André Komatsu participa da BIENAL SUR 2025, no MAR – Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires, na Argentina.

O artista apresenta uma nova instalação de grandes dimensões, comissionada especialmente para o evento. Transição Normativa é estruturada a partir de tubos de aço comuns, formando uma instalação de 216 metros cúbicos. A obra se propõe como um monumento às tensões entre força e fragilidade.

Com 6 metros de altura, largura e profundidade, a instalação contrapõe a rigidez da estrutura a pequenos elementos esculturais que rompem sua estabilidade formal. São objetos que parecem suspensos em plena ação, em contraste com a regularidade geométrica dos tubos metálicos. Esses elementos não apenas desafiam o equilíbrio físico da obra, como também evocam sistemas de poder e autoridade, representando os jogos de peso e contrapeso que sustentam as estruturas hierárquicas da sociedade.

Ximena Garrido-Lecca inaugura Germinations na Renaissance Society, em Chicago.

A instalação de grande escala aprofunda sua pesquisa sobre plantas domesticadas por culturas andinas e mesoamericanas, com foco na batata (Solanum tuberosum), cultivada há mais de 8.000 anos no Altiplano e dotada de valor simbólico, espiritual e alimentar.

Inspirada na cosmovisão andina, a obra evoca o plantio como ritual e a papacancha — unidade que articula espaço, tempo e clima. Em Germinations, o conceito de Pacha — que reúne passado, presente e futuro numa lógica cíclica e simultânea — serve como eixo poético e estrutural da instalação.

A Cinemateca Brasileira e o MAM São Paulo compartilham uma história em comum. A Cinemateca surgiu em 1949 a partir da Filmoteca do Museu de Arte Moderna de São Paulo, que tinha como objetivo difundir o cinema como arte. A Filmoteca do MAM foi muito frequentada por intelectuais, cineastas e artistas visuais. Ela teve origem no Clube de Cinema de São Paulo, fundado em 1941 na USP e que teve entre seus criadores o crítico de arte Lourival Gomes Machado, que seria o diretor-artístico do MAM São Paulo entre 1949 e 1951. A Filmoteca do MAM, a partir de 1954, foi dirigida pelo crítico e historiador de cinema Paulo Emílio Sales Gomes, que criou o Clube de Cinema junto com Lourival Gomes Machado, que se tornaria o conservador-chefe e diretor da Cinemateca Brasileira a partir de 1956.

A mostra de vídeos MAM na Cinemateca: corpo e cidade em movimento parte da doação da coleção de Vera e Miguel Chaia para o museu em 2025 e foi concebida por Miguel Chaia em diálogo com a curadoria do MAM. A sessão está dividida em cinco partes: uma abertura, com o vídeo de Cinthia Marcelle, que aponta para o entrelaçamento e o encontro de diferentes que se complementam, seguida por três blocos: Retratos poéticos, em que o corpo dos artistas está em evidência; Paisagens políticas, em que a cidade e questões da vida em sociedade são os protagonistas; e Experiências de linguagem, em que a própria linguagem do vídeo é explorada de modo mais explícito. A sessão se encerra, com o filme de Cao Guimarães, Sin peso, em que toldos coloridos e vozes de comerciantes de rua se misturam como uma síntese do conjunto. A mostra apresenta um pequeno recorte de 14 vídeos dentre os 75 que integram a doação.

As obras da coleção Chaia recebidas pelo MAM inauguram um novo momento para o acervo do museu ao quase triplicar sua coleção de vídeos. MAM na Cinemateca é um modo não apenas de dar visibilidade ao vídeo como suporte da arte, mas também uma oportunidade de reflexão sobre essa produção contemporânea em um formato de exibição diferente da sala de exposições.

Nesta exposição, a ciência se abre ao diálogo com múltiplos saberes — formais e informais, tudo sobre o olhar fenomenal de um grande nome da fotografia e do ativismo, Claudia Andujar. A sustentabilidade é abordada para além daquilo que conhecemos: ela ganha uma dimensão filosófica, atravessando o indivíduo, a sociedade e o planeta.

