incluí-lo em sua coleção de arte. No campo das ideias, “Menos-valia [leilão]” pode ser compreendido, também, como uma das práticas contemporâneas mais fortemente vinculadas às atuais teorias da ruinologia, como a do ‘recuperacionismo ativo de transformação’, entre outras consolidadas recentemente.

Os 74 objetos que constituem o projeto “Menos-valia [leilão]” foram encontrados e adquiridos em diversas feiras de artigos usados e sua ‘denominação de origem’ está identificada no próprio objeto. Eles entraram novamente em circulação e foram postos à venda por diversas razões: excesso de uso e desgaste, por furto e posterior abandono, porque se tornaram obsoletos ou simplesmente porque o dono perdeu o interesse em possuí-los e os colocou no lixo, de onde saíram para voltar ao mercado. Ao serem selecionados, recompostos, transformados e recontextualizados, esses objetos passam por sucessivas agregações de valor material e simbólico até seu destino final, definido no dia 8 de dezembro de 2010, quando cada um deles foi leiloado na 29ª Bienal Internacional de São Paulo. Ao adquirir um objeto, cada comprador recebeu o certificado de propriedade de uma parte do projeto “Menos-valia [leilão]” e pode incluí-lo em sua coleção de arte. No campo das ideias, “Menos-valia [leilão]” pode ser compreendido, também, como uma das práticas contemporâneas mais fortemente vinculadas às atuais teorias da ruinologia, como a do ‘recuperacionismo ativo de transformação’, entre outras consolidadas recentemente.

Os 74 objetos que constituem o projeto “Menos-valia [leilão]” foram encontrados e adquiridos em diversas feiras de artigos usados e sua ‘denominação de origem’ está identificada no próprio objeto. Eles entraram novamente em circulação e foram postos à venda por diversas razões: excesso de uso e desgaste, por furto e posterior abandono, porque se tornaram obsoletos ou simplesmente porque o dono perdeu o interesse em possuí-los e os colocou no lixo, de onde saíram para voltar ao mercado. Ao serem selecionados, recompostos, transformados e recontextualizados, esses objetos passam por sucessivas agregações de valor material e simbólico até seu destino final, definido no dia 8 de dezembro de 2010, quando cada um deles foi leiloado na 29ª Bienal Internacional de São Paulo. Ao adquirir um objeto, cada comprador recebeu o certificado de propriedade de uma parte do projeto “Menos-valia [leilão]” e pode incluí-lo em sua coleção de arte. No campo das ideias, “Menos-valia [leilão]” pode ser compreendido, também, como uma das práticas contemporâneas mais fortemente vinculadas às atuais teorias da ruinologia, como a do ‘recuperacionismo ativo de transformação’, entre outras consolidadas recentemente.

Os 74 objetos que constituem o projeto “Menos-valia [leilão]” foram encontrados e adquiridos em diversas feiras de artigos usados e sua ‘denominação de origem’ está identificada no próprio objeto. Eles entraram novamente em circulação e foram postos à venda por diversas razões: excesso de uso e desgaste, por furto e posterior abandono, porque se tornaram obsoletos ou simplesmente porque o dono perdeu o interesse em possuí-los e os colocou no lixo, de onde saíram para voltar ao mercado. Ao serem selecionados, recompostos, transformados e recontextualizados, esses objetos passam por sucessivas agregações de valor material e simbólico até seu destino final, definido no dia 8 de dezembro de 2010, quando cada um deles foi leiloado na 29ª Bienal Internacional de São Paulo. Ao adquirir um objeto, cada comprador recebeu o certificado de propriedade de uma parte do projeto “Menos-valia [leilão]” e pode incluí-lo em sua coleção de arte. No campo das ideias, “Menos-valia [leilão]” pode ser compreendido, também, como uma das práticas contemporâneas mais fortemente vinculadas às atuais teorias da ruinologia, como a do ‘recuperacionismo ativo de transformação’, entre outras consolidadas recentemente.

Onze bastiões e três portões, cada um com uma ponte elevadiça, pontuam a imponente muralha de pedra, de planta circular, construída pelos venezianos, que governaram a ilha de Chipre entre 1489 e 1571, para abrigar a capital. Os trabalhos começaram em 1567 e estavam quase finalizados quando os turcos cercaram e tomaram Nicosia em 1570. Hoje, a alta e maciça muralha e seus admiráveis bastiões em forma de coração resistem como um belo e impressionante exemplo da engenharia militar medieval. Onze anos foi o tempo de duração da última guerra civil vivida no Chipre, que culminou na cisão da ilha em dois países, mantidos separados, até hoje, pelo que é chamado de ‘último muro da Europa’. Quem sobreviveu a essa guerra raramente cruza a fronteira; quem não se recorda desse período parece não se dar conta de que a forma circular da muralha só se completa do outro lado da fronteira. Hoje, a divisão da ilha é um ‘tema tabu’ e a própria barricada/muro parece inexistir quando se pergunta a um cipriota sobre sua própria identidade ou sua nação. Onze são os desenhos ‘de memória’ feitos por habitantes de Nicosia Norte e Sul, a meu pedido e aplicados em transparência sobre a foto aérea da muralha, hoje engolida pela cidade que cresceu e ultrapassou o desenho original da fortaleza. A fotografia aérea é como a memória do autista que tem a capacidade de recordar-se de tudo, dentro do caos urbano, sem nenhuma seleção e mostra um desenho que permanece mais marcante do que o muro/barricada que o corta de ponta a ponta, dentro da malha sensível da cidade. O ser humano ‘normal’ não funciona assim; ao memorizar, faz seleções, estabelece hierarquias, esquece-se do conjunto e do contexto geral; guarda um detalhe, um recorte. Portanto, o desenho ‘de memória’ do cidadão comum de Nicosia mostra aquilo a que ele atribui mais relevância ou aquilo que ele conhece e reconhece, dentro de sua vivência pessoal e de seu contato com a cidade. Se o indivíduo só vê 5 dos 11 bastiões da muralha, talvez ignore que existem outros 6, do outro lado do muro. Ou talvez saiba de sua existência mas não lhes dê nenhuma importância. Rosângela Rennó, 2009-2010.