Locust Projects apresenta Waterbirds: Migratory Sound Flow, da artista mexicana Tania Candiani. Interessada na linguagem, no som e na vida após a morte de tecnologias obsoletas, Tania Candiani criou dispositivos que traduzem imagens, formas e palavras em sons e música, reaproveitando teares, teclados, máquinas de escrever e outros dispositivos mecânicos antigos para criar instrumentos de sopro, acordes ou percussão. Ela vê esses objetos como interfaces entre “a alma da máquina” e outros tipos de sensibilidades, incluindo humanas, animais e não humanas, e frequentemente faz referência a conhecimentos e histórias ancestrais.

Para o artista, estes dispositivos situam-se algures entre a ficção científica, a tecnologia de vapor vitoriana e as mais recentes tecnologias de inteligência artificial e processamento de texto.

Waterbirds: Migratory Sound Flow, originalmente encomendado para a 23ª Bienal de Sydney e com curadoria de José Roca, é um “rio” suspenso feito com galhos de árvores coletados na margem de um rio no México, muitos dos quais também são nativos do sul da Flórida.

Intitulada Coreografias do impossível e trazendo práticas artísticas de diferentes partes do mundo, a 35ª Bienal de São Paulo “deseja construir espaços e tempos de percepção que desafiam a rigidez da linearidade do tempo ocidental. O que vemos nesse horizonte coreográfico são estratégias e políticas do movimento que essas práticas vêm criando para imaginar mundos que confrontam as ideias de liberdade, justiça e igualdade como realizações impossíveis”, afirmam Diane Lima, Grada Kilomba, Hélio Menezes e Manuel Borja-Villel, que formam o coletivo curatorial da mostra.

Para os curadores, “o impossível refere-se às realidades políticas, jurídicas, econômicas e sociais nas quais essas práticas artísticas e sociais estão inseridas, mas, também, no modo como tais práticas encontram alternativas para driblar os efeitos desses mesmos contextos. Já o termo coreografia nos ajuda também a refletir como a ideia de mover-se livremente permanece no cerne de uma concepção neoliberal de liberdade. Em consonância com o próprio paradoxo criado pelo título, buscamos não caminhar ao redor de um motivo ou por núcleos temáticos, mas antes abrir espaço para uma dança contínua em que podemos coreografar juntos, mesmo na diferença.”*

*texto do apresentação no site da bienal. Leia na íntegra aqui

H+H (Hoffmann & Hank) marca o início da colaboração entre as distintas coleções de arte de Maja Hoffmann e Alex Hank. Ambos os colecionadores são reconhecidos pela sua paixão duradoura pela arte e pelo seu compromisso em partilhá-la com a comunidade, a exposição oferece uma rara oportunidade de testemunhar a fusão das suas distintas coleções de arte. Obras de Arthur Jafa, Wolfgang Tillmans, Banks Violette, Robert Overby, Nam June Paik, Sterling Ruby, Liz Larner, Jenny Holzer e Dias & Riedweg são colocadas em diálogo neste espaço para apresentar uma experiência instigante e emocionalmente ressonante em sintonia com a paisagem monocromática de inverno.

H&H (Hoffmann & Hank)
organizado por Tarmak22 e Sokoloff + Associates – consultores de arte, em colaboração com a equipe Westbau da Fundação Luma, com sede em Zurique.

O título da exposição vem de um termo no campo da acústica que descreve o deslocamento percebido na posição de uma fonte sonora, Shifting Center encena processos de escuta de paisagens infra-sônicas, arquiteturas acústicas e instrumentos não sonoros em múltiplas escalas de tempo. A exposição apresenta a escultura como baseada no tempo e apresenta-a com imagens em movimento e instalações de áudio espacial na sala de concertos, no palco do proscênio e nos estúdios da EMPAC.

A pesquisa realizada paralelamente à exposição pelos curadores Vic Brooks e Nida Ghouse considera duas tendências opostas: deslocamento, ou como objetos, obras de arte e pertences culturais são retirados de seu contexto e muitas vezes silenciados através de mecanismos museológicos de preservação e exibição; e localização, ou como a acústica arquitetônica impacta as exposições como espaços ressonantes de escuta situada. Hoje, apesar das tentativas de conceber galerias “flexíveis” para obras de arte sonoras, bem como para projetos performativos ou comunitários, os espaços expositivos contemporâneos continuam a herdar as suas inadequações sonoras das prioridades visuais do museu colonial.

O Shifting Center utiliza as capacidades técnicas únicas da EMPAC, incluindo as suas propriedades acústicas distintas, para abordar e desestabilizar algumas destas convenções. A exposição brinca com infraestrutura teatral e tecnologias sonoras baseadas em objetos, como ambisônicos de alta ordem e síntese de campos de ondas, para propor técnicas e práticas alternativas para localizar e ouvir obras de arte contemporâneas que localizam e ouvem eventos passados ​​no sempre- mudando o presente.

