Carla Zaccagnini - Galeria Vermelho

ATÉ 19.set

Iván Argote: Levitate, La Plaza del Chafleo

Berlinische Galerie

Berlim, Alemanha

21.SET - 12:00

Clara Ianni – Resurrection

Mausoleum Kaiser Ferdinands II

Graz, Áustria

Clara Ianni apresenta o trabalho que lhe rendeu a Werner Frenz Grant for Art in Public Space. Resurrection de Ianni é uma obra que desafia gêneros, incluindo um ritual no Mausoléu de Graz e uma procissão até o Stadtpark, culminando em um monumento temporário. O projeto reutiliza adereços teatrais esquecidos—árvores, pedras, flores—devolvendo-os à natureza para criar uma ficção política e ambiental onde nada morre, e humanos e não humanos se unem. A obra explora a interação entre natureza, capitalismo e religião, com foco em exaustão e regeneração. Em meio às crises atuais, Ianni imagina como viver, regenerar e ressuscitar após o colapso.

livro

Projeto Octógono: 20 anos. Aprendendo com artistas

Pinacoteca de São Paulo

São Paulo, Brasil

André Komatsu, Carla Zaccagnini, Chelpa Ferro e Edgard de Souza estão em “Projeto Octógono: 20 anos. Aprendendo com artistas”. O volume reúne projetos e exposições de artistas que ocuparam a rotunda central da Pinacoteca do Estado de São Paulo nas duas últimas décadas. O volume conta com textos de Jochen Volz, Ana Maria Maia, Gabriela de Matos, Marcelo Mattos Araujo, Ariana Nuala, Horrana de Kássia Santoz e Lorraine Mendes, além de entrevistas com Emanuel Araujo, por Daniel Rubim, com Ivo Mesquita e Valéria Piccoli, ambas por Pollyana Quintella. O volume traz imagens de: “A voluta e outros trabalhos”, de Edgard de Souza (2004) “Noite longa”, de André Komatsu (2021). “Percurso ótico”, de Carla Zaccgnini (2005) “Totoro”, de Chelpa Ferro (2009)

ATÉ 05.jan

17ª Bienal de Lyon – Les voix des fleuves, Crossing the water

Curadoria Alexia Fabre

Les Grandes Locos

Lyon, França

Intitulada "Les voix des fleuves, Atravessando as águas", a 17ª edição da Bienal de Lyon convida artistas a interrogar e investigar o tema das relações crescentes e decrescentes dos seres humanos entre si e com o meio ambiente. Os artistas farão com que as vozes distintivas desses lugares – suas histórias e suas características sociais – ressoem. Esses lugares de construção e reparo, de cuidado e hospitalidade, de atenção aos outros, revelam tantos destinos quanto formas de relacionamento – tradicionais, inventados e também esperados.

