O Pérez Art Museum Miami (PAMM) e a ArtRio têm o prazer de anunciar ZELO, uma exposição de videoarte que explora o conceito multifacetado de zelo, abrangendo dedicação, carinho e cuidado.
Inaugurada no dia 26 de setembro de 2024, na ArtRio e disponível online via PAMMTV, a exposição pode ser acessada em qualquer lugar do mundo. É só visitar www.pamm.tv e criar sua conta.
Acompanhado por exibições noturnas no ArtRio de 26 a 29 de setembro de 2024, ZELO reflete os valores de cuidado, dedicação e conexões emocionais que estão no centro do que nos torna seres humanos. A exposição apresenta onze obras em vídeo criadas por artistas internacionais e brasileiros, que iluminam diversas perspectivas sobre o zelo, apresentando uma gama de interpretações enraizadas em suas próprias origens culturais. Através destas obras, ZELO promove uma apreciação mais profunda dos fios de ligação que nos conectam uns aos outros e ao mundo que nos rodeia, incentivando um diálogo intercultural sobre o significado do cuidado nas suas diversas formas.
A exposição marca a primeira colaboração entre a PAMMTV e MIRA, o programa pioneiro de videoarte da ArtRio, que tem sido fundamental na apresentação de obras de vídeo inovadoras e no fornecimento de uma plataforma para que as artistas possam explorar novas mídias no Brasil. Lançada em 2023, a PAMMTV é uma plataforma de streaming dedicada à amplificação de videoarte do sul da Flórida, da América Latina, do Caribe e da diáspora africana. Com o seu foco em artistas ousados e materiais de consciência social, a PAMMTV democratiza o acesso à videoarte contemporânea, criando um espaço inclusivo para que os espectadores ao redor do mundo possam descobrir obras inovadoras e instigantes.
Artistas em exibição: Jonathas de Andrade, Iván Argote, Charles Atlas, Widline Cadet, Seba Calfuqueo, Sabrina Fidalgo, Manuel Mathieu, Carlos Motta, Paulo Nazareth, Isadora Neves Marques e Luiz Roque.
ZELO é organizada por Jennifer Inacio, Curadora Associada do PAMM. A PAMMTV é produzida pelo departamento de Engajamento Digital do PAMM sob a orientação de Jay Mollica, Diretor Sênior de Engajamento Digital e Lauren Monzón, Gerente de Programa de Engajamento Digital. Agradecimentos a Nathalia Bolivar, Patrick Fox, Michaela Blanc, Mariana Dias, Zach Rubin e Daniela Vergaray pelo apoio à produção. As galerias de projetos e iniciativas digitais do PAMM são financiadas em parte pela Fundação John S. e James L. Knight

Carla Chaim, Marcelo Amorim e Nino Cais são artistas visuais cujas práticas, apesar das trajetórias diversas, compartilham uma sensibilidade aos objetos do mundo, unindo-os pela apropriação. Apropriação, no contexto da arte, envolve a incorporação de materiais não artísticos ou obras pré-existentes em novos trabalhos, com raízes na colagem e influências de Marcel Duchamp e Kurt Schitters. Nos anos 1980, artistas como Richard Prince, Sherrie Levine e Barbara Kruger elevaram essa prática ao recontextualizar imagens da mídia para criticar e desconstruir construções sociais.

Hal Foster, em “Bad New Days”, descreve os “artistas arquivistas” que recuperam e recontextualizam informações históricas perdidas ou suprimidas. Eles usam imagens, objetos e textos em instalações, criando uma legibilidade perturbada ou redirecionada. A produção incessante de imagens na internet contrasta com o retorno desses artistas aos arquivos tradicionais, agora mais acessíveis em sebos e lojas de segunda mão.

Nesta exposição, o arquivo é o ponto de partida, e cada artista atua também como curador, convidando outro artista para expandir o diálogo. Nino Cais convida Leda Catunda (objetos cotidianos ressignificados), Carla Chaim convida Lenora de Barros (corpo e escrita), e Marcelo Amorim convida Rosângela Rennó (imagens recontextualizadas). Juntas, suas obras questionam a autoridade documental dos arquivos e expressam a contínua busca dos artistas por ressignificações, iluminando vestígios do passado sob novas perspectivas.