A canção She Talks to Rainbows dos Ramones — que narra a história de uma mulher que conversa com o mundo natural, mas não com o cantor — pode ser interpretada como uma alegoria para a nossa atual relação com a natureza. Numa época marcada por desafios ambientais e a necessidade premente de consciência ecológica, falar com a natureza, com entidades além do reino humano, torna-se não só relevante como imperativo. É um convite a refletir, fazer e pensar com a natureza, em vez de apenas pensar, escrever e criar sobre ela.

Esta exposição reúne os trabalhos de três artistas, Gabriela Albergaria, Margarida Lagarto e Marcelo Moscheta, cada um dos quais emprega metodologias distintas para se relacionar com a natureza de uma forma que se alinha com esta abordagem transformadora. Partilham de um profundo compromisso com a reparação, com o sarar das falhas na nossa relação com o ambiente e o restabelecer o seu frágil equilíbrio. Através de interpretações poéticas ou de interações diretas, estes artistas estabelecem uma conversa profunda com o mundo natural, abordando as nuvens, as sombras e as árvores que muitas vezes passam despercebidas.

O arco-íris, um fenómeno fugaz e científico, continua a cativar a nossa imaginação com o seu fascínio mágico. Contemplar um arco-íris é estar num estado de atenção perpétuo — uma observação e um encantamento contínuos. Requer um olhar finamente sintonizado com o efémero, capaz de identificar, documentar e saborear a beleza transitória da natureza. Esta atitude de procurar e preservar os momentos fugazes do mundo natural une o trabalho destes três artistas.

Para cada um deles, encontrar os seus próprios arco-íris representa uma viagem de reparação profundamente pessoal. É um ato de diálogo com o efémero, de reconhecimento e captura de momentos que, de outra forma, se poderiam perder na passagem do tempo. Este esforço não é apenas uma busca estética, mas também uma posição crítica, um grito, um método de contar histórias ou um reflexo de puro espanto. Cada uma das suas abordagens realça de diferentes formas a profunda ligação entre os seres humanos e o ambiente, enfatizando a nossa capacidade de apreciar e de nos envolvermos com o que a natureza oferece, e, ao fazê-lo, de contribuir para a restabelecer a nossa relação danificada com o planeta.

Esta exposição transcende as fronteiras artísticas tradicionais para oferecer uma exploração pungente da nossa ligação com a natureza e a necessidade urgente de a restaurar e corrigir. Serve para nos lembrar da responsabilidade de mudar a nossa perspetiva e de nos envolvermos com o mundo natural de forma mais profunda e atenta. As obras apresentadas encorajam-nos a encontrar os nossos próprios arco-íris, a conversar com os momentos fugazes da natureza e a preservar, celebrar e proteger o nosso extraordinário planeta para as gerações futuras. Ao fazê-lo, inspiram-nos a ser participantes ativos na reparação contínua do nosso frágil ecossistema, forjando um novo caminho para uma coexistência harmoniosa com o ambiente e, em última análise, contribuindo para a renovação dos laços entre a humanidade e o mundo natural.

Detanico Lain estão na exposição Signposts of the World – Dangerous Modern Art Taguchi Art Collection Exhibition, que o Nariwa Museum, emTakahashi, Okayama, hospeda até 14 de Janeiro.

Detanico Lain participam com Lightness, da série Braille ligado, uma série baseada em um sistema de escrita criado pela dupla, que conecta os pontos de cada letra do sistema Braille com linhas de luz.

“Ao ligar os pontos do Braille, Detanico e Lain deram visibilidade aos caminhos dos dedos traçando com precisão uma linha que é invisível, embora corporalmente consumada”, escreveu Jacinto Lageira no catálogo do Pavilhão Brasileiro da 52ª Bienal de Veneza, quando Detanico Lain representaram o Brasil e exibiram a série, entre outras obras.

A Coleção de Arte Taguchi foi criada por Hiroshi Taguchi, fundador do Grupo Misumi. A coleção contém centenas de obras de arte contemporânea destinadas à exposição pública fora de grandes áreas centrais do Japão.

Em suas animações, Detanico e Lain costumam lidar com a ideia de “falso movimento”: imagens fixas dão a impressão, sempre gerados por meio de sua decomposição ou seleção, de estar em movimento. Em White Noise, uma foto de satélite é acionada pelo Photoshop, que lê e apaga, um por um, todas as cores, transformando a imagem em um enorme campo branco.