A narrativa construída para a mostra reúne biologia, física, química e diferentes cosmologias. Ao trazer a cosmologia para o centro do debate, abrimos espaço para refletir também sobre a espiritualidade — em suas diversas expressões — e sobre as origens e conexões entre tudo o que existe.

O centro de arte contemporânea Espace Croisé exibirá MEU LUGAR NA RODA, projeto de videoinstalação da renomada dupla de artistas Mauricio Dias e Walter Riedweg.

Este projeto é inspirado na roda de samba , tradição de origem africana que se desenvolveu no Rio de Janeiro e depois se popularizou como gênero musical por si só, para o qual os encontros e a partilha são essenciais na criação musical.

A exposição “Fullgás – artes visuais e anos 1980 no Brasil” será inaugurada no dia 2 de outubro de 2024 no Centro Cultural Banco do Brasil Rio de Janeiro, como parte das comemorações pelos 35 anos do CCBB RJ. Com Raphael Fonseca como curador-chefe e Amanda Tavares e Tálisson Melo como curadores-adjuntos, a mostra, inédita, apresentará cerca de 300 obras de mais de 200 artistas de todas as regiões do país, mostrando um amplo panorama das artes brasileiras na década de 1980. Completam a mostra elementos da cultura visual da época, como revistas, panfletos, capas de discos e objetos icônicos, ampliando a reflexão sobre o período.

Mirror of the Mind explora a relação emaranhada e inseparável entre os aspectos físicos e emocionais do corpo. Esta exposição reúne mais de 120 artistas que usam figuração e retrato para examinar as complexidades da condição humana: o poder da percepção, o peso do trauma, as possibilidades de cura, o espaço para introspecção, o senso de pertencimento e o impacto na carne. Por meio de várias mídias — incluindo fotografia, pintura, escultura e vídeo — o corpo é referenciado como um recipiente que experimenta, documenta, participa e se transforma ao longo da jornada da vida. A dualidade do corpo — sua materialidade e imaterialidade — torna-se uma paisagem visual onde as dinâmicas de representação, do individual ao coletivo, são abordadas, ilustrando a persistência da figuração na arte contemporânea.

Andrés Ramírez Gaviria apresenta sua primeira individual institucional no México, no MUSAS – Museo de Arte de Sonora, na cidade Hermosillo. Dialéctica del Vacío: Forma y Percepción tem curadoria de Octavio Avendaño Trujillo, diretor do MUSAS.

Abrangendo obras de 2010 a 2024, a exposição explora a interação entre formas materiais e imateriais, em uma reflexão sobre presença, ausência e a fluidez do tempo e do espaço.

A prática de Gaviria investiga as fendas dos sistemas de significado: da ciência e tecnologia à história, tempo e misticismo. Seus trabalhos jogam luz sobre as dimensões poéticas e enigmáticas dessas estruturas, remodelando referências culturais por meio de traduções, associações e reconstituições. Muitas vezes justapondo ideias opostas, o trabalho de Gaviria desafia paradigmas familiares, inspirando curiosidade e introspecção.

Ternura Radical é uma conversa aberta que começa com uma pergunta: como podemos imaginar um espaço público diferente? É um convite a desaprender estruturas herdadas de poder e representação e a sonhar de outra forma. A nos abrirmos – com coragem e ternura – e imaginarmos novos horizontes. Um lugar não construído sobre hierarquia, mas sustentado pela abertura, pelo cuidado e pela resistência. Um espaço onde possamos nos encontrar de forma diferente, relembrar nossas histórias diversas e, juntos, moldar com alegria e criticidade os contornos de um futuro ainda por vir.

–⁠⁠⁠⁠⁠⁠ Iván Argote

Com curadoria de Blanca de la Torre e Kati Kivinen, esta terceira edição da bienal reúne 37 artistas e coletivos de todo o mundo. A exposição explora a noção de “shelter” (abrigo) não apenas como proteção física, mas como condição para a coexistência, o cuidado e a interdependência entre as espécies. Inspirando-se no contexto ecológico e histórico único de Vallisaari, a bienal destaca a autonomia dos seres não-humanos – plantas, animais, fungos, minerais – e as redes frágeis que nos conectam.

