O centro de arte contemporânea Espace Croisé exibirá MEU LUGAR NA RODA, projeto de videoinstalação da renomada dupla de artistas Mauricio Dias e Walter Riedweg.

Este projeto é inspirado na roda de samba , tradição de origem africana que se desenvolveu no Rio de Janeiro e depois se popularizou como gênero musical por si só, para o qual os encontros e a partilha são essenciais na criação musical.

A partir de 26 de abril, em celebração aos 10 anos de sua inauguração, a Galeria Claudia Andujar passa por uma reconfiguração, ganhando o nome Galeria Claudia Andujar | Maxita Yano — “casa de terra” na língua Yanomami. A reformulação marca a abertura da galeria a outros artistas, povos e cosmologias.

Na ocasião, trabalhos em fotografia e vídeo de 22 artistas indígenas da América do Sul ocupam o espaço e aprofundam discussões iniciadas por Andujar, com um olhar voltado para a imagem na fotografia indígena, a luta pela terra e as alianças possíveis na atualidade.

A exposição tem curadoria de Beatriz Lemos, e conta com Marilia Loureiro como curadora de Programação Pública e Varusa como assistente de curadoria.

A exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” será inaugurada no dia 2 de outubro de 2024 no Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro, como parte das comemorações pelos 35 anos do CCBB RJ. Com Raphael Fonseca como curador-chefe e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra, inédita, apresentará cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período.

Tania Candiani está na Bienal de Arte Pública de Abu Dhabi 2024-2025, com o projeto Nomadic Stage.

A instalação apresenta um palco móvel inflável que percorre a cidade, transformando os centros urbanos em polos de troca coletiva e conferindo um novo significado a esses espaços. Com uma estrutura modular leve e um design em forma de trombeta, o palco convida à participação da comunidade, criando ressonâncias duradouras. Usando a música como tecido conector, o palco facilita a superação de barreiras culturais e sociais, criando novos laços entre moradores de diferentes origens. Em vez de focar no virtuosismo musical, o objetivo é reativar e remodelar os espaços públicos para o povo de Abu Dhabi e Al Ain.

Comissionado pelo Departamento de Cultura e Turismo de Abu Dhabi para a Bienal de Arte Pública de Abu Dhabi 2024-2025.

Com curadoria de Renato De Cara, curador do Paço das Artes, a exposição traz 58 trabalhos de 18 artistas que, por meio de suas obras, refletem sobre os impactos significativos e, muitas vezes, irreversíveis das ações humanas ao meio ambiente. Para além das mudanças nas paisagens, os artistas exibem exercícios de imaginação para um futuro fantasioso, investigando linguagens, representações utópicas, apocalípticas e objetos ficcionais.

Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey apresenta a partir de 28 de março a exposição ‘Diálogos. Artistas mulheres na Coleção Ella Fontanals-Cisneros‘.

A mostra oferece uma oportunidade para estudar e reivindicar o espaço das artistas na história recente, destacando sua contribuição para as práticas artísticas, nas quais muitas vezes seus colegas masculinos são mais reconhecidos.

A curadoria é de Taiyana Pimentel, diretora do MARCO, e Sergio Fontanella, diretor de operações e coleções da Cisneros Fontanals Art Foundation.

Esta exposição explora um tema nunca antes abordado na coleção: a presença marcante de artistas mulheres nas vanguardas artísticas desde a segunda metade do século XX até os dias atuais.

“(…) O título da Sharjah Biennial 16, to carry , é uma proposta multivocal e aberta. A lista sempre crescente do que carregar e como carregar é um convite para encontrar as diferentes formações e posições dos cinco curadores, bem como a constelação de ressonâncias que eles reuniram.
O tema da Bienal, to carry [carregar] , envolve entender nossa precariedade dentro de espaços que não são nossos, ao mesmo tempo em que permanecemos responsivos a esses locais por meio das culturas que mantemos. Também significa uma ponte entre múltiplas temporalidades de passados ​​corporificados e futuros imaginados, abrangendo histórias intergeracionais e vários modos de herança. O que carregamos quando é hora de viajar, fugir ou seguir em frente? Quais são as passagens que formamos ao migrar entre territórios e através do tempo? O que carregamos quando permanecemos? O que carregamos quando sobrevivemos?(…)”

Gabriela Albergaria inaugura sábado dia 15, sua individual The Best Way to Kill a Tree no openspace, em Nancy, França.

A exposição parte dos processos cíclicos de autorregeneração da natureza e das estratégias de cuidado e cooperação entre seres humanos e não humanos, desenvolvidos pela artista em uma série de objetos e desenhos de múltiplas escalas.

Esses elementos agora ganham projeção volumétrica na mostra. O processo de edição, montagem, reconfiguração e metamorfose está no centro da metodologia de Gabriela Albergaria.

A exposição fica em cartaz até 13 de julho.