Trechos editados da matéria da edição de setembro 2023 da Revista E: Passeio visual por trabalhos de Ana Mendiete e de outras artistas cujas obras estão centradas no corpo humano como sujeito de quebra de tabus e investigação sobre feminismos

Leia a edição de setembro/23 da Revista E na íntegra aqui

Por Luna D’Alama

Até o século 19, as artes visuais – como pintura, escultura e fotografia – usavam o corpo humano como objeto de representação, especialmente em (auto)retratos e nus femininos. A partir do século 20, porém, o corpo passou de objeto a sujeito, tornando-se a própria obra de arte e incluindo a constituição física da(o) artista como suporte, meio de expressão e lugar das experiências e intervenções estéticas. É na materialidade do corpo que, segundo a especialista em semiótica Lucia Santaella, fundem-se o orgânico e o mecânico, a natureza e a cultura, o original e o simulacro, a realidade social e a ficção científica.

Em meio ao auge dos movimentos feministas dos anos 1960 e 1970, também emergiu, nos Estados Unidos e na Europa, a body art. Essa vertente da arte contemporânea pressupõe que o corpo em si não é tão importante quanto o que é feito com ele, e silhuetas ou simples funções fisiológicas – como a respiração ou um espirro – podem virar obras, performances, instalações ou videoarte. No livro Culturas e artes do pós-humano – Da cultura das mídias à cibercultura (Paulus, 2003), Santaella defende que o conteúdo da body art é autobiográfico, e os trabalhos coincidem com o ser carnal do(a) artista. Assim, ela primeira vez na história da arte, “a nudez e o abjeto (passaram a ser construídos) sob o ponto de vista da ação e do olhar femininos”, quebrando-se tabus.
(…)
Em conjunto com a exposição Ana Mendieta: Silhueta em Fogo, o Sesc Pompeia também apresenta, a partir deste mês, terra abrecaminhos, mostra que aproxima a obra de Mendieta – seus aspectos arquetípicos, culturais, políticos e espirituais – com a de outras 30 pessoas representantes das artes contemporâneas. A abordagem inclui representatividade e feminismos negros, decoloniais, chicanos e ecotransfeministas, reunindo nomes como os da artista estadunidense Carolee Schneemann (1939-2019), primeira a incorporar seu corpo nu em um trabalho, Celeida Tostes (1929-1995), Laura Aguilar (1959-2018) e Márcia X. (1959-2005). Há também expoentes das artes ainda em atividade, como Suzana Queiroga, Ricca Lee, Lia Chaia, Cecilia Vicuña, Regina José Galindo, Yara Pina e a travesti Vulcanica Pokaropa.

A Stage for Rebellion reúne artistas contemporâneos que relembram as tradições teatrais radicais e de base do século XX que serviram às lutas revolucionárias. Ao fazer eco das suas reivindicações políticas e revisitar peças e ações que desapareceram da história, os artistas trazem para o presente o projeto emancipatório destes movimentos teatrais, examinando-o face às questões políticas do nosso tempo.

Esta exposição traz à luz uma série de grupos e instâncias de teatro de protesto, desde as performances militantes da Arena de São Paulo até as trupes medievais itinerantes como precursoras do teatro de rua radical contemporâneo. Encontramos também o agitprop do Movimento dos Trabalhadores Árabes em França, um grupo de teatro universitário durante a guerra civil na Guatemala, um teatro ao serviço dos movimentos anticoloniais no Reino Unido e da resistência da classe trabalhadora na Índia e, finalmente, um colectivo de artistas em Port-au- Prince tomando conta do teatro para amplificar seus gritos de revolta. Não apenas realizando ou representando a rebelião, estes diferentes movimentos inscreveram as suas lutas na realidade no preciso momento em que esta tomou forma.

Para ressuscitar estas vozes dissidentes do passado, os artistas de A Stage for Rebellion reúnem-se com protagonistas da época, exumam arquivos quando estes existem, visitam os locais onde nasceram as suas ideias e ações, ou preenchem – através da reescrita e da imaginação – os lacunas na história, no tempo e nas memórias oficiais. As obras apresentadas nesta exposição renovam também o âmbito poético e subversivo do teatro político, reativando métodos de resistência, protesto e sensibilização para repensar as lutas coletivas de hoje.

Nicolás Bacal apresenta a mostra individual Medianoche como parte da BIENALSUR 2023. No Museo Nacional de Arte Decorativo, em Buenos Aires, Bacal exibe a instalação La Velocidad de las Cosas: Northern Hemisphere, e fotografias da série La Profundidad de las Cosas. As obras são homenages domésticas às imagens astronômicas captadas pelos telescópios Hubble e Webb. Bacal transforma o mundano no estelar, revelando uma cosmologia da desordem.