“(…)Certa vez, saindo de uma sessão de cinema de rua em São Paulo, Sylvia Caiuby Novaes viu Claudia Andujar, Lux Vidal e Maureen Bisilliat caminhando com os braços entrelaçados. A cumplicidade entre elas mostrava não somente um gesto de amizade, mas sugeria também outras afinidades entre essas mulheres. Aquela imagem na saída do cinema ficou impregnada na memória de Sylvia durante anos, até se transformar no desejo de investigar as trajetórias dessas três mulheres numa pesquisa de antropologia visual. Suas trajetórias são extraordinárias e muitas são as coincidências entre elas: as três possuem origem europeia, todas elas da mesma geração.(…)”

Em coprodução com a Grote Kerk Breda, igreja monumental localizada no coração da cidade de Breda, na Holanda, o BredaPhoto Festival 2024 sediará, a partir do dia 13 de setembro, a exposição individual site-specific de Rosângela Rennó intitulada Living Things [Coisas Vivas].

Para isso, Rennó pesquisou com profundidade a história da Grote Kerk apresentando novos projetos juntamente com trabalhos anteriores, como o vídeo Vera Cruz (2002). As novas instalações multimédia, que incluem fotografia e vídeo, abordam temas relacionados ao colonialismo, o império, a história e a identidade. Ao entrar no espaço imponente da Grote Kerk, cuja construção gótica teve início no século 15, o visitante logo se deparará com uma imagem surpreendente. Trata-se da instalação site-specific Resistance of Breda or Las Lápidas (2024), que funciona como elemento aglutinador, o fio narrativo da exposição. Na instalação, Rennó cobre parte do chão de pedra da igreja com um tapete de cor laranja-avermelhada, evidenciando as tumbas da dinastia Nassau-Breda existentes no local.

Rennó é uma artista cuja carreira se estende por mais de 35 anos. No verão passado, a artista recebeu o prêmio Women in Motion no festival de fotografia Les Recontres d’Arles, na França. Rennó prepara ainda, para o segundo semestre de 2025, uma nova exposição individual que percorrerá as cidades de Belo Horizonte, Brasília e Rio de Janeiro. Rennó participa do BredaPhoto 2024 a convite da curadora Ileana Selejan.

Em cartaz no Sesc Vila Mariana, exposição Lélia em nós: festas populares e amefricanidade exalta trajetória da intelectual antirracista

No artigo “Beleza negra, ou: Ora-yê-yê-ô!”, de 1982, Lélia Gonzalez escreveu sobre as expressões populares no carnaval de rua baiano. “E são as jovens negras desses blocos e afoxés que organizam suas respectivas festas, convidando, de preferência, pessoas da comunidade negra que elas consideram credenciadas para escolher, dentre elas, a mais digna representante da beleza negra”. E a própria beleza negra é um dos cinco eixos da exposição Lélia em nós: festas populares e amefricanidade, que abre em junho e fica em cartaz até novembro, no Sesc Vila Mariana.

Pensada a partir do livro homônimo da autora, relançado pela editora Boitempo para recordar os 30 anos de morte de Lélia Gonzalez, a mostra revisita aspectos marcantes de sua trajetória, a partir de obras de artistas visuais contemporâneos, cujos trabalhos convergem e dialogam com seu pensamento. Com curadoria de Raquel Barreto e Glaucea Britto, a exposição é dividida pelos núcleos “Festas populares”, “Peles negras”, “Máscaras negras”, “Racismo e sexismo na cultura” e “De Palmares às escolas de samba, estamos aí”. O projeto expográfico reúne, ainda, obras de artistas contemporâneos, cujos trabalhos convergem com o pensamento de Lélia.

Partindo de imagens diversas de vulcões, extraídas de jornais e outras fontes, Carmela Gross realizou, em 2019, uma série de monotipias, no ateliê de gravura da Fundação Iberê, com a colaboração do artista e impressor Eduardo Haesbaert.

Esse conjunto de monotipias, reunidas sob o título BOCA DO INFERNO, foi exposto no segundo semestre de 2021 na 34a Bienal Internacional de São Paulo, quando já se vislumbrava – mas ainda não terminara – o fim do ciclo de trevas vivido sob a pandemia e o negacionismo.

O título evoca, sugestivamente, o pórtico de bronze A Porta do Inferno (1880-1917), do escultor francês Auguste Rodin, mas remete antes e diretamente à poesia satírica de Gregório de Matos (1636-1696), dito popularmente “o Boca do Inferno”, por suas invectivas contra as autoridades coloniais na “triste Bahia”, como canta Caetano, do século XVII.