Candiani participa com Subterra, uma instalação que explora as redes ocultas que sustentam a vida acima e abaixo do solo. A obra investiga ressonância sônica e espacial, vibração e interconexão ecológica. A instalação é moldada em estreita relação com as paisagens e paisagens sonoras da Ilha Vallisaari, oferecendo ao público uma reflexão sensorial e imersiva sobre a vida subterrânea e a conexão entre espécies.

“MAM São Paulo na Pinacoteca do Ceará: figura e paisagem, palavra e imagem” apresenta obras de diferentes linguagens e procedimentos técnicos, como fotografia, xilogravura, serigrafia, pintura, desenho, escultura, bordado, vídeo, entre as mais variadas combinações e derivações. A exposição terá dois núcleos temáticos. Em Figura e Paisagem, estão reunidos trabalhos que elaboram diferentes pontos de vista sobre como os corpos e os retratos se vinculam com o espaço e o mundo ao seu redor, uma questão cara à história da arte e às transformações promovidas desde as vanguardas modernistas. Já a vinculação entre Palavra e Imagem aparece no segundo núcleo, com obras que trazem letras, palavras e textos, chamando atenção para a apreensão da linguagem escrita no contexto de uma construção imagética e vice-versa.

“Claudia Andujar, No Lugar do Outro é o resultado de dois anos de pesquisa nos arquivos da fotógrafa. É também a primeira exposição retrospectiva internacional dedicada exclusivamente ao trabalho que a fotógrafa e ativista Claudia Andujar produziu nas décadas de 1960 e 1970 no Brasil, antes de seu envolvimento com o povo indígena Yanomami da Amazônia, que lhe trouxe atenção mundial.

Andujar nasceu na Suíça em 1931, de uma família judia e protestante, e cresceu na Transilvânia. Sobrevivente do Holocausto, ela voou para Nova York em 1946 e, nove anos depois, chegou a São Paulo, Brasil, onde iniciou uma carreira de sucesso na fotografia.

Profundamente marcada pelos traumas da guerra, Andujar encontrou uma nova vida no Brasil. A fotografia a ajudou a se comunicar com as pessoas e a entender o novo território. Das décadas de 1950 a 1970, Andujar contribuiu para revistas, participou de exposições de arte e viajou de norte a sul.

Esta exposição apresenta diferentes séries por meio das quais Andujar construiu e amadureceu sua visão fotográfica: as Famílias Brasileiras (1962-64), o trabalho editorial inovador para a revista Realidade (1966-1971), as reflexões sobre feminilidade de A Sônia (1971), a fotografia de rua original da Rua Direita (por volta de 1970) e as incursões iniciais na floresta amazônica (1970-1972).

A mostra traça as imersões iniciais de Andujar em contextos sociais: sua conexão com comunidades vulneráveis; sua admiração pela fotografia humanística; sua busca para superar o realismo fotográfico por meio da experimentação gráfica e sua admiração precoce pela natureza e pelo ambientalismo.

Em 1971, Andujar conheceu o povo Yanomami enquanto trabalhava para a revista Realidade . O encontro transformou sua vida e se desenvolveu em uma missão para toda a vida, que superou o trabalho incrível das décadas anteriores — muito do qual foi esquecido ou raramente mostrado.

Claudia Andujar, No Lugar do Outro, foca em um período pouco conhecido da carreira de Andujar e nos ajuda a compreender a obra original de um dos fotógrafos vivos mais importantes do Brasil.”

Thyago Nogueira

A exposição Pleas of Resistance atravessa mais de vinte e cinco anos de prática do artista Carlos Motta (Bogotá, 1978), que consistentemente se envolve com o corpo e a dissidência sexual como um terreno de experimentação e contestação política . Suas primeiras explorações de autorretrato fotográfico são mostradas ao lado de suas performances e videoinstalações mais recentes. A exposição explora a magnitude da pesquisa artística de Motta e seu rigor implacável em relação ao arquivo, interrogando sua violência, seu silenciamento e seus desejos . O trabalho de Motta desafia a imposição de epistemologias eurocêntricas – desde a época da conquista e do período colonial nas Américas até os dias atuais – e considera o legado da religião como perpetrador e veículo perturbador da colonialidade.