“É na união do intangível e distante do espaço exterior com o ordinário e familiar dos objetos cotidianos que reside o interesse de Nicolás Bacal. Sua poética gira em torno do cruzamento entre a imensidão e a pequenez, o terreno e o celestial”, escreve Francisco Medail, um dos curadores da mostra ao lado de Diana B. Wechsler.

A trajetória de Claudia Andujar (Suíça, 1931), que fugiu da perseguição nazista durante a Segunda Guerra Mundial, revela o modo como conflitos políticos interferem na vida de diversos povos. A artista chegou ao Brasil em 1955, país em que vive até hoje e onde se naturalizou em 1976. Sua vida é marcada pela luta por demarcação de terras Yanomami e por uma série de ensaios fotográficos dedicados aos povos indígenas no Brasil. Claudia Andujar se identifica com a vulnerabilidade do povo Yanomami e nos ensina que o outro é aquele que nos ajuda a entender quem somos.

A série Sonhos Yanomami, de 2002, foi elaborada a partir de seu acervo de imagens, da sobreposição de cromos e negativos realizados desde 1971, ocasião de sua primeira viagem para a bacia do rio Catrimani, em Roraima, território Yanomami homologado pelo governo brasileiro apenas em 1992. Trata-se de uma obra do período maduro da artista, que já possuía grande intimidade com a cultura do povo que a acolheu.

As imagens revelam algo dos rituais dos líderes espirituais Yanomami e a importância do sonho em sua cosmologia. Os xamãs, diferente dos demais, se deslocam durante o sonho na companhia dos espíritos, dos xapiri, que podem trazer conhecimento, cura e proteção para a comunidade. O sonho, longe de ser um fato banal que é esquecido depois de despertarem, é uma conexão profunda com os espíritos, que viajam para além do céu, da terra e do mundo subterrâneo, e voltam com ensinamentos sobre o que viram.

O trabalho de Claudia Andujar se comunica com a cosmologia Yanomami e sua sabedoria ancestral por meio de imagens. Corujas, garças, macacos e retratos de indígenas se mesclam com luzes, texturas de pedras e árvores, resultando em fotografias fantasmagóricas dos sonhos de um povo com uma cultura sofisticada.

No período em que foi revelado ao mundo mais um genocídio contra os Yanomami, cometido entre 2019 e 2022, devido ao incentivo ao garimpo ilegal e ao uso de armas, a mostra adquire um caráter simbólico para dar visibilidade aos valores indígenas. Essa também é uma história de aproximadamente 50 anos: os Yanomami vêm sendo dizimados ao menos desde 1973 com a construção da Rodovia Perimetral Norte (BR-210) e da abertura de dezenas de pistas de pouso de aeronaves.

A sobrevivência dos Yanomami, além de uma questão humanitária, assegura a proteção da floresta, a sustentabilidade ambiental e a vida no planeta. Os xamãs, os únicos que conseguem sonhar mais longe e ouvir as vozes dos espíritos da floresta, impedem a queda do céu, sustentado pelos xapiri, que mantêm o equilíbrio e a ordem do universo. O fim do mundo, o desabamento do céu, ocorrerá quando a floresta for exterminada e o último xamã morrer. O tempo para reverter a grande catástrofe está se esgotando.

Cauê Alves

A convergência entre os artistas desta mostra se manifesta nos desdobramentos poéticos e expansões semânticas da ideia de “refundar”, presentes em suas obras, ao tempo em que apontam para outros mundos possíveis.

O resultado polifônico dessa trama de criação tem nos permitido alimentar e canalizar vastas e contínuas redes de colaboração. Desse modo, a exposição segue em processo coletivo, não-vertical e comunitário de operação, alcançado com êxito ao longo dos 7 meses de organização, acolhendo e inserindo no programa, trabalhos, ativações e atividades até o seu encerramento, em 28/01/2024, na Galeria ReOcupa.

Visite-nos e celebre o comum de nós!*

*Texto da conta instagram @galeria_reocupa

Texto do portal Sesc:

Com abertura em 2 de agosto, mostra reunirá cerca de 240 artistas negros, de todos os estados do Brasil, sob curadoria de Igor Simões, em parceria com Lorraine Mendes e Marcelo Campos.

A centralidade do pensamento negro no campo das artes visuais brasileiras, em diferentes tempos e lugares. Essa é uma das principais premissas que norteiam o processo curatorial da mostra Dos Brasis – Arte e Pensamento Negro, a mais abrangente exposição dedicada exclusivamente à produção de artistas negros já realizada no país, que abriu em 2 de agosto, no Sesc Belenzinho, em São Paulo. A partir de 2024, uma parte da mostra circulará em espaços do Sesc por todo o Brasil pelos próximos 10 anos.