TEXTO

Textos mínimos, leituras máximas

Fundação Bienal de São Paulo

São Paulo, Brasil

ATÉ 21.set

InterACTION

Curadoria Demetrio Paparoni

Fondazione Made in Cloister

Nápoles, Itália

online

The Days That Build US

PAMMTV

Miami, EUA

ATÉ 22.set

Anne Frank – Deixem-nos ser

Curadoria Carlos Reiss

Unibes Cultural

São Paulo, Brasil

ATÉ 23.fev

ARTEÔNICA

Molaa - Museum of Latin American Art

Long Beach, Califórnia

Instalação permanente

Loop – Rulo

Puertos

Escobar, Argentina

ATÉ 22.set

Tania Candiani: Pulso

Curadoria Gilbert Vicario

PAMM - Pérez Art Museum Miami

Miami, EUA

Tania Candiani é uma artista da Cidade do México conhecida por suas instalações multimídia e baseadas em pesquisa e trabalhos de mídia mista que abordam diversas metodologias e novas maneiras de ver o mundo. Por mais de dez anos, Candiani criou trabalhos que se baseiam em literatura, história, ciência e natureza como um meio de criar narrativas atraentes que envolvem o espectador por meio de uma narrativa visual compassiva. O conceito de fluxo e trânsito está no cerne da videoinstalação da artista Pulso. Sobrepondo conceitualmente os rios subterrâneos da bacia da Cidade do México com as linhas de trânsito do sistema de metrô, um fluxo metafórico e acústico é criado por meio de uma ação baseada em performance executada por 200 mulheres. Realizada no domingo, 23 de outubro de 2016, as mulheres foram organizadas em grupos e instruídas a viajar de ponta a ponta ao longo das doze linhas de metrô, descendo em todas as estações e tocando o tambor teponaztli pré-hispânico até a chegada do próximo trem. Tradicionalmente, acredita-se que o instrumento teponaztli seja a manifestação de um cantor da corte sequestrado pelo deus asteca Tezcatlipoca e enviado de volta à Terra em forma de objeto. Conforme os teponaztli eram tocados, o som poderoso manifestava forças sobrenaturais. Pulso aproveita a adivinhação ancestral deste instrumento para falar sobre manifestações contemporâneas de poder e espiritualidade feminina e sua relação intrínseca com o trabalho e a ação coletiva. Tania Candiani: Pulso é organizado na PAMM por Gilbert Vicario, curador-chefe.

Tempo indeterminado

Wild Flowers

Katy Trail

Dallas, EUA

ATÉ 25.set

Devir Paisagem

Curadoria Lilian Fraiji

Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo

Évora, Portugal

Devir Paisagem apresenta um conjunto de práticas artísticas a respeito da noção expandida de “natureza” e do pensamento ambiental, explorando a construção de novas realidades sensíveis a partir da negociação com as diferentes agências que moldam o mundo e, em diálogo, com as teorias pós-coloniais, feministas e biocentradas.

ATÉ 16.nov

Grande Ville

Curadoria Anna Labouze & Keimis Henni

Magasins généraux

Paris, França

No outono de 2024, os Magasins Généraux apresentam "Grande Ville" [Cidade Grande]: uma exposição e uma série de eventos que visam explorar as maneiras como vivemos e navegamos na cidade hoje, ao mesmo tempo em que estimulamos a imaginação de novas utopias urbanas.

ATÉ 27.out

Rumbo – Ruta de Escultura Independiente

Museo de Arte de Zapopan

Jalisco, México

ATÉ 02.fev

Oír que los murmullos han vuelto

Museo de Arte Moderno de Medellín

Medelín, Colômbia

ATÉ 29.set

Refundação

Museu da Inconfidência

Ouro Preto, Brasil

Refundação, concebida colaborativamente entre artistas, curadores e agentes culturais, a exposição teve sua primeira etapa em 2023, em São Paulo, na Galeria Reocupa - um espaço de exposições de arte contemporânea que fica no subsolo da Ocupação 9 de Julho, que é gerida pelo MSTC (Movimento Sem-Teto do Centro). A exposição conta com aproximadamente 100 artistas e, nesta edição, inclui artistas mineiros convidados. A montagem dessa etapa da exposição propõe um diálogo com as peças do acervo do Museu da Inconfidência, ampliando as reflexões sobre essa importante coleção. André Komatsu, Elilson, Lia Chaia e JAMAC participam da mostra. A chegada de “Refundação” ao Museu da Inconfidência faz parte do reposicionamento da instituição, que vem ampliando o diálogo com o público e revisando suas narrativas expográficas. A exposição faz parte das comemorações de 80 anos do museu.