Mirror of the Mind explora a relação emaranhada e inseparável entre os aspectos físicos e emocionais do corpo. Esta exposição reúne mais de 120 artistas que usam figuração e retrato para examinar as complexidades da condição humana: o poder da percepção, o peso do trauma, as possibilidades de cura, o espaço para introspecção, o senso de pertencimento e o impacto na carne. Por meio de várias mídias — incluindo fotografia, pintura, escultura e vídeo — o corpo é referenciado como um recipiente que experimenta, documenta, participa e se transforma ao longo da jornada da vida. A dualidade do corpo — sua materialidade e imaterialidade — torna-se uma paisagem visual onde as dinâmicas de representação, do individual ao coletivo, são abordadas, ilustrando a persistência da figuração na arte contemporânea.

Encruzilhadas da Arte Afro-brasileira, com curadoria de Deri Andrade, a mostra reúne 69 artistas de todas as regiões do Brasil, ocupando o térreo, o primeiro andar e a área externa do museu.

Encruzilhadas é um encontro da diversidade, das histórias, memórias e expressões que reafirmam a potência das artes visuais afro-brasileira na contemporaneidade.

Andrés Ramírez Gaviria apresenta sua primeira individual institucional no México, no MUSAS – Museo de Arte de Sonora, na cidade Hermosillo. Dialéctica del Vacío: Forma y Percepción tem curadoria de Octavio Avendaño Trujillo, diretor do MUSAS.

Abrangendo obras de 2010 a 2024, a exposição explora a interação entre formas materiais e imateriais, em uma reflexão sobre presença, ausência e a fluidez do tempo e do espaço.

A prática de Gaviria investiga as fendas dos sistemas de significado: da ciência e tecnologia à história, tempo e misticismo. Seus trabalhos jogam luz sobre as dimensões poéticas e enigmáticas dessas estruturas, remodelando referências culturais por meio de traduções, associações e reconstituições. Muitas vezes justapondo ideias opostas, o trabalho de Gaviria desafia paradigmas familiares, inspirando curiosidade e introspecção.

A exposição Pleas of Resistance atravessa mais de vinte e cinco anos de prática do artista Carlos Motta (Bogotá, 1978), que consistentemente se envolve com o corpo e a dissidência sexual como um terreno de experimentação e contestação política . Suas primeiras explorações de autorretrato fotográfico são mostradas ao lado de suas performances e videoinstalações mais recentes. A exposição explora a magnitude da pesquisa artística de Motta e seu rigor implacável em relação ao arquivo, interrogando sua violência, seu silenciamento e seus desejos . O trabalho de Motta desafia a imposição de epistemologias eurocêntricas – desde a época da conquista e do período colonial nas Américas até os dias atuais – e considera o legado da religião como perpetrador e veículo perturbador da colonialidade.

Motta iniciou sua trajetória artística ainda jovem, no final dos anos 1990, pouco antes de emigrar para Nova York e se estabelecer lá. A exposição presta muita atenção ao engajamento do artista com histórias políticas e movimentos sociais – especificamente as políticas de sexualidade e gênero e a epidemia de HIV/Aids – e suas manifestações contemporâneas sobre a fragilidade dos corpos. A noção de corpo coletivo e a atenção do artista às políticas de cuidado são centrais tanto para a representação individual quanto para a autorrepresentação, bem como para as várias formas de colaboração que o artista realizou em seus diversos projetos ao longo dos anos.

As obras de Motta propõem relatos alternativos às narrativas hegemônicas de história, religião e democracia. Seu trabalho e colaborações artísticas materializam o potencial de reforma social ao reescrever as histórias oficiais de colonização, ditaduras militares e neofascismo – em uma peregrinação que é sempre blasfema, corpórea e política.

O JAMAC participa da exposição “ASSOJABA TUPINAMBÁ UMBEUMBESÀWA: o Manto Tupinambá conta e canta a história”, no Sesc Rio Preto, com instalação baseda nas estampas “Borduna” e “Machado Tupinambá”, criadas em parceria com Célia Tupinambá a partir de sua pesquisa sobre os percursos do Manto. A producãofoi feita no ateliê do JAMAC.

A colaboração reitera o compromisso do JAMAC com práticas coletivas e educativas em arte, dialogando com processos de memória, território e resistência.

Intervenção proposta por Daniela Avelar, Fabio Morais e Lívia Aquino, partindo do diálogo estabelecido entre artistas e o Sesc Campo Limpo.

A partir da observação da unidade como um campo aberto e o convívio entre diferentes públicos e usos dos espaços, Daniela, Fabio e Lívia propõem intervenções que convidam visitantes a novos olhares para o lugar. As obras foram instaladas em meio à circulação cotidiana e integram-se à paisagem, em textos e palavras que acionam outros significados na arquitetura e na convivência.

