As obras de Detanico Lain sugerem, por meio de escritas distintas, ideogramas e mapas, formas e estratégias de se perceber a natureza e o corpo humano que apontam para novas cartografias. Imbuídas de referências científicas, matemáticas e literárias, suas obras lidam com temas relacionados ao tempo, ao espaço, à memória, à linguagem e à história.

Os artistas abordam assuntos ligados à paisagem, seja ela cultural ou natural. Logo na fachada da galeria, o trabalho que nomeia a exposição cria um horizonte vertical, onde “sobre a terra” e “sob o céu” são escritos de baixo para cima e de cima para baixo, respectivamente. No encontro dos dois períodos, uma divisão que inverte o sentido da leitura cria um corte horizontal que se impõe como uma fronteira que pautará o campo de investigação linguística da exposição.

Ao entrar na galeria, o trabalho Horizonte do Sertão (2018) mostra uma linha horizontal organizada a partir da presença da palavra horizonte no livro Grande sertão: veredas, de João Guimarães Rosa. Nessa série de trabalhos, Angela Detanico e Rafael Lain procuram pela palavra horizonte em determinado livro, escaneiam suas páginas e apagam todas as linhas de texto, deixando apenas aquelas em que a palavra horizonte está escrita. Depois de reimprimir as páginas em tamanho natural, os artistas organizam a montagem perfilando as linhas de texto e criando um horizonte de palavras. o número de partes que compõe cada trabalho é dado pelo número de linhas com a palavra horizonte em cada livro.

Na sala principal, dois textos em latim são aplicados com carvão sobre as paredes que ladeiam o espaço, formando duas grandes árvores. Na série Metamorfoses, Detanico e Lain baseiam-se na obra de mesmo título do poeta latino Ovídio, que narra episódios vividos por personagens da mitologia grega e as transformações que dão nome ao livro: homens que se transformam em rios, em flores e em rochas; ninfas que são transformadas em sons; deuses que se transformam em pássaros. Cada obra da série narra uma dessas transformações. Na exposição estão presentes Píramo e Tisbe (Metamorfoses) e Dríade (Metamorfoses).

Na mesma sala apresenta-se Corpos verdes (2022), um poema em 14 imagens escrito em Biotipo, um sistema de escrita baseado em imagens dos corpos dos artistas. Detanico e Lain se fotografaram e recortaram partes dos seus corpos para designar com imagens cada uma das letras do alfabeto. O sistema se divide em diferentes tons de verde, que definem a ordem em que as palavras sobrepostas devem ser lidas, do mais escuro para o mais claro. As deformações desses segmentos de corpos fazem lembrar imagens de folhagens. O poema fala de um corpo em metamorfose constante entre o mundo, a palavra e a natureza. Das 14 imagens, 5 estão na exposição.

Na saída da sala, em direção ao segundo andar da galeria, encontra-se uma obra da série Vanitas (2018). Nessa série, palavras que se referem à passagem do tempo são escritas com o sistema de escrita Vanitas, em que cada letra do alfabeto é designada por uma determinada quantidade de flores dentro de vasos. Um vaso com uma flor corresponde à letra A, um vaso com duas flores, à letra B, e assim por diante. Na exposição estão presentes duas obras da série Vanitas, Vida, escrita com antúrios vermelhos, e Tempo, escrita com cravos brancos. Aqui, natureza real (flores) e natureza convencionada (tempo) se encontram sob uma única perspectiva. Esse cruzamento ainda deixa a dúvida: qual o momento certo de trocar as flores dos vasos?

No andar de cima, o ponto de vista do espectador sai do nível do horizonte e passa a olhar tanto para o céu quanto para a Terra.

Na parede principal se exibe a série Nuvens (2022), um conjunto de 15 imagens de nuvens brancas sobre fundo azul. À distância, o visitante pode, como em um jogo, procurar formas nas nuvens, mas, ao se aproximar, vê que, na verdade, as nuvens são feitas de letras que formam palavras. Os vocábulos, espalhados pelas manchas, também exigem alguma investigação para desvelar a palavra que lá está.

Olhando para além das nuvens, encontra-se Atlas (2022), um desenho a lápis carbono sobre parede que representa uma constelação de estrelas visíveis a olho nu e ligadas por linhas retas, como num mapa.

Finalmente, em Terra Incógnita (2022), o título da obra aparece escrito em tinta acrílica sobre tela de linho, utilizando o sistema Timezonetype, desenvolvido por Detanico Lain. Timezonetype é uma tipografia criada a partir da relação entre fusos horários e as letras do alfabeto. A porção de terreno recortada pelo fuso horário é utilizada como a letra que ela designa. As palavras são escritas com pedaços de mapas, criando arranjos que rompem a ordem cartográfica e propõem novas leituras do mundo a partir da palavra.

Em Mental Radio, Ramírez Gaviria apresenta obras que revelam partes da construção do mundo ao nosso redor que nos tomamos com evidentes embora revelem funcionamentos ocultos à plena vista como se fossem segredos revelados.

A obra de Andrés Ramírez Gaviria opera no território da criação abstrata. Seus trabalhos revisam e submetem à dúvida, informação e códigos provenientes de mundos diversos que fazem parte das estruturas nas quais transitam os diálogos culturais. O artista questiona as convenções que põe em foco perante a história maior e as histórias particulares, bem como perante as revelações da arte, das ciências e da tecnologia.

Os encontros que propicia iluminam aspectos ocultos ou esquecidos da informação selecionada e, dessa maneira, permitem observar vazios significativos em assuntos geralmente percebidos como subentendidos. Nessa medida, neste trabalho a imagem nunca se apresenta como definição ou como precisão senão, pelo contrário, como um conjunto de indícios, de ressonâncias e de portas que se abrem a ocorrências de intrincada multiplicidade.