ATÉ 30.set

Claudia Andujar y la lucha Yanomami

Curadoria Thyago Nogueira

MAMU - Museo de Arte Miguel Urrutia

Bogotá, Colombia

A exposição Claudia Andujar e a luta Yanomami apresenta uma coleção retrospectiva da artista brasileira, cujo trabalho tem sido principalmente voltado para a defesa do povo indígena Yanomami e a documentação de sua luta pela salvaguarda de sua cultura e território na Amazônia brasileira. Curada por Thyago Nogueira, a exposição mostra as várias abordagens visuais e artísticas que a artista desenvolveu em sua obra, ao mesmo tempo em que dialoga com obras de representantes da comunidade Yanomami, como o xamã e ativista Davi Kopenawa. Além de ser uma coleção monográfica sobre a produção da fotógrafa, o projeto Claudia Andújar e a luta Yanomami adentra na história e cultura desse povo nativo vulnerável da Amazônia Norte, destacando seus processos de resistência e resiliência diante da adversidade das políticas coloniais que impactaram seu território por décadas. A exposição se alinha com a linha de exposições fotográficas do MAMU, mas também reflete seus esforços em destacar, dentro de sua programação cultural, outras culturas e práticas artísticas que constituem a complexa identidade americana. Claudia Andújar emerge como uma figura proeminente na fotografia contemporânea e nas artes visuais no Brasil. Nascida na Europa, sua família foi morta durante o extermínio dos judeus no continente pela barbárie nazista. O Brasil, país para o qual ela chegou na década de 1950, ofereceu refúgio, enquanto a prática da fotografia se tornou sua própria expressão para dar voz às populações vulneráveis deste país latino-americano. Seu encontro com a cultura Yanomami no início da década de 1970 teve um impacto decisivo nas direções de sua prática fotográfica e artística.

ATÉ 06.out

The Other Side of the Tracks

Curadoria Jorge Rojas

RedLine Contemporary Art Center

Denver, EUA

OUTUBRO 2024

Dinosssauro

Comissionamento High Line Plinth

The High Line

New York, EUA

Iván Argote é o quarto artista comissionado para o High Line Plinth, em Nova York. Em outubro o artista inaugurará Dinosaur (2024), uma escultura colossal e hiper-realista de um pombo fundido em alumínio. Com humor, a escultura desafia a grandeza dos monumentos tradicionais que celebram figuras históricas significativas, optando por canonizar o conhecido pássaro de rua da cidade norte-americana. Posado em um pedestal de concreto que lembra as calçadas e edifícios que os pombos de NY chamam de lar, Dinosaur inverte a dinâmica de poder entre pássaro e humano, elevando-se 6,5 metros acima do Spur, sobre os inúmeros pedestres e motoristas que trafegam pela 10th Avenue. Iván Argote é o primeiro artista do sul global e o mais jovem a receber o comissionamento do High Line.

ATÉ 13.out

A Vingança do Arquivo

Curadoria Carla Chaim, Marcelo Amorim e Nino Cais

Casa de Cultura do Parque

São Paulo, Brasil

Carla Chaim, Marcelo Amorim e Nino Cais são artistas visuais cujas práticas, apesar das trajetórias diversas, compartilham uma sensibilidade aos objetos do mundo, unindo-os pela apropriação. Apropriação, no contexto da arte, envolve a incorporação de materiais não artísticos ou obras pré-existentes em novos trabalhos, com raízes na colagem e influências de Marcel Duchamp e Kurt Schitters. Nos anos 1980, artistas como Richard Prince, Sherrie Levine e Barbara Kruger elevaram essa prática ao recontextualizar imagens da mídia para criticar e desconstruir construções sociais. Hal Foster, em “Bad New Days”, descreve os “artistas arquivistas” que recuperam e recontextualizam informações históricas perdidas ou suprimidas. Eles usam imagens, objetos e textos em instalações, criando uma legibilidade perturbada ou redirecionada. A produção incessante de imagens na internet contrasta com o retorno desses artistas aos arquivos tradicionais, agora mais acessíveis em sebos e lojas de segunda mão. Nesta exposição, o arquivo é o ponto de partida, e cada artista atua também como curador, convidando outro artista para expandir o diálogo. Nino Cais convida Leda Catunda (objetos cotidianos ressignificados), Carla Chaim convida Lenora de Barros (corpo e escrita), e Marcelo Amorim convida Rosângela Rennó (imagens recontextualizadas). Juntas, suas obras questionam a autoridade documental dos arquivos e expressam a contínua busca dos artistas por ressignificações, iluminando vestígios do passado sob novas perspectivas.