Os trabalhos expostos lembram que as palavras podem sugerir novos usos, funções e criar outras camadas de reflexões. Desabamento de textos é uma escrita nas coisas e no espaço físico, desabando a ideia de que o lugar da palavra é somente a página, o livro, a tela.

Iván Argote ocupa o vão livre do MASP com sua instalação monumental O Outro, Eu & os Outros a partir de 10 de abril. O vão, que volta a ser gerido pelo museu, passou por um importante trabalho de restauro e revitalização da histórica laje de 74 metros livres, projetada por Lina Bo Bardi. A reabertura do vão para a programação do museu acontece paralelamente à inauguração do novo edifício do museu, o Pietro Maria Bardi.

A obra de Argote é composta por duas gangorras de grandes dimensões que se inclinam conforme o deslocamento dos visitantes, refletindo as dinâmicas de movimento e equilíbrio da coletividade.

A instalação destaca como estamos todos conectados na sociedade, tornando esses laços visíveis no espaço. Em sua obra, Iván Argote questiona e reinventa monumentos públicos, que marcam a história e reforçam figuras e eventos do passado.

Desta vez, no lugar de um monumento tradicional, ele propõe um playground aberto a todos, um espaço de encontro, troca e interação, onde a comunidade se reúne e participa.

A obra já foi apresentada em diversos países e exposições, incluindo a mais recente edição da Bienal de Lyon. A versão dupla do trabalho está em desenvolvimento para o vão livre, onde permanecerá instalada por um ano.

Iván Argote é o quarto artista comissionado para o High Line Plinth, em Nova York. Em outubro o artista inaugurará Dinosaur (2024), uma escultura colossal e hiper-realista de um pombo fundido em alumínio.

Com humor, a escultura desafia a grandeza dos monumentos tradicionais que celebram figuras históricas significativas, optando por canonizar o conhecido pássaro de rua da cidade norte-americana. Posado em um pedestal de concreto que lembra as calçadas e edifícios que os pombos de NY chamam de lar, Dinosaur inverte a dinâmica de poder entre pássaro e humano, elevando-se 6,5 metros acima do Spur, sobre os inúmeros pedestres e motoristas que trafegam pela 10th Avenue.

Iván Argote é o primeiro artista do sul global e o mais jovem a receber o comissionamento do High Line.

O Pérez Art Museum Miami (PAMM) e a ArtRio têm o prazer de anunciar ZELO, uma exposição de videoarte que explora o conceito multifacetado de zelo, abrangendo dedicação, carinho e cuidado.
Inaugurada no dia 26 de setembro de 2024, na ArtRio e disponível online via PAMMTV, a exposição pode ser acessada em qualquer lugar do mundo. É só visitar www.pamm.tv e criar sua conta.
Acompanhado por exibições noturnas no ArtRio de 26 a 29 de setembro de 2024, ZELO reflete os valores de cuidado, dedicação e conexões emocionais que estão no centro do que nos torna seres humanos. A exposição apresenta onze obras em vídeo criadas por artistas internacionais e brasileiros, que iluminam diversas perspectivas sobre o zelo, apresentando uma gama de interpretações enraizadas em suas próprias origens culturais. Através destas obras, ZELO promove uma apreciação mais profunda dos fios de ligação que nos conectam uns aos outros e ao mundo que nos rodeia, incentivando um diálogo intercultural sobre o significado do cuidado nas suas diversas formas.
A exposição marca a primeira colaboração entre a PAMMTV e MIRA, o programa pioneiro de videoarte da ArtRio, que tem sido fundamental na apresentação de obras de vídeo inovadoras e no fornecimento de uma plataforma para que as artistas possam explorar novas mídias no Brasil. Lançada em 2023, a PAMMTV é uma plataforma de streaming dedicada à amplificação de videoarte do sul da Flórida, da América Latina, do Caribe e da diáspora africana. Com o seu foco em artistas ousados e materiais de consciência social, a PAMMTV democratiza o acesso à videoarte contemporânea, criando um espaço inclusivo para que os espectadores ao redor do mundo possam descobrir obras inovadoras e instigantes.
Artistas em exibição: Jonathas de Andrade, Iván Argote, Charles Atlas, Widline Cadet, Seba Calfuqueo, Sabrina Fidalgo, Manuel Mathieu, Carlos Motta, Paulo Nazareth, Isadora Neves Marques e Luiz Roque.
ZELO é organizada por Jennifer Inacio, Curadora Associada do PAMM. A PAMMTV é produzida pelo departamento de Engajamento Digital do PAMM sob a orientação de Jay Mollica, Diretor Sênior de Engajamento Digital e Lauren Monzón, Gerente de Programa de Engajamento Digital. Agradecimentos a Nathalia Bolivar, Patrick Fox, Michaela Blanc, Mariana Dias, Zach Rubin e Daniela Vergaray pelo apoio à produção. As galerias de projetos e iniciativas digitais do PAMM são financiadas em parte pela Fundação John S. e James L. Knight