A ideia nasceu em 2018, um projeto de pesquisa fruto do desejo institucional do Sesc em conhecer, dar visibilidade e promover a produção afro-brasileira. Para sua realização, foram convidados os curadores Hélio Menezes e Igor Simões. Em 2022, o projeto passa a ter a curadoria geral de Simões com os curadores adjuntos Marcelo Campos e Lorraine Mendes.
A exposição apresentará ao público trabalhos em diversas linguagens artísticas como pintura, fotografia, escultura, instalações e videoinstalações, produzidos entre o fim do século XVIII até o século XXI por 240 artistas negros, entre homens e mulheres cis e trans, de todos os Estados do Brasil.

Para se chegar a esse expressivo e representativo número de artistas negros, presentes em todo o território nacional, foram abertas duas importantes frentes. Na primeira, foram realizadas pesquisas in loco em todas as regiões do Brasil com a participação do Sesc em cada estado, com o objetivo de trazer a público vozes negras da arte brasileira. Essas ações desdobraram-se em atividades e programas como palestras, leituras de portfolio, exposições, entre outros, com foco local. Vale ressaltar que esse processo teve uma atenção especial para que não se limitasse apenas às capitais do país, englobando também a produção artística da população negra de diversas localidades, como cidades do interior e comunidades quilombolas.

A equipe curatorial pesquisou obras e documentos em ateliês, portfólios e coleções públicas e particulares, para oferecer ao público a oportunidade de conhecer um recorte da história da arte produzida pela população negra do Brasil e entender a centralidade do pensamento negro na arte brasileira.

A segunda frente foi a realização de um programa de residência artística online intitulado “Pemba: Residência Preta”, que contou com mais de 450 inscrições e selecionou 150 residentes. De maio a agosto de 2022, os integrantes foram orientados por Ariana Nuala (PE), Juliana dos Santos (SP), Rafael Bqueer (PA), Renata Sampaio (RJ) e Yhuri Cruz (RJ). A residência, que reuniu artistas, educadores e curadores/críticos, contou ainda com uma série de aulas públicas com a participação de Denise Ferreira da Silva, Kleber Amâncio, Renata Bittencourt, Renata Sampaio, Rosana Paulino e Rosane Borges, disponíveis no canal do Sesc Brasil no YouTube.

Signos na Paisagem reúne obras de Rochelle Costi e Dias & Riedweg (Brasil); Gabriela Golder e Matilde Marín (Argentina); Stephanie Pommeret (França); Silvia Alejandra González Soca (Uruguay); Gabriela Bettini (Espanha); Sara Abdu, Zhara Al Ghamdi e Hatem Al Ahmad (Arábia Suadita). Os trabalhos problematizam a experiência de vida contemporânea e têm como chave, em sua maioria, a questão do meio ambiente.

Água, ar, terra, fogo, os quatro elementos estão presentes no espaço através dos seus sons, da singularidade dos seus movimentos e das suas formas. O território está presente no fluxo de olhares de artistas de diferentes origens sobre um cenário natural que resiste, luta e renasce.

“Uma das premissas do trabalho da BIENALSUR é explorar o panorama artístico internacional por meio de um chamado aberto, livre e horizontal que realizamos para cada edição. A partir deste chamado, surgem os temas principais sobre os quais trabalhamos, bem como um conjunto de projetos de artistas de diferentes contextos culturais, que são selecionados para serem incluídos nas diversas exposições e intervenções realizadas nas mais de 40 cidades em que cada edição da BIENALSUR opera simultaneamente”, explica Diana Weschler, Diretora Artística da BIENALSUR.

Continuamos com a série de exposições que promovem a ligação entre a nossa coleção permanente e outras obras convidadas. Nesta edição focamos no diálogo com a coleção Juan e Patricia Vergez, incluindo obras de outras coleções públicas espanholas.

Na primeira edição desta série, intitulada “A história entre a persistência e a crítica”, a exposição foi organizada em torno de três temas principais: modos de compreender a história, processos educativos e crença e presente. Esta segunda edição, “O tempo é uma ilusão”, continua a investigar os processos de compreensão temporal.

Neste caso, a exposição reflete sobre como a cultura pode ser influenciada por diferentes concepções de história, percepção e temporalidade. Ao longo da exposição, questiona-se a ideia de que o tempo é algo que pode ser quantificado objetivamente e explora-se a complexidade de estabelecer divisões entre passado, presente e futuro, uma vez que diferentes camadas se sobrepõem e se afetam.