Vencedor será anunciado 14.OUT.24

Detanico Lain são finalistas do Prix Marcel Duchamp 2024

ADIAF (L’Association pour la diffusion internationale de l’art français)

Centre Pompidou

Paris, França

Angela Detanico e Rafael Lain (Detanico Lain) estão entre os 4 finalistas do Prix Marcel Duchamp 2024. "Depois de um longo e rigoroso processo que começou há 10 meses, quatro artistas acabaram de ser selecionados pelo nosso comité de seleção composto por onze colecionadores ADIAF”, anunciou Claude Bonnin, presidente da ADIAF. O Prix Marcel Duchamp é oferecido pela ADIAF (L’Association pour la diffusion internationale de l’art français), e tem como norte destacar artistas franceses, ou residentes na França, em parceria com o Centro Pompidou. Todos os anos, os finalistas expões no museu parisiense e um laureado é escolhido. Considerado uma das fontes de informação mais relevantes sobre a arte contemporânea em França, o prêmio está entre os de maior prestígio no globo. Os finalistas serão convidados pelo Centre Pompidou para uma exposição de três meses cuja abertura está prevista para 1 de outubro de 2024.

ATÉ 03.nov

BredaPhoto Festival 2024

Grote Kerk Breda

Breda, Holanda

Em coprodução com a Grote Kerk Breda, igreja monumental localizada no coração da cidade de Breda, na Holanda, o BredaPhoto Festival 2024 sediará, a partir do dia 13 de setembro, a exposição individual site-specific de Rosângela Rennó intitulada Living Things [Coisas Vivas]. Para isso, Rennó pesquisou com profundidade a história da Grote Kerk apresentando novos projetos juntamente com trabalhos anteriores, como o vídeo Vera Cruz (2002). As novas instalações multimédia, que incluem fotografia e vídeo, abordam temas relacionados ao colonialismo, o império, a história e a identidade. Ao entrar no espaço imponente da Grote Kerk, cuja construção gótica teve início no século 15, o visitante logo se deparará com uma imagem surpreendente. Trata-se da instalação site-specific Resistance of Breda or Las Lápidas (2024), que funciona como elemento aglutinador, o fio narrativo da exposição. Na instalação, Rennó cobre parte do chão de pedra da igreja com um tapete de cor laranja-avermelhada, evidenciando as tumbas da dinastia Nassau-Breda existentes no local. Rennó é uma artista cuja carreira se estende por mais de 35 anos. No verão passado, a artista recebeu o prêmio Women in Motion no festival de fotografia Les Recontres d’Arles, na França. Rennó prepara ainda, para o segundo semestre de 2025, uma nova exposição individual que percorrerá as cidades de Belo Horizonte, Brasília e Rio de Janeiro. Rennó participa do BredaPhoto 2024 a convite da curadora Ileana Selejan.

ATÉ 03.nov

Esto es lo verdadero

Curadoria Adonay Bermúdez

CCEMx - Centro Cultural de España en México

Cidade do México, México

Tomando como ponto de partida o filme francês J'accuse (1919) de Abel Gance, filme que denuncia os horrores ocorridos durante a Primeira Guerra Mundial, o curador Adonay Bermúdez faz um balanço de diferentes representações de guerra realizadas no campo da arte contemporânea do século passado, concentrando-se especialmente nas décadas mais imediatas. O objetivo é aproximar o trabalho de denúncia pública realizado pelos artistas, bem como avaliar os conceitos de história, violência, desobediência civil, estratégia ou iconografia. Uma cartografia crítica de discursos e práticas passadas e presentes que nos permite examinar o panorama atual da guerra a partir de uma perspectiva artística.