A KØS apresenta com orgulho a primeira exposição individual do artista colombiano Iván Argote na Escandinávia, TO MOVE AND BE MOVED, de 22 de junho a 17 de novembro de 2024.

A prática de Iván Argote questiona a natureza dos nossos espaços urbanos, carregados de símbolos e grandes monumentos que sustentam e definem eventos históricos, autoridades e posições de poder.

Reconhecido internacionalmente por sua prática audaciosa e intervenções lúdicas, Argote cria filmes, performances, instalações e esculturas em espaços públicos que brincam com a história e o significado dos monumentos, oferecendo uma nova perspectiva sobre os espaços urbanos públicos.

Carlos Motta, Claudia Andujar e Iván Argote estão entre os artistas convidados para a 60a Exposição Internacional de Arte da La Biennale di Venezia, curada por Adriano Pedrosa.

A Biennale Arte 2024 acontecerá de sábado, 20 de abril, a domingo, 24 de novembro de 2024, sob o título Stranieri Ovunque – Foreigners Everywher – Estrangeiros em todos os lugares.

Em seu anúncio, o curador Adriano Pedrosa fala sobre o projeto: “Artistas sempre viajaram sob as mais diversas circunstâncias, movendo-se por cidades, países e continentes, um fenômeno que só aumentou desde o final do século XX – ironicamente, um período marcado por restrições crescentes ao deslocamento de pessoas. A Biennale Arte 2024 se concentrará em artistas que são eles próprios estrangeiros, imigrantes, expatriados, diaspóricos, emigrantes, exilados e refugiados – especialmente aqueles que se deslocaram entre o Sul Global e o Norte Global.”

Angela Detanico e Rafael Lain (Detanico Lain) estão entre os 4 finalistas do Prix Marcel Duchamp 2024.

“Depois de um longo e rigoroso processo que começou há 10 meses, quatro artistas acabaram de ser selecionados pelo nosso comité de seleção composto por onze colecionadores ADIAF”, anunciou Claude Bonnin, presidente da ADIAF.

O Prix Marcel Duchamp é oferecido pela ADIAF (L’Association pour la diffusion internationale de l’art français), e tem como norte destacar artistas franceses, ou residentes na França, em parceria com o Centro Pompidou. Todos os anos, os finalistas expões no museu parisiense e um laureado é escolhido. Considerado uma das fontes de informação mais relevantes sobre a arte contemporânea em França, o prêmio está entre os de maior prestígio no globo.

Os finalistas realizam a exposição em outubro de 2024.

A exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” será inaugurada no dia 2 de outubro de 2024 no Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro, como parte das comemorações pelos 35 anos do CCBB RJ. Com Raphael Fonseca como curador-chefe e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra, inédita, apresentará cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período.

A Trienal de Tijuana 2. Internacional Pictórica no Centro Cultural Tijuana. Marilá Dardot está entre os artistas selecionados e apresenta uma instalação desenvolvida para a mostra. ¿¡ jerga?! baseia-se no tradicional pano de limpeza mexicano de mesmo nome e em sua coincidência com a expressão do espanhol, que em português quer dizer algo como gíria.

A jerga é um produto 100% mexicano que está presente em todos os lares do México. Mas a jerga é também esse uso especial da linguagem que aponta para um meio expressivo de insurreição contra a língua oficial do colonizador espanhol. Os sinais de abertura (¿, ¡) são característicos do espanhol, e sua escrita é útil para indicar o ponto em que se inicia a sequência interrogativa ou exclamativa. Na obra de Dardot, esses sinais foram pintados de diferentes maneiras sobre jergas, criando uma tela expandida, com tintas tradicionalmente usadas para pintar paredes chamadas “Azul colonial” e o “Rosa mexicano”.

A Trienal de Tijuana tem Leonor Amarante como curadora chefe e fica em cartaz até 16 de fevereiro de 2025.

A centralidade do pensamento negro no campo das artes visuais brasileiras, em diferentes tempos e lugares. Essa é uma das principais premissas que norteiam o processo curatorial da mostra Dos Brasis – Arte e Pensamento Negro, a mais abrangente exposição dedicada exclusivamente à produção de artistas negros já realizada no país.