Motta iniciou sua trajetória artística ainda jovem, no final dos anos 1990, pouco antes de emigrar para Nova York e se estabelecer lá. A exposição presta muita atenção ao engajamento do artista com histórias políticas e movimentos sociais – especificamente as políticas de sexualidade e gênero e a epidemia de HIV/Aids – e suas manifestações contemporâneas sobre a fragilidade dos corpos. A noção de corpo coletivo e a atenção do artista às políticas de cuidado são centrais tanto para a representação individual quanto para a autorrepresentação, bem como para as várias formas de colaboração que o artista realizou em seus diversos projetos ao longo dos anos.

As obras de Motta propõem relatos alternativos às narrativas hegemônicas de história, religião e democracia. Seu trabalho e colaborações artísticas materializam o potencial de reforma social ao reescrever as histórias oficiais de colonização, ditaduras militares e neofascismo – em uma peregrinação que é sempre blasfema, corpórea e política.

O JAMAC participa da exposição “ASSOJABA TUPINAMBÁ UMBEUMBESÀWA: o Manto Tupinambá conta e canta a história”, no Sesc Rio Preto, com instalação baseda nas estampas “Borduna” e “Machado Tupinambá”, criadas em parceria com Célia Tupinambá a partir de sua pesquisa sobre os percursos do Manto. A producãofoi feita no ateliê do JAMAC.

A colaboração reitera o compromisso do JAMAC com práticas coletivas e educativas em arte, dialogando com processos de memória, território e resistência.

Identificar objetivos, formular estratégias, usar humor, imaginação e criatividade; ser capaz de escolher uma direção, bem como de se desorientar e reorientar, de assumir papéis, de se identificar com (ou não); de apelar aos sentidos, à performatividade; de ​​estar disposto a seguir as regras (ou não), de pensar, reconsiderar, montar, desmontar e reconstruir. De se entregar à construção de realidades variadas, alternativas, novas, talvez inesperadas.

Construction, Occupation apresenta o trabalho de 24 artistas e coletivos que exploram o potencial da arte para moldar a cidade através do poder da comunidade. Recorrendo a inúmeras linguagens visuais e poéticas fundamentadas na ação coletiva, a exposição investiga um vocabulário urbano radical que borra as fronteiras entre arte e ativismo para abordar questões de infraestrutura e vulnerabilidade, circulação e segregação, e o corpo no espaço público.

Ximena Garrido-Lecca participa de Once Within a Time – 12ª SITE SANTA FE International, sob curadoria de Cecilia Alemani.

Garrido-Lecca exibe o site-specific comissionado Trinities e Protomorphisms: Rope Driver Module (2022).

Trinities (2025) entrelaça agricultura ancestral, história material e resquícios do colonialismo no Novo México. A obra consiste em uma horta baseada no sistema das “três irmãs” — milho, feijão e abóbora — cultivadas segundo métodos Zuni adaptados ao deserto. No centro, uma escultura de vidro fundido remete a obeliscos e monumentos coloniais, além de evocar a trinitita, resíduo vítreo da primeira explosão nuclear no local. Trinities articula três elementos — jardim, monumento e bomba — como modos de inscrição e memória sobre a terra.

Iván Argote ocupa o vão livre do MASP com sua instalação monumental O Outro, Eu & os Outros a partir de 10 de abril. O vão, que volta a ser gerido pelo museu, passou por um importante trabalho de restauro e revitalização da histórica laje de 74 metros livres, projetada por Lina Bo Bardi. A reabertura do vão para a programação do museu acontece paralelamente à inauguração do novo edifício do museu, o Pietro Maria Bardi.

A obra de Argote é composta por duas gangorras de grandes dimensões que se inclinam conforme o deslocamento dos visitantes, refletindo as dinâmicas de movimento e equilíbrio da coletividade.