ATÉ 03.nov

Lélia em nós: festas populares e amefricanidade

Curadoria Raquel Barreto e Glaucea Britto

Sesc Vila Mariana

São Paulo, Brasil

Em cartaz no Sesc Vila Mariana, exposição Lélia em nós: festas populares e amefricanidade exalta trajetória da intelectual antirracista No artigo “Beleza negra, ou: Ora-yê-yê-ô!”, de 1982, Lélia Gonzalez escreveu sobre as expressões populares no carnaval de rua baiano. “E são as jovens negras desses blocos e afoxés que organizam suas respectivas festas, convidando, de preferência, pessoas da comunidade negra que elas consideram credenciadas para escolher, dentre elas, a mais digna representante da beleza negra”. E a própria beleza negra é um dos cinco eixos da exposição Lélia em nós: festas populares e amefricanidade, que abre em junho e fica em cartaz até novembro, no Sesc Vila Mariana. Pensada a partir do livro homônimo da autora, relançado pela editora Boitempo para recordar os 30 anos de morte de Lélia Gonzalez, a mostra revisita aspectos marcantes de sua trajetória, a partir de obras de artistas visuais contemporâneos, cujos trabalhos convergem e dialogam com seu pensamento. Com curadoria de Raquel Barreto e Glaucea Britto, a exposição é dividida pelos núcleos “Festas populares”, “Peles negras”, “Máscaras negras”, “Racismo e sexismo na cultura” e “De Palmares às escolas de samba, estamos aí”. O projeto expográfico reúne, ainda, obras de artistas contemporâneos, cujos trabalhos convergem com o pensamento de Lélia.

ATÉ 17.nov

Carmela Gross. BOCA DO INFERNO

Fundação Iberê

Porto Alegre, Brasil

Partindo de imagens diversas de vulcões, extraídas de jornais e outras fontes, Carmela Gross realizou, em 2019, uma série de monotipias, no ateliê de gravura da Fundação Iberê, com a colaboração do artista e impressor Eduardo Haesbaert. Esse conjunto de monotipias, reunidas sob o título BOCA DO INFERNO, foi exposto no segundo semestre de 2021 na 34a Bienal Internacional de São Paulo, quando já se vislumbrava – mas ainda não terminara – o fim do ciclo de trevas vivido sob a pandemia e o negacionismo. O título evoca, sugestivamente, o pórtico de bronze A Porta do Inferno (1880-1917), do escultor francês Auguste Rodin, mas remete antes e diretamente à poesia satírica de Gregório de Matos (1636-1696), dito popularmente “o Boca do Inferno”, por suas invectivas contra as autoridades coloniais na “triste Bahia”, como canta Caetano, do século XVII.

ATÉ 17.nov

Escrever o livro do mundo

Curadoria Thiago Grisolia

Sesc Ramos

Rio de Janeiro, Brasil

ATÉ 17.nov

TO MOVE AND BE MOVED

Curadoria Irene Campolmi

KØS Museum of Art in Public Spaces

Køge, Dinamarca

A KØS apresenta com orgulho a primeira exposição individual do artista colombiano Iván Argote na Escandinávia, TO MOVE AND BE MOVED, de 22 de junho a 17 de novembro de 2024. A prática de Iván Argote questiona a natureza dos nossos espaços urbanos, carregados de símbolos e grandes monumentos que sustentam e definem eventos históricos, autoridades e posições de poder. Reconhecido internacionalmente por sua prática audaciosa e intervenções lúdicas, Argote cria filmes, performances, instalações e esculturas em espaços públicos que brincam com a história e o significado dos monumentos, oferecendo uma nova perspectiva sobre os espaços urbanos públicos.