A Sônia

“Sônia veio da Bahia. Queria ser modelo. Tentou as editoras e os estúdios de diversos fotógrafos, mas não conseguiu trabalho. Conheci-a nessa ocasião. Sônia não apresentava as características comuns às modelos. Alguma coisa, entretanto, havia nessa moça que me impressionava fortemente. Mas eu não sabia o que era. Guardei seu endereço. Não demorei a chamá-la. Realizamos este ensaio. Depois, sem outra oportunidade, Sônia voltou à Bahia.

O corpo humano é para mim o objeto mais belo que existe. Por isso, há anos sonhava em realizar um ensaio fotográfico sobre as formas físicas da mulher para conseguir revelar sua essência. No mundo atual, os homens têm menos consciência do próprio corpo. Essa consciência quando é clara e procurada, aumenta misteriosamente a beleza e o significado do corpo, como se lhe atribuísse cores. Assim, sinto as mulheres azuis e os homens cinza. O fascínio que pode exercer um corpo feminino em quem o observa e estuda, vai além da sensualidade, tornando-o objeto perfeito para a criação artística. Inclusive, é possível também que, como mulher, ao realizar um ensaio estético sobre as formas físicas femininas, eu esteja procurando uma identificação reflexa e idealizada do que desconheço do meu próprio corpo. Mas não poderei explicar por que Sônia, a moça que todos os meus colegas recusaram como modelo, servia perfeitamente para o meu ensaio. E mais, por que o corpo azul de Sônia se tornaria a revelação das imagens de um sonho?

No primeiro dia, depois de uma hora de fotografias, tive de interromper o trabalho. Sônia não sabia posar. Porém, era justamente disso que provinha seu encanto inocente. Os gestos e atitudes não profissionais revelaram uma sensualidade mansa, tranquila. Ela não parecia estar diante da câmera fotográfica, mas fora do mundo. Tentei compreender esse outro mundo oferecendo-lhe alguns discos para escolher um. Sônia ouviu vários e depois ficou repetindo uma única canção: I had a Dream (Eu tive um sonho), de autoria de John B. Sebastian, em que o próprio compositor a cantou acompanhado por um violão no Festival de Woodstock. Por coincidência era uma de minhas canções prediletas. Sônia não compreendia uma só palavra da letra. Quando voltamos ao trabalho, ouvindo essa música, ela assumia espontaneamente poses oníricas, sem saber tratar-se de um sonho o que Sebastian cantava. Assim, Sônia me revelou também o que eu sempre quis captar no corpo de uma mulher. E o ensaio fotográfico que realizava integrou-se de forma definitiva com essa música. Era um sonho, ou melhor, eu tivera um sonho em qualquer instante de minha vida e o estava decifrando no trabalho com Sônia.

Usei apenas um fundo infinito branco. Foram três horas de fotografias convencionais, poucas para um trabalho profissional tão importante para mim: 10 rolos de 36 exposições. Minha intenção era fazer fotos simples e diretas. A partir dessas fotos é que teve início a fase mais complexa e criativa, embora já totalmente programada. Eu chamei essa fase de reconstrução da imagem de Sônia, ou elaboração. Durante a semana em que refotografei as imagens selecionadas, fiz cortes de toda natureza usando filtros de diferentes cores, efetuando revelações em positivo e negativo. Finalmente cheguei a 90 cromos: a sequência ideal. A música de Sebastian agia no meu inconsciente, estimulando a sensibilidade e a intuição. Não sei se era a própria música ou o que ela representava naqueles instantes. Quando cheguei ao final, pude dizer que já não existia mais Sônia. Projetei a série para mim mesma. A felicidade que senti me garantiu que o velho sonho havia sido realizado.”

Claudia Andujar

Buscando ampliar limites com que me deparei no campo da gravura, encontrei na fundição, mais especificamente no processo de cera perdida, o mesmo procedimento, o que mudou meu pensamento construtivo. Nesse processo há um registro do contato entre o objeto a ser fundido e os diferentes materiais utilizados em cada etapa (cera, areia, metal fundido).

Uso a fundição não como processo final da obra, mas como mais uma etapa na construção do trabalho; são pedaços, corpos, coisas procurando se estruturar entre si. Num outro momento, já no ateliê, serão repensadas e associadas a outras partes e outros materiais. Muito desses materiais vem do universo da gravura em metal (cobre, feltro, cera, organza de seda, etc). Cada material carrega em si sua condição primeira de matéria e significados que lhes vão sendo atribuídos culturalmente, como o veludo ou a organza de seda, que entram como cor e criam, pela sua materialidade, uma tensão em contraposição ao peso e frieza do metal.

Considero o desenho como uma ferramenta do pensamento. E ao desenhar, coisa que faço obsessivamente, o que não me interessa acaba sendo diluído e o que me interessa passa a ficar mais aparente e toma corpo. O desenho é prática fundamental no meu trabalho.

Apesar da solidez do bronze, algumas das minhas esculturas tem qualidades gráficas e parecem dar um passo em direção ao desenho. Enquanto que os desenhos apontam para uma certa tridimensionalidade, um desejo de se tornar coisa/escultura, insinuando-se, projetando-se no espaço. Aí encontro um lugar de interesse que é o entre dimensões, entre o bi e o tridimensional.

Tenho o hábito de caminhar e ao caminhar, um tipo diferente de percepção e de pensamento é ativado em mim, contribuindo para a resolução de questões construtivas e conceituais do trabalho. Meu movimento físico altera meu movimento mental.

Flávia Ribeiro, Junho 2022