A instalação destaca como estamos todos conectados na sociedade, tornando esses laços visíveis no espaço. Em sua obra, Iván Argote questiona e reinventa monumentos públicos, que marcam a história e reforçam figuras e eventos do passado.

Desta vez, no lugar de um monumento tradicional, ele propõe um playground aberto a todos, um espaço de encontro, troca e interação, onde a comunidade se reúne e participa.

A obra já foi apresentada em diversos países e exposições, incluindo a mais recente edição da Bienal de Lyon. A versão dupla do trabalho está em desenvolvimento para o vão livre, onde permanecerá instalada por um ano.

A partir de 26 de abril, em celebração aos 10 anos de sua inauguração, a Galeria Claudia Andujar passa por uma reconfiguração, ganhando o nome Galeria Claudia Andujar | Maxita Yano — “casa de terra” na língua Yanomami. A reformulação marca a abertura da galeria a outros artistas, povos e cosmologias.

Na ocasião, trabalhos em fotografia e vídeo de 22 artistas indígenas da América do Sul ocupam o espaço e aprofundam discussões iniciadas por Andujar, com um olhar voltado para a imagem na fotografia indígena, a luta pela terra e as alianças possíveis na atualidade.

A exposição tem curadoria de Beatriz Lemos, e conta com Marilia Loureiro como curadora de Programação Pública e Varusa como assistente de curadoria.

O Pérez Art Museum Miami (PAMM) e a ArtRio têm o prazer de anunciar ZELO, uma exposição de videoarte que explora o conceito multifacetado de zelo, abrangendo dedicação, carinho e cuidado.
Inaugurada no dia 26 de setembro de 2024, na ArtRio e disponível online via PAMMTV, a exposição pode ser acessada em qualquer lugar do mundo. É só visitar www.pamm.tv e criar sua conta.
Acompanhado por exibições noturnas no ArtRio de 26 a 29 de setembro de 2024, ZELO reflete os valores de cuidado, dedicação e conexões emocionais que estão no centro do que nos torna seres humanos. A exposição apresenta onze obras em vídeo criadas por artistas internacionais e brasileiros, que iluminam diversas perspectivas sobre o zelo, apresentando uma gama de interpretações enraizadas em suas próprias origens culturais. Através destas obras, ZELO promove uma apreciação mais profunda dos fios de ligação que nos conectam uns aos outros e ao mundo que nos rodeia, incentivando um diálogo intercultural sobre o significado do cuidado nas suas diversas formas.
A exposição marca a primeira colaboração entre a PAMMTV e MIRA, o programa pioneiro de videoarte da ArtRio, que tem sido fundamental na apresentação de obras de vídeo inovadoras e no fornecimento de uma plataforma para que as artistas possam explorar novas mídias no Brasil. Lançada em 2023, a PAMMTV é uma plataforma de streaming dedicada à amplificação de videoarte do sul da Flórida, da América Latina, do Caribe e da diáspora africana. Com o seu foco em artistas ousados e materiais de consciência social, a PAMMTV democratiza o acesso à videoarte contemporânea, criando um espaço inclusivo para que os espectadores ao redor do mundo possam descobrir obras inovadoras e instigantes.
Artistas em exibição: Jonathas de Andrade, Iván Argote, Charles Atlas, Widline Cadet, Seba Calfuqueo, Sabrina Fidalgo, Manuel Mathieu, Carlos Motta, Paulo Nazareth, Isadora Neves Marques e Luiz Roque.
ZELO é organizada por Jennifer Inacio, Curadora Associada do PAMM. A PAMMTV é produzida pelo departamento de Engajamento Digital do PAMM sob a orientação de Jay Mollica, Diretor Sênior de Engajamento Digital e Lauren Monzón, Gerente de Programa de Engajamento Digital. Agradecimentos a Nathalia Bolivar, Patrick Fox, Michaela Blanc, Mariana Dias, Zach Rubin e Daniela Vergaray pelo apoio à produção. As galerias de projetos e iniciativas digitais do PAMM são financiadas em parte pela Fundação John S. e James L. Knight