ATÉ 24.nov

The Mountain Algorithms

Curadoria Carolina Castro Jorquera

Kaohsiung Museum of Fine Arts

Kaohsiung, Taiwan

ATÉ 24.nov

60° Exposição Internacional de Arte da La Biennale di Venezia – Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere

Curadoria Adriano Pedrosa

La Biennale di Venezia

Veneza, Itália

Carlos Motta, Claudia Andujar e Iván Argote estão entre os artistas convidados para a 60a Exposição Internacional de Arte da La Biennale di Venezia, curada por Adriano Pedrosa. A Biennale Arte 2024 acontecerá de sábado, 20 de abril, a domingo, 24 de novembro de 2024, sob o título Stranieri Ovunque - Foreigners Everywher - Estrangeiros em todos os lugares. Em seu anúncio, o curador Adriano Pedrosa fala sobre o projeto: “Artistas sempre viajaram sob as mais diversas circunstâncias, movendo-se por cidades, países e continentes, um fenômeno que só aumentou desde o final do século XX - ironicamente, um período marcado por restrições crescentes ao deslocamento de pessoas. A Biennale Arte 2024 se concentrará em artistas que são eles próprios estrangeiros, imigrantes, expatriados, diaspóricos, emigrantes, exilados e refugiados - especialmente aqueles que se deslocaram entre o Sul Global e o Norte Global."

ATÉ 01.dez

Na palma da mão – exposição ateliê

Curadoria Diana Tubenchlak e Renata Sant’Anna

Sesc Jundiaí

Jundiaí, Brasil

ATÉ 07.dez

Ecospheres

Joburg Contemporary Art Foundation

Johannesburg, África do Sul

Ecospheres pretende abordar o tema da ecologia, do ambiente, do clima e do mundo natural através do conceito de fazer-com (viver com). Dividida em três ‘atmosferas’: água, ar e terra, englobando ideias relacionadas à narrativa, migração e conhecimento indígena, a exposição é uma experiência imersiva que inclui instalações de plantas hidropônicas, tecidos de malha de inspiração oceânica, fotografia botânica e pinturas sonoras.

ATÉ 07.dez

La mirada encendida. Colección Balanz & Colección Fundación OSDE

Curadoria Carolina Cuervo

Fundación OSDE

Bueno Aires, Argentina

ATÉ 14.dez

621 E TODAS NÓS

Curadoria Galciane Neves

Instituto Figueiredo Ferraz

Ribeirão Preto, Brasil

Um cálculo matemático integra o título dessa mostra. Adentrando o acervo da coleção Figueiredo Ferraz, que vem sendo constituída desde o início dos anos 1980, foi possível mensurar quanto espaço na coleção é destinado aos trabalhos de artistas mulheres. Esse cálculo nada simples, dada a singularidade de cada obra, nos coloca diante de um indicativo matérico: a presença física e incontestável de trabalhos de mulheres em uma coleção. Ou seja, nos espaços de conservação e de guarda estão abrigados gestos, tempos, conflitos, desafios, critérios, desejos, intencionalidades e lutas que constituem processos de construção de obras de artistas mulheres. Sabemos: ser artista no Brasil é uma insistência, e, para mulheres, ser artista, como nos comprova a história, é quase uma ousadia. E disso, podemos pensar: a produção de uma mulher é sempre uma transgressão, uma ação sempre marcada por questões sexistas, sempre atravessada pelas lógicas do sistema das artes que ainda opera de forma misógina e que menospreza as demandas de mulheres. Num mundo em que o machismo rege as práticas sociais, políticas, econômicas, a grande obra de mulheres ainda é manter-se viva, "atenta e forte". E a produção artística não é um subterfúgio ou uma mera distração, mas um modo de se reconhecer no mundo e de garantir sustento. E, sim, o nome dessa imensidão é trabalho. O título da mostra tem um outro sujeito: todas nós, um personagem amplo, de corpo diverso, que tem a intenção de convidar a pensar sobre as "mulheridades" que nos habitam e a agir coletivamente por um mundo com equidade de gênero, onde mulheres não são obrigadas a se subordinar a homens, onde pessoas, irrestritamente, devem ser respeitadas e precisam ter as mesmas condições, direitos e oportunidades de realizar plenamente seus desejos, além de contribuírem para o desenvolvimento da vida e se beneficiarem dos resultados de seus esforços. Assim, a mostra tem o intuito de discutir como compartilhamos espaços, como podemos conviver com as muitas subjetividades e pluralidades, e como mulheres, apesar do pouco reconhecimento, atuam intensamente para o bem viver. Organizados em 4 núcleos conceituais (corpo como paisagem, exercícios do corpo, tempos poéticos, a forma como gesto no cotidiano), os trabalhos aqui reunidos nos propõem que a arte pode ser um dos possíveis territórios para um debate feminista e para planejarmos nossos engajamentos. Na mostra, muitos tempos de criação, linguagens, materiais, índices de produção artística atestam que mulheres escrevem suas próprias histórias. Seus trabalhos são, portanto, provas vivas dessas existências narradas. Então, que agucemos nossas percepções, pois quando uma mulher compartilha a potência de sua voz e de seus trabalhos no mundo, um farol nos ilumina, conclamando a fazermos o mesmo: a agirmos com coragem em prol da liberdade de todes. Galciani Neves