Artistas participantes:

Alexandre Diop, Alicja Kwade, Alin Bozbiciu, Amália Ulman, Ana Mendieta, Ashley Hans Scheirl, Beatriz González, Colectivo Ayllu, Cornel Brudaşcu, Cornelius Annor, Danh Vo, Detanico Lain, Dora Longo Bahia, Erika Verzutti, Etienne Chambaud, Haegue Yang, Howtan Re, Iván Candeo, Jakob Lena Knebi, León Ferrari, Manauara Clandestina, Melik Ohanian, Monika Sosnowska, Nathan Braga, Pamela Rosenkranz, Roman Ondak, Ryan Gander, Sara Ramo, Tomás Saraceno, Ventura Profana e Zheng Bo.*

*Texto da apresentação da exposição, cortesia Collegium

A exposição apresenta uma seleção de obras criadas por mais de vinte artistas argentinos de diferentes gerações nos últimos cinquenta anos. Através de esculturas, instalações, fotografias, vídeos e performances, o projeto curatorial desenvolve-se em três eixos – ironia, literalidade e citação – apresentando diferentes abordagens à representação de uma cultura muitas vezes caracterizada, no passado e hoje, por formas de violência. Situações e atitudes que superam conjunturas e se colocam numa questão sobre o futuro e que batalhas sociais travar, na Argentina e no resto do mundo. Um projeto heterogêneo que também tenta narrar e trazer à tona os mais diversos aspectos e formas de expressão de um país que durante anos foi o principal destino das grandes migrações europeias.

Artistas participando: Eduardo Basualdo, Mariana Bellotto, Adriana Bustos, Matias Duville, Leandro Erlich, León Ferrari, Lucio Fontana, Ana Gallardo, Alberto Greco, Jorge Macchi, Liliana Maresca, Marta Minujín, Miguel Rothschild, Adrián Villar Rojas, Cristina Piffer , Liliana Porter, Nicolás Robbio, Graciela Sacco, Alessandra Sanguinetti, Tomás Saraceno, Mariela Scafati, Juan Sorrentino.

Celeste

Os visionários da arte e de outros campos têm insistido que a interpretação do tempo e do espaço que predominou até agora exige revisões e atualizações significativas. Os apontamentos desses pioneiros, com mais de um século de história, têm se concentrado principalmente na vasta quantidade de instâncias da realidade que ficam fora das leituras lineares ou das menos complexas.

Entre eles, artistas latino-americanos como os argentinos Gyula Kosice ou Xul Solar refletiram sobre as imensidões em que a humanidade poderia se desenvolver se reconhecesse sua condição natural como residente do cosmos. Desses pensamentos surgiram projetos como as cidades hidroespaciais de Gyula Kosice ou a integração de perspectivas e universos múltiplos que ocuparam a vida de Xul Solar. Como outros pioneiros, esses artistas entenderam que, devido às mudanças sociais, políticas, científicas, econômicas e técnicas que testemunharam, a noção de horizonte precisava ser reconsiderada de forma radical, uma questão que também se expressa de maneira clara em propostas como a inversão da convenção norte-sul realizada por Joaquín Torres García.

A exploração dos oceanos ampliou imensamente a abstração chamada horizonte enquanto tornava prática a itinerância humana por toda a redondeza da terra, trazendo novidades à experiência tempo-espacial. Em seguida, a aventura do voo adicionou progressivamente perspectivas ao horizonte, captadas de espaços cada vez mais remotos do cosmos. Dessa forma, a horizontal que representa a suposta separação entre o alto e o baixo na distância continha cada vez mais informações, embora não se fizesse consciente disso. O que se observa no horizonte é mais conceitual do que paisagístico. Além disso, essa fusão de perspectivas múltiplas e abstratas que sustentam a horizontal distante tem mais do alto do que do baixo. Para determinados objetivos, o baixo é interpretado com maior amplitude a partir do alto.

A operação terrestre agora depende em grande parte das informações emitidas pelos centenas de satélites que orbitam o planeta, anunciando simultaneamente a escala em que a problemática ecológica se projeta e ainda não foi controlada na Terra. Embora a ideia da continuidade linear do tempo persista e represente muitas utilidades, em muitos aspectos, o desenvolvimento do conhecimento atua de maneira contrária. Apenas os avanços da mecânica quântica e da informática quântica anunciam um colapso iminente para aqueles que desconhecem as significativas complexidades da simultaneidade e não estão atualizados com as ferramentas que processam essa informação com extraordinária rapidez.

Essas notícias parecem ignorar que a arte conta com grandes mestres que conduzem aos mesmos entendimentos de maneira sensível e esclarecedora. Isso explica a renovada relevância de gigantes que vislumbraram a realidade como uma rica multiplicidade de versões muito diferentes de harmonia. Todas elas entrelaçadas em uma conversa sinfônica. Os artistas que integram esta mostra, além de compartilharem a paixão por ciências, cultura e história, estão entre os responsáveis pelo renascimento de grandes autores como Xul Solar, Hilma af Klint, Gyula Kosice, Ema Kunz, Pablo Picasso, Samuel Morse, Buckminster Fuller ou Víctor Grippo, por exemplo, que alertaram de maneiras maravilhosas e surpreendentes para um momento iminente, no qual teremos que navegar em águas novas e agitadas.

Por essa mesma razão, muitos dos imaginários reunidos neste espaço também se nutriram na valiosa interpretação legada pelas culturas fundacionais. A profundidade e a validade de seus conhecimentos foram fundamentadas em uma observação constante dos céus, que orientou a sabedoria na amplitude e profundidade dos territórios.

As luzes que iluminam as obras dos artistas que compõem Celeste despertam, assim como as dos mestres que as apreciaram e estudaram, não o medo do colapso, mas a fascinação pela inexprimível possibilidade criativa que as multiplicações, simultaneidades, incertezas e complexidades comportam.

Maria A. Iovino M.

André Vargas está em Direito à forma, exposição que o Inhotim inaugura neste sábado, dia 23. A exposição temporária tem co-curadoria de Deri Andrade, Igor Simões e Jana Janeiro.

Vargas participa com Quebrando quebranto na beira do mar, produzido durante sua residência em La Rochelle, França, em 2023.

No obra, Vargas lista 33 qualidades de Ogum, o orixá guerreiro, sobre imagens de Espadas de São Jorge, ou Espadas de Ogum. (São Jorge e Ogum são sincretizados no Brasil). Na França, a planta é conhecida como Langue de belle-mère, ou Língua de Sogra.

Durante a residência em La Rochelle – cidade com um profundo passado ligado ao trafico de pessoas escravizadas – Vargas encontrou mais fricções linguísticas com o Pretoguês, termo de Lélia Gonzalez para pensar a herança africana no português falado no Brasil.

A mostra do Inhotim parte da investigação da relação entre forma e narrativa para pensar a arte de autoria negra no Brasil a partir da produção de trinta artistas negras e negros. As obras exibidas expandem as possibilidades da presença negra no fazer artístico, ultrapassando questões figurativas e compreendendo a arte brasileira por meio destes trabalhos.

A exposição explora noções de beleza ao longo do tempo e das culturas.

Em todo o mundo, a beleza é constantemente vista como um ideal que merece ser alcançado ao máximo. Mas quais são as forças motrizes que nos levam a acreditar num mito de beleza universal, apesar da sua natureza evolutiva?

Apresentando mais de 200 itens, incluindo objetos históricos, obras de arte, filmes e novas encomendas, consideramos a influência da moralidade, status, saúde, idade, raça e gênero na evolução das ideias sobre beleza. Convidamos você a questionar as normas estabelecidas e a refletir sobre definições de beleza mais inclusivas.

O Museu de Etnografia em Budapest inaugura a sua primeira exposição fotográfica contemporânea no seu novo edifício. Intitulado “Yanomami. Espíritos. Sobreviventes”, será apresentado o trabalho de Claudia Andujar, fotógrafa de origem húngara, com colaboração da Galeria Vermelho de São Paulo.

A exposição promete uma experiência inesquecível para os entusiastas da etnografia, de culturas distantes e da fotografia contemporânea, ao mesmo tempo que transmite uma mensagem comovente sobre o mundo da floresta amazônica.

A principal mostra do ano do MAR perpassa os contextos do funk carioca através da história. Apresentada pelo Instituto Cultural Vale, com curadoria da Equipe MAR junto a Taísa Machado e Dom Filó, a mostra contou também com a colaboração de consultores, como Deize Tigrona, Celly IDD, Tamiris Coutinho, Glau Tavares, Sir Dema, GG Albuquerque, Marcelo B Groove, Leo Moraes, Zulu TR.

A temática da exposição irá apresentar e articular a história do funk, para além da sua sonoridade, também evidenciando a matriz cultural urbana, periférica, a sua dimensão coreográfica, as suas comunidades, os seus desdobramentos estéticos, políticos e econômicos ao imaginário que em torno dele foi constituído.  “Funk é um tema coletivo. Durante muitos momentos no MAR, fomos instigados a fazer uma exposição sobre o funk carioca. A exposição conta com duas salas. A primeira sala é sobre o soul, esse movimento de músicas importadas dos anos 70 e 80, que ganhou repercussão no Brasil e, é claro, influenciou o consumo também de roupas, sapatos, cabelos… a estética que vira consumo. Tem ali, ainda, a presença de pessoas que tinham acesso a equipamentos, compravam discos importados e começavam a fazer grandes equipes de som para tocar nas festas. Eram essas festas, feitas em clubes de bairros, que precederam o funk de hoje. Já a segunda sala é toda dedicada ao baile de favela, que hoje constitui, talvez, uma das maiores forças de produção artística carioca e nacional. A gente mergulha nisso, na história dos bailes constituídos por lonas, instalados em vários lugares, mas sempre dentro das comunidades”, antecipa Marcelo Campos, Curador Chefe do MAR.