ATÉ 29.dez

Minha vida em dois mundos

Pinacoteca do Ceará

Fortaleza, Brasil

ATÉ 05.jan

Energies

Curadoria Stefanie Hessler

Swiss Institute

New York, EUA

ATÉ 16.FEV.25

Trienal de Tijuana: 2. International Pictórica

Curadoria Leonor Amarante

Tijuana Cultural Center

Tijuana, México

A Trienal de Tijuana 2. Internacional Pictórica no Centro Cultural Tijuana. Marilá Dardot está entre os artistas selecionados e apresenta uma instalação desenvolvida para a mostra. ¿¡ jerga?! baseia-se no tradicional pano de limpeza mexicano de mesmo nome e em sua coincidência com a expressão do espanhol, que em português quer dizer algo como gíria. A jerga é um produto 100% mexicano que está presente em todos os lares do México. Mas a jerga é também esse uso especial da linguagem que aponta para um meio expressivo de insurreição contra a língua oficial do colonizador espanhol. Os sinais de abertura (¿, ¡) são característicos do espanhol, e sua escrita é útil para indicar o ponto em que se inicia a sequência interrogativa ou exclamativa. Na obra de Dardot, esses sinais foram pintados de diferentes maneiras sobre jergas, criando uma tela expandida, com tintas tradicionalmente usadas para pintar paredes chamadas “Azul colonial” e o “Rosa mexicano”. A Trienal de Tijuana tem Leonor Amarante como curadora chefe e fica em cartaz até 16 de fevereiro de 2025.

ATÉ 09.MAR.25

Dos Brasis – Arte e Pensamento Negro

Curadoria Igor Simões, em parceria com Lorraine Mendes e Marcelo Campos

Sesc Quintandinha

Petrópolis, Rio de Janeiro

A centralidade do pensamento negro no campo das artes visuais brasileiras, em diferentes tempos e lugares. Essa é uma das principais premissas que norteiam o processo curatorial da mostra Dos Brasis – Arte e Pensamento Negro, a mais abrangente exposição dedicada exclusivamente à produção de artistas negros já realizada no país.

ATÉ 27.DEZ.25

Love Languages

Curadoria de Mari Carmen Ramírez

MFAH, Museum of Fine Arts Houston - Nancy and Rich Kinder Building

Houston, EUA

Love Languages busca pensar em como a produção artística é um tipo de linguagem de amor por si só. A instalação oferece insights sobre a questão: “Como priorizamos a ternura em relação às condições sociais debilitantes?”. As obras da exposição abordam a necessidade de intimidade nas relações interpessoais e coletivas.

Gomide&Co, em colaboração com a Vermelho

Gomide&Co, em colaboração com a Vermelho