A abordagem vai se estender, ainda, à presença do funk nas mais variadas dimensões e práticas culturais, com especial atenção ao campo das artes visuais contemporâneas, para as quais o funk foi uma referência de visualidade, de resistência política, de alteridade e de forma.  Objetos próprios da história do estilo musical serão combinados a uma profusão audiovisual de sons, vozes e gestos, bem como atravessados por uma iconografia relacionada ao funk, de modo a convidar o público da cidade a experimentar sua história como uma das mais potentes formas de imaginar e singularizar o Rio de Janeiro.

Para o MAR, essa é uma exposição carregada de significados que dialogam com a história da cidade do Rio de Janeiro. “Trazer o funk para dentro do Museu de Arte do Rio é reconhecer que ele já ganhou o mundo ao ter se internacionalizado como estilo musical que dialoga com muitas vozes e representa nossa cultura diversa, inquieta, ousada e livre. Este é o nosso objetivo: proporcionar ao público um encontro com a dimensão desse tão significativo movimento da cultura carioca e brasileira”, afirma Leonardo Barchini, Diretor e Chefe da Representação da Organização de Estados Ibero-americanos para a Educação, a Ciência e a Cultura (OEI) no Brasil, instituição que faz a gestão do MAR.

A exposição é dividida em 11 núcleos e contará com mais de 900 itens expográficos. Entre os mais de 100 artistas brasileiros e estrangeiros que participam da exposição, estão Herbert, Vincent Rosenblatt, Blecaute, Gê Vianna, Manuela Navas, Maxwell Alexandre, Fotogracria, Emerson Rocha, Panmela Castro, Bruno Lyfe entre outros. O público poderá interagir com algumas instalações, ouvir músicas, dançar e ler textos que contam a história do ritmo musical pelas duas salas do pavilhão de exposições. A expografia é assinada pelo Estúdio Gru.a.

Señores, é uma série de bustos de cerâmica contendo plantas vivas. A figura representada é de um homem de bigode e com insígnias de traje militar ou diplomático, uma figura com aspecto do século XVII ou XIX semelhante a um herói nacional, um homem de letras ou um conquistador.

A figura é na verdade um personagem anônimo, um amálgama de reproduções de estátuas concentradas em um corpo reconhecível, mas sem nome. Os bustos remetem a uma certa estética monumental e histórica, visível não só na Colômbia, mas no mundo ocidental. Esta série de Señores brancos de bigode que inundam praças e parques, rotundas e livros escolares, a quem segundo a história devemos a nossa herança, a nossa língua e a liberdade. Señores para vestir e despir, figuras masculinas que continuam a dominar as nossas narrativas históricas e imaginações, deixando na sombra tantas outras histórias paralelas, a das mulheres para começar, a dos povos nativos, mas também histórias de plantas e animais.

A obra refere-se à mudança de paradigmas e às questões relativas à nossa relação com as instituições, com o poder e com uma certa história hegemónica. Estes Senhores caídos, talvez enviados para serem recolhidos, podem agora servir-nos de outra forma, não mais como paradigma mas como objecto de uso, como contentor.

A figura viril do herói invertido e virado para baixo libera um espaço que agora pode ser usado para semear e armazenar vida nova.

Marcelo Moscheta inaugurou O invisível, do Projeto Conic Infinite no último domingo, como parte do Festival CÔA. O evento conecta artistas e comunidades no Grande Vale do Côa, em Portugal, para a elaboração de obras que passam a integrar a paisagem.

A instalação de Moscheta utiliza madeiras e cortiças locais, planejando sua decomposição natural, que permitirá que seu processo evolutivo as devolva à paisagem sem impacto ambiental. Além de criar recortes visuais na paisagem do alto de uma colina do Vale Carapito, O invisível também permite diferentes experiencias térmicas e sonoras por conta das características naturais da cortiça.

Moscheta desenvolveu sua instalação a partir da residência artística em parceria com o Município de Sabugai, a FCT – Fundação para a Ciência e a Tecnologia e a Amorim Cork Insulation.

Love Languages considera como a produção artística é um tipo de linguagem de amor por si só. A instalação oferece insights sobre a questão: “Como priorizamos a ternura em relação às condições sociais debilitantes?”. As obras da exposição abordam a necessidade de intimidade nas relações interpessoais e